Subsecretaría de Cultura de AMR
Julio arranca con dos muy buenas películas. A las 20, un film que rompe con los estereotipos, desde Costa Rica. En la función de las 22, la primera entrega de la SECCIÓN N. WINDING REFN. (Durante el mes las funciones de las 22 h. serán una retrospectiva de la obra del danés).

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "TENGO SUEÑOS ELÉCTRICOS"


"Tengo sueños eléctricos"
Costa Rica. 2022. 102'. Dir. Valentina Maurel.

Festival de San Sebastián: Premio Horizontes: Mejor película latinoamericana; Festival de Locarno: Mejor dirección (Valentina Maurel), Mejor actor (Reinaldo Amien), Mejor actriz (Daniela Marín Navarro).
Eva es una adolescente de 16 años que vive con su madre y su hermana menor en Costa Rica. No se siente cómoda, extraña intensamente a su padre, un hombre inestable y violento del que su madre se separó. Cuando su madre quiere reformar la casa y deshacerse del gato, que al igual que el padre, está desorientado desde el divorcio, Eva decide mudarse.
Buscando una conexión más visceral y auténtica con su padre, que transita una segunda adolescencia, se enfrenta a los límites entre el amor, la rabia y la necesidad de identidad.
La intensidad del deseo adolescente, la construcción del yo y los vínculos complejos y  dolorosos entre padres e hijas mueven narrativamente este film que rompe con los estereotipos, no hay un “aprendizaje moral” ni una lección clara, sino una acumulación de experiencias intensas, contradictorias y crudas. 
Estrenada en el Festival de Locarno, es el primer largometraje de la franco-costarricense Valentina Maurel. Ganadora de numerosos premios, entre ellos mejor dirección, entró en la selección de Costa Rica para los Premios Oscar y Goya. La directora, referente del cine de la región, en su discurso al recibir el premio en San Sebastián, denunció los recortes al presupuesto cultural en Costa Rica y reclamó una Ley de Cine nacional.

A las 22 hs.: "VALHALLA RISING"


"Valhalla Rising"
Dinamarca, 2009. 100'. Dir. Nicolas Winding Refn.

One-Eye (Un Ojo) es un guerrero enigmático y brutal. Tras años esclavizado por un cacique nórdico que lo hace luchar hasta la muerte en espectáculos de violencia, logra escapar. 
Un niño al que lleva consigo lo ayuda y emprenden viaje en un barco vikingo que los lleva a una tierra desconocida, donde reinan el dolor y la sangre.
Winding Refn nos lleva en un viaje físico y metafísico, de la esclavitud a la liberación, del paganismo al cristianismo, del cuerpo al delirio. No hay certezas, sólo una constante sensación de amenaza. Dividida en capítulos o cuadros, cada uno aporta una capa simbólica más que narrativa y construye una travesía que puede leerse como alegoría del choque entre religiones, o de la conversión espiritual, o incluso del fin del hombre y su disolución en la naturaleza. O quizás dé indicios de dónde proviene la barbarie.
Influenciado por Tarkovski o Herzog, la cámara observa más que explica. Los poquísimos diálogos y el mutismo del protagonista potencian la sensación de estar observando desde un oblicuo. Imágenes bellas y actos brutales dan forma al film que, fiel al estilo de Refn, se mueve entre el cine de autor -siempre noir-, el cine de género o más bien horror extravagante, y reverberaciones existencialistas.

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Este martes tendrá lugar un interesante doble programa. A las 20 h, conflictos existenciales y espirituales narrados con profundidad y sutileza por el dinamarqués Dreyer. A las 22, el cierre de la Sección Miyazaki llega con la historia de un aviador veterano de guerra devenido en cazarrecompensas que se enfrena con piratas en el mar Adriático.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "ORDET"


"Ordet" (La Palabra)
Dinamarca, 1955. 125'. Dir. Carl Theodor Dreyer.

