Author - ozanarello

Subsecretaría de Cultura de AMR
Este martes de doble función será de cine francés. A las 20, el film que se llevó el Premio Especial del Jurado del Festival de Gijón. A las 22, otro gran film, de la sección Cuentos Cinematográficos.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "L'ÉTÉ DERNIER"


"L'Été dernier"
Francia, 2024. 104'. Dir. Catherine Breillat.

Festival de Gijón: Premio Especial del Jurado.
“Creo que simplemente soy una persona subversiva, y es la sociedad la que huele a rancio.” C.Breillat
Anne, una brillante abogada penalista, especializada en la defensa de menores víctimas de abusos, vive en las afueras de París, junto a su esposo y sus dos pequeñas hijas. Théo, el hijo de 17 años que Pierre tuvo en un matrimonio anterior, llega para pasar el verano. Anne, gradualmente, entabla una relación complicada con su hijastro adolescente, arriesgando su carrera y su vida familiar. Breillat, experimentada directora francesa, sigue pensando que “Lo políticamente correcto significa no reflexionar", y no duda en desafiarlo.
Después de 10 años ausente, Catherine Breillat regresó a la competencia del Festival de Cannes 2023 con El último verano, un largometraje con el que reabrió las expectativas sobre su bien ganada reputación de cineasta polémica.
Adaptación libre de la película danesa Reina de corazones de May el-Toukhy, con la que Breillat explora metódicamente la fina y adictiva frontera del placer, el ballet del acercamiento lúdico a la seducción y el impulso de liberarse del peso de la vida conyugal.
Sin movimientos de cámara extravagantes, concentrando en planos cerrados, prefiere dejar que la relación de los personajes, y la actuación, ocupe el centro. El “dejarse llevar” carnal, el mar de dudas, los conflictos entre intelecto y deseo, entre lealtad y traición invaden la trama de la película que se cuenta a través de los ojos de su arriesgada protagonista.
Una película devastadora sobre la amoralidad burguesa, que expone en el corazón de una familia “normal” una especie de agujero negro donde debería haber empatía. Breillat siempre toma seriamente a sus personajes y sus deseos, aquí desafía los bordes morales así como las convenciones narrativas, y a la siempre pertinente cuestión de los límites, en cualquier edad.

A las 22 hs.: "TOUR DE GLACE"


"Tour de Glace"
Francia, 2025. 118'. Dir. Lucile Hadzihalilovicz.

Festival Internacional de Berlín: Oso de Plata - Contribución artística sobresaliente; Festival de San Sebastián: Ganadora Sección Zabaltegi
Años 70. Atraída por las luces de la ciudad, Jeanne (excepcional Clara Pacini) una adolescente huérfana de 15 años, huye del orfanato, situado en lo alto de las montañas. Sin un rumbo claro, se refugia en un hangar que durante el día resulta ser un estudio de cine y que ella explora en secreto por las noches.
Allí, un equipo está rodando una adaptación del célebre cuento "La Reina de las Nieves" de Hans Christian Andersen -el cuento favorito de Jeanne, protagonizado por la enigmática Cristina, (interpretada por Marion Cotillard). La chica cae bajo el hechizo de la atormentada estrella y entre ambas surge una mutua fascinación.
Poco a poco, Jeanne empieza a desempeñar un papel cada vez más importante en el rodaje. A medida que crece su obsesión por el reino de la Reina de las Nieves, entre el plató y la pantalla, el cine y la realidad se funden en un juego mágico y laberíntico.
Visualmente deslumbrante, en un marco de cuidada realización integral. Ambientada en una ciudad de noche eterna con calles tenuemente iluminadas, y un plató que parece fuera del mundo, donde la nieve cubre los cuerpos y la sangre estalla sobre el blanco.
Lo cotidiano se vuelve extraño y lo real parece un cuento de hadas retorcido, mientras la directora Hadžihalilovic explora la fragilidad de la adolescencia, entre imágenes nebulosas y climas pesadillescos. En ese nivel casi subconsciente va apareciendo la ominosa belleza de su original film dentro de otro.

Subsecretaría de Cultura de AMR
Este Martes 7/4 también es de doble función; a las 20, un film del director rosarino Rubén Plataneo. A las 22, de la sección Cuentos Cinematográficos, se verá un film islandés con una joven Bjôrk.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "CAÍAN DEL CIELO"


"Caían del Cielo"
Argentina, 2025. 79'. Dir. Rubén Plataneo.