Globos de Oro: Mejor película extranjera (Samuel Goldwyn Award); Festival de Venecia: León de Oro - Mejor película; Asociación de Críticos Norteamericanos: Mejor película de habla no inglesa
En un remoto pueblo danés, vive Morten Borgen, un tradicional cristiano luterano. Sus tres hijos tienen diferente relación con la fe. Mikkel, el mayor, la ha perdido, Johannes, estudió teología y tiene delirios místicos, y Anders está enamorado de Anne la hija del sastre, líder de un sector religioso rival. El romance de Anders agudiza la discordia entre las dos familias, las tensiones aumentan y la familia se divide por sus creencias. El relato se complejiza hasta un final impactante, en el que el sentido de la vida apasionada se impone.
Película hipnótica en la que una vez que el espectador ingresa, difícilmente pueda escapar a su influjo. Aún se estudian sus 114 planos, los 55 planos secuencia, la celestial iluminación blanco y negro, el valor dramático de los rostros. Basada en un texto del pastor danés Kaj Munk, asesinado por los nazis, atraviesa lo sobrenatural para desbordar los límites entre la locura, la fe y la razón.
Los conflictos existenciales y espirituales son narrados por Dreyer con profundidad y sutileza, un refinado estilo que le valió ser referente clave del cine mundial. Huérfano adoptado por una estricta familia luterana, se abrió paso como periodista, crítico de cine hasta llegar a “su única pasión”: hacer cine. Influenciado por el gran director sueco Victor Sjostrom, entre sus obras destacan títulos antibelicistas y siempre contra la intolerancia, descollando títulos como Vampyr, obra surrealista con la primera mujer vampiro, y La pasión de Juana de Arco, con María Falconetti.
Ordet, La palabra ganó el León de Oro en Venecia, considerada una de las películas más hondas sobre lo espiritual en la historia del cine, una reflexión sobre las posibilidades de transformar la realidad individual a través del amor y la manera de comunicarnos.

A las 22 hs.: "PORCO ROSSO"


"Porco Rosso"
Japón, 1992. 94'. Dir. Hayao Miyazaki.

Festival de Annecy: Cristal al Mejor largometraje.
Marco es un piloto veterano de la Primera Guerra Mundial que vive exiliado en una isla del mar Adriático. Trabaja como cazarrecompensas y se enfrenta a piratas aéreos que atacan a los barcos. Logra frustrar todos los actos de piratería, pero esta no es su única peculiaridad. Marco, tiene el aspecto de un cerdo y literalmente, se hace llamar Porco Rosso, "cerdo rojo".
Los piratas están decididos a acabar con el valiente y hábil aviador y se ponen de acuerdo para contratar a un aventurero norteamericano cuya misión será eliminarlo. Entre la nostalgia, el desencanto y un código de honor propio, Porco enfrenta nuevos desafíos en el aire y se vincula con personajes que lo harán confrontar su pasado, su identidad y sus ideales.
Basado en un manga dibujado y escrito por el propio Hayao Miyazaki impactado por las cruentas guerras cuando se partió Yugoslavia. Porco Rosso, film de espíritu antibélico, se ubica entre las 2 guerras mundiales del siglo XX y se burla del fascismo entre aviones y melancolía, con un protagonista que carga con heridas invisibles de guerra y de amor.
Su animación preciosa, colorida, detallada, como siempre del Studio Ghibli, combina paisajes del Adriático que parecen pinturas, y aviones dibujados con precisión y cariño. Su planteo temporal entre guerras le permite una libertad creativa en los diseños que le da un tono mágico y de fantasía histórica. Obra maestra del genial Miyazaki que cierra la Sección en su honor.

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El próximo martes el Cine Club propone un programa muy diverso. A las 20, un film noir sobre un ladrón de joyas profesional. A las 22 será el turno de otra entrega de la Sección Miyazaki, con un hermoso film animado nominado al Oscar a la Mejor Película de Animación en 2013.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "MI PROFESIÓN: LADRÓN"


"Mi profesión: Ladrón" (Thief)
Estados Unidos, 1981. 122'. Dir. M. Mann.

Un ladrón de joyas experto en el negocio de diamantes de Chicago, después de pasar varios años en la cárcel, llega a la conclusión de que lo que realmente desea es abandonar su profesión y tener una agradable vida familiar. Pero antes de retirarse tendrá que resolver ciertos problemas. Para acelerar el proceso interviene en un gran negocio en el que participa un gángster muy poderoso.
Frank es un hombre que busca redención y una vida normal, pero se ve atrapado por las estructuras del crimen organizado.
Mann plantea una profunda exploración de los personajes en sus films. Realista en la representación de técnicas de robo, gracias a la asesoría de exdelincuentes y policías reales, Thief se inscribe en el género neo-noir y está basada en el libro The Home Invaders: Confessions of a Cat Burglar de Frank Hohimer, un exladrón de joyas que participó como asesor técnico en el rodaje.
Tensa y estilizada refleja la dualidad entre el deseo de libertad de Frank y las cadenas de su entorno. Considerada una película de culto que influenció el cine de crimen posterior, marcó el debut cinematográfico de Michael Mann como director y fue una escala de lujo para otro gran film suyo, Heat.

A las 22 hs.: "EL VIENTO SE LEVANTA"


"El viento se levanta"
Japón, 2013. 105'. Dir. Hayao Miyazaki.

Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película de animación; National Board of Review (Asociación de Críticos Norteamericanos): Mejor largometraje de animación; Asociación de Críticos de Chicago: Mejor film de animación; Asociación de Críticos de Boston: Mejor película de animación; Premios Annie: Mejor guión (Hayao Miyazaki); Premios de la Academia Japonesa: Mejor película de animación, Mejor música (Joe Hisaishi); Satellite Awards (International Press Academy): Mejor largometraje animación.
Jiro Horikoshi, corto de vista desde niño y por ello incapaz de volar, sueña con volar y crear hermosos aviones y se inspira en el famoso diseñador aeronáutico italiano Caproni. Pronto se une a la división aeronáutica de una compañía de ingeniería. Su talento es reconocido y se convierte en uno de los más prestigiosos diseñadores aeronáuticos.
La película, cual biografía, sigue la vida profesional y personal de Jiro. Su relación con Nahoko, una joven que padece tuberculosis, el terremoto de Kanto de 1923, la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial, forman parte de este relato del genial estudio Ghibli.
Miyazaki se aleja aquí de los elementos fantásticos característicos de sus obras anteriores para ofrecer una narrativa más realista y madura. La pasión por la creación, el conflicto entre los sueños personales y las realidades sociales, y las consecuencias éticas del progreso tecnológico convergen a partir del protagonista.
Nominada al Oscar a la Mejor Película de Animación en 2013, se convirtió en la película de mayor repercusión en Japón. Internacionalmente es considerada una obra maestra, por combinar con maestría una historia personal con eventos históricos, y el arte animado ya consagrado de Miyazaki-Ghibli.

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Hoy viernes se celebra el buen cine, SE CELEBRA A MARIO PIAZZA.
Lanzamiento de Archivo Piazza.
A un año de su desaparición física, lo recordamos con una función conjunta del Cine club Rosario y Archivo Piazza. 
El periodista y cineasta Paulo Pecora, director del Festival internacional Infinito Super 8, entre otros comunicadores, presentarán las películas, que se proyectarán en fílmico: Papá gringo y La escuela de la señorita Olga.
 
El martes 3/6 será de doble función, con dos propuestas muy singulares. A las 20, un film cuya realización llevó 20 años, y da cuenta de la transformación de China.
A las 22, se inaugura la SECCIÓN MIYAZAKI, proyectando un documental en el estudio Ghibli con el realizador. 

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Viernes 30/5

20 hs.: LANZAMIENTO DE ARCHIVO PIAZZA

"PAPÁ GRINGO" y "LA ESCUELA DE LA SEÑORITA OLGA"

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Martes 3/6

A las 20 hs.: "CAUGHT BY THE TIDES"

"Caught by the Tides"
China, 2024. 111'. Dir. J. Zhangke.

China, 2024. 111'. Dir. J. Zhangke.
Son los 2000, Qiao Qiao una mujer de clase trabajadora, y Guao Bin, su manager, comparten un amor apasionado pero frágil. Cuando Guao Bin decide dejar la ciudad en busca de mejores oportunidades, promete llevarla consigo una vez que tenga éxito. Qiao Qiao no puede esperar y decide ir en su busca.
En su viaje atraviesa regiones afectadas por el desplazamiento de comunidades debido a la construcción de la Presa de las Tres Gargantas y otros cambios sociales y económicos en la China contemporánea.
Película de estructura compleja y riqueza visual, con escasez de diálogos y diferentes formatos de imagen, brinda un tono contemplativo y melancólico a la historia de Qiao Qiao, que funciona como metáfora de la transformación nacional. La narrativa no lineal, incorpora material filmado a lo largo de 22 años, incluyendo escenas de obras anteriores de Zhangke como Placeres desconocidos o Naturaleza muerta y ofrece una perspectiva auténtica del paso del tiempo.
Seleccionada para competir por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2024, Jia Zhangke recibió elogios por su enfoque poético y su capacidad para capturar la esencia humana de una nación en constante mutación.

A las 22 hs.: "THE KINGDOM OF DREAMS AND MADNESS"

"The Kingdom of Dreams and Madness"
Japón, 2013. 118'. Dir. Mami Sunada.

Documental en el estudio Ghibli con Hayao Miyazaki.
Con libre acceso a el estudio de animación más famoso de Japón, el estudio Ghibli, la directora Mami Sunada sigue al director Hayao Miyazaki, a el productor Toshio Suzuki y a el esquivo "otro" director, Isao Takahata a lo largo de un año, mientras se preparan sus nuevas y esperadas películas -las geniales El viento se levanta, de Miyazaki, y The Tale of Princess Kaguya, de Takahata.
El film documental resulta en una mirada única sobre el método de trabajo del más célebre estudio de animación del mundo, un retrato de los sueños de sus creadores, su pasión y una dedicación sistemática que bordea la locura.
A través de una cámara íntima y paciente, Sunada nos muestra el día a día de los animadores, en especial del propio Miyazaki, un artista meticuloso, sensible y melancólico. Mientras trabaja en lo que él cree podría ser su última película, el film explora sus reflexiones sobre el arte, la industria, el paso del tiempo y su complicada relación con su compañero artístico de toda la vida, el gran Takahata.
Las tensiones entre la pasión creativa y las exigencias del cronograma de producción; un Miyazaki complejo: brillante, obsesivo y a veces sombrío; un estudio que funciona casi como una gran familia, con todo lo que esto implica y una atmósfera de cierre, de despedida, son parte de este relato documental que es a la vez un ensayo visual sobre la creación, el arte, la fragilidad humana y el alma de uno de los estudios originarios de las obras más tiernas e influyentes de la historia del cine.

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El martes 13 viene con dos films bien diferentes y originales. A las 20, una comedia de terror que es clásico de culto. A las 22, un film excepcional, con pinceladas surrealistas, desde Bélgica.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "LA TIENDITA DEL HORROR"


"La tiendita del horror"
Estados Unidos, 1986. 94'. Dir. Frank Oz.

Con Rick Moranis, Steve Martin, Ellen Greene, Vincent Gardenia, Bill Murray.
Seymour es un tímido florista en un barrio decadente. Está secretamente enamorado de su compañera de trabajo Audrie, pero ella sale con un dentista algo sádico. Un día, justo después de un extraño eclipse, Seymour compra una pequeña planta a la que bautiza Audrie II. La planta comienza a moverse e incluso a hablar con Seymour, lo que la convierte en una atracción para la ciudad. Nadie sabe de qué tipo de extraño ser se trata.
A medida que Audrey II crece, Seymour se ve atrapado entre su ambición, el amor por su compañera y la necesidad de alimentar a su voraz planta carnívora.
Ésta es una re versión de la original creada por Roger Corman en 1961 -primer protagónico de Jack Nicholson–, dirigida por Frank Oz y transformada en un musical deliciosamente macabro y ultra divertido. Comedia, horror y música en una fórmula única que la convirtió en una obra de culto.
Satiriza la idea de que cualquiera puede triunfar si se esfuerza y da cuenta de lo devastador del modelo de consumo en el escenario que elige para el relato; eran tiempos de furor neoliberal, Reaganomics, etc. En Skid Row, el suburbio donde viven, todos los personajes son marginados, invisibles para la sociedad. El sueño del ascenso social y el éxito viene con un costo monstruoso, y la planta parece representar un capitalismo devorador.
Clásico del horror más popular, es una combinación de musical estilo Broadway y cine de clase B intencionadamente kitsch y exagerada, desde el vestuario hasta los decorados, todo remite a los años 50 y 60, con un aire camp y artificioso. La plantita Audrey II es un hito de la animatrónica, creada por el mismo equipo técnico que trabajó en Star Wars, aunque para una historia muy diferente.

A las 22 hs.: "LAISSEZ BRONZER LES CADAVRES"


"Laissez bronzer les cadavres"
Bélgica, 2017. 92'. Dir. Hélène Cattet y Bruno Forzani.

Luce es una pintora excéntrica de unos 50 años que todos los veranos se va a su pequeña casa aislada y algo en ruinas en el sur de Francia. Este verano lo pasa con Max Bernier, un antiguo amante, escritor alcohólico; Brisorgueil, su amante actual, abogado; y tres amigos de este que no conocía todavía: Rhino, Gros y Alex.
Tras hacer la compra en la ciudad, los amigos de Brisorgueil asaltan un furgón blindado y se hacen con 250 kilos de oro. Vuelven a la casa de su anfitriona, con la idea de esconderse allí hasta el final del verano, pero antes el refugio se convierte en un campo de batalla.
Desarrollada con una narrativa de tiempo no lineal, sigue minuciosamente a los personajes durante un día largo y muy agitado. Con rasgos del estilo rashomon con perspectivas concatenadas, los tiroteos se repiten desde distintos puntos de vista, hay flashbacks, alucinaciones, y momentos de psicodelia con la característica contundencia visual del dúo Cattet-Forzani.
Hipersensorial, estética ultraestilizada, esta obra de Hélène Cattet y Bruno Forzani, reconocidos por su amor al erotismo surrealista y el cine de culto europeo de los 60 y 70, tiene muchas secuencias compuestas como cuadros barrocos o surrealistas. Colores saturados, zooms abruptos, primeros planos extremos (ojos, dedos, balas, sudor), música retro y un montaje seco de las escenas brutales, la hacen una película excepcional.

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Doble función con 'plus'. La interesante propuesta del Cine Club para este martes empieza a las 20 con la película española que abrió el camino a un cine más libre y valiente. En la previa de la segunda película, el estreno de un videoclip a partir del tema de la banda FUTURO ANTERIOR & Mark Cunningham. A las 22, una obra original y fantástica de Ann Oren.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "FURTIVOS"


"Furtivos"
España, 1975. 99'. Dir. J.L. Borau.

Película fundamental del cine español, obra maestra que marcó un antes y un después en la transición del franquismo.
Festival de San Sebastián: Concha de Oro: Mejor Película, Mejor Película de Habla Hispana - Perla del Cantábrico; Premios Sant Jordi: Mejor película española, Mejor interpretación española (Lola Gaos).
Ángel es un cazador furtivo que vive en un bosque con su madre Martina (Lola Gaos), una mujer tiránica y violenta. Lleva una vida solitaria y aislada con esta autoritaria y posesiva madre. En uno de sus escasos viajes a la ciudad, conoce a Milagros, una chica que se escapó de un reformatorio y es la amante de un delincuente llamado El Cuqui.
Ángel la protege y la lleva a su casa. La madre rechaza a Milagros, tanto como Ángel se siente atraído por ella, lo que produce un drama de características muy particulares. El control que pretende Martina sobre su hijo es sofocante y la tensión sexual incestuosa entre ellos es el medio de Borau para hablar de las perversiones y deformaciones que produce el aislamiento y la represión.
Estrenada en los últimos meses del franquismo, el film puede leerse como una metáfora del país que está a punto de cambiar. La tensión entre la vieja estructura represiva (Martina) y la posibilidad de una nueva libertad (Milagros) es muy clara.
Drama rural tempestuoso y febril, directo, sin simbolismos, crítica social y política soterrada, abrió el camino a un cine más libre y valiente, anticipando ‘el destape’. El título de oro del cine español que consolidó a José Luis Borau como un cineasta de referencia mundial.

Previo a la proyección de las 22:
"RITUAL"
Estreno del Videoclip, con edición de Gustavo Galuppo, a partir del tema de la banda FUTURO ANTERIOR & Mark Cunningham.

A las 22 hs.: "PIAFFE"


"Piaffe"
Alemania, 2022. 86'. Dir. Ann Oren.

La introvertida Eva, una joven tímida y solitaria que trabaja como diseñadora de efectos sonoros, se ve obligada a aceptar un trabajo en un anuncio publicitario sobre un sedante para caballos cuando su hermana Zara sufre un ataque de nervios.
Se esfuerza por crear sonidos para el comercial, tanto se involucra con este universo que empieza a percibir mutaciones y acentuación íntima de su sensualidad. El elemento fantástico del relato es a la vez una manifestación física de su despertar interior, una metáfora de su conexión con lo animal, lo primitivo y lo instintivo.
Entre lo narrativo y lo performático, todo transcurre como si fuera un sueño inquietante. Aborda el deseo desde un lugar no normativo, conectando lo sensorial con lo animal.
Con un predominio del claroscuro lo visual, el diseño sonoro es también clave en la película. Los detalles sonoros se convierten en parte intrínseca del lenguaje. De hecho el sonido se vuelve más expresivo que los diálogos.
Debut en largometraje de Ann Oren, artista visual conocida por su trabajo en performance y videoarte, fue muy bien recibida en el circuito de festivales, sobre todo en Locarno, por su originalidad formal y narrativa.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El Cine Club propone, este martes 29 que viene, dos películas de Richard Linklater. A las 20, el comienzo de una historia de amor que se completa con su secuela, que se proyectará a las 22.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "BEFORE SUNRISE"


"Before Sunrise" (Antes del Amanecer)
Estados Unidos, 1995. 101'. Dir. Richard Linklater.

Festival Internacional de Berlín: Oso de Plata - Mejor dirección (Richard Linklater).
Céline (Julie Delpy) es una estudiante francesa que regresa a París después de visitar a su abuela. Jesse (Ethan Hawke) es un joven estadounidense que viaja por Europa tras ser abandonado por su novia. 
Con el ritmo de un tren de fondo ambos pasajeros sueltan miradas furtivas que se cruzarán y transformarán en una conversación íntima y profunda. De forma espontánea Viena será el lugar donde estos dos desconocidos buscarán transformar esa casualidad, ese instante, en un día juntos, y quizás en toda una noche.
 En la obra de Linklater los diálogos son los grandes protagonistas. En boca y gestos de Hawke y Delpy cada línea tiene la potencia de la naturalidad y la sutileza. Reflexiones sobre la vida, la muerte, el amor, la religión, el arte, el sexo, la soledad. Cada conversación entre Celine y Jesse abre una puerta franca a temas existenciales.
 La cámara del director norteamericano es etérea, no interrumpe, flota. Ella es testigo junto con nosotros mientras acompañamos a estos dos desconocidos sin ser notados, escondidos detrás de la lente. Ahí el talento de Linklater.
 El ritmo narrativo es el de la atención plena que se dedican los dos personajes y su deriva, mientras caminan en por las calles de Viena, que también es protagonista indiscutida de esta historia.

A las 22 hs.: "BEFORE SUNSET"


"Before Sunset" (Antes del Atardecer)
Estados Unidos, 2004. 77'. Dir. Richard Linklater.

Pasaron 9 años desde el día en que Jesse y Céline caminaron por Viena. Él es ahora un escritor exitoso y está en París presentando su novela, en la cual trata de capturar algo de ese encuentro pasado. Céline aparece sorpresivamente en la librería, y deciden pasar juntos el tiempo que le queda a Jesse antes de (volver) a partir, antes de (volver) a despedirse. 
Pasean por las calles parisinas, recordando aquel día en la capital austríaca ¿Por qué no se reencontraron como habían prometido? En Before Sunset la adultez encuentra a nuestros protagonistas reflexionando sobre lo que fue, lo que no fue, lo que podría haber sido. Las circunstancias de la vida, los errores, arrepentimientos y los malentendidos. Miran con ojos adultos a aquellos jóvenes enamorados preguntándose cuánto de lo que fueron sigue hoy presente en este nuevo encuentro.
 Linklater parece interesarle particularmente el tiempo. Cómo se transforman sus personajes, cómo cambian sus pensamientos y sentimientos, sus cuerpos, su forma de acercarse y alejarse, de la misma forma que ya lo demostraría luego con su genial Boyhood (2014). 
Al igual que en su film anterior, Linklater demuestra saber transmitir las emociones más profundas a través de su cámara, textos, miradas, silencios y gestos. Todo tiene peso narrativo. Una carga la cual se respira durante toda la película. Y nuevamente nos tiene a nosotros acompañándolos.