BAFICI 2025. Premio del Público FICER 2025
Antropólogos forenses detectan alteraciones antrópicas con sistema láser high tech, buscan enterramientos clandestinos de la última dictadura militar, en un enorme monte cerrado al norte de la ciudad de Santa Fe. Valeria hija de desaparecidos, coordina las tareas logísticas; su abuela Otilia, Madre de Plaza de Mayo, cumple 102, 103 años mientras espera noticias del pasado. El tío Ale cuida de Otilia, cocina, tira el tarot. Las constelaciones abiertas articulan con la propia historia del director, en el mismo monte.
Plataneo trama retratos íntimos de personajes potentes y sensibles a la vez, con trabajos de gran valor histórico; y una imaginería visual que transita del cielo a lo profundo de la tierra como las investigaciones forenses, reconfigurando el terreno boscoso y la ciudad-isla como personajes. Ciencia y justicia, cuerpos y memorias, sonidos de la tierra interrogada, refinada música electrónica a cargo de Charlie Egg, encuadres e iluminación delicadamente custodiadas por Julián Alfano, Maxi Wendler y Chechu Sarmiento, sonido preciso por Alan Valsangiacomo, elaborada edición de Diego J. Martínez. Todo un trabajo de equipo producido por el mismo Plataneo junto a Mónica Amarilla y Anuk Telev en locaciones reales, que integra también con naturalidad escenas actuadas por Delmo Puliotti, Tomi Vogel y Hernán Rosa.
En la selección del último BAFICI, así la presentaba el programador Sebastián Rosal:
“Dentro del amplio grupo de películas (documentales, en mayor medida) que han abordado los terribles años de la represión ilegal y sus devastadoras, por siempre perdurables consecuencias, Caían del cielo encuentra, en sus formas y en su tono, la manera de destacarse. Como en un collage, la conmovedora dignidad de Otilia de Silva, las luchas de su nieta Valeria Silva, los recuerdos personales del propio Plataneo, los testimonios (rigurosamente científicos y humanos al mismo tiempo) del fabuloso equipo de antropólogos forenses amalgaman lo público y lo privado hasta hacerlos indiscernibles. 'Nuestra venganza es ser felices', dice Silva. Esta película viva, seria y fundamentada, pero jamás solemne, es un justo tributo a esa idea”.

A las 22 hs.: "THE JUNIPER TREE"


"The Juniper Tree"
Islandia, 1990. 78'. Dir. Nietzchka Keene.

Dos hermanas, Margit (Björk) y Katla, huyen a las montañas después de que su madre es quemada en la hoguera acusada de brujería, en la Islandia medieval. Buscando refugio llegan a la casa de Jóhann, un campesino viudo que vive con su pequeño hijo, Jónas. Katla utiliza sus artes para hechizar a Jóhann, hacer que se enamore de ella y así asegurar su supervivencia y la de su hermana.
Katla vive un tenso y conflictivo matrimonio con Jòhan, atravesado por la desconfianza de Jónas que piensa que Katla es también una bruja. Mientras, Margit desarrolla una profunda y tierna amistad con Jónas, reservándose momentos de diálogo entre ese particular paisaje que parece cargarse de simbolismo. A partir de estos elementos la película explora el conflicto entre la lealtad familiar, la supervivencia de las mujeres y la inocencia infantil enfrentada a la oscuridad, todo envuelto en una atmósfera de misterioso cuento de hadas.
Rodada en blanco y negro exhibe una belleza visual y sonora hipnótica. Expresionismo de bajo presupuesto o a la intemperie podría decirse, donde cada imagen está cargada de intenciones no solo estéticas. El ritmo de tensa contemplación con fundidos a negro que separan el relato en momentos dramáticos diferentes, acentúan la sensación de estar ante un cuento narrado a fuego lento. La directora logra desplegar la historia y hacer sentir, con diálogos escasos y poéticos, el sonido del viento entre los montes de basalto y las olas del mar cercano, el peso emotivo de una banda sonora que es protagonista clave para sumergirnos en la atmósfera de esa Islandia medieval, o más bien de un territorio de cuento esotérico atemporal.
Basada libremente en el texto "Del enebro" (The Juniper Tree) de los hermanos Grimm, Keene realiza una adaptación muy personal y se aleja de la moraleja original para ofrecer una perspectiva femenina. Bjork destaca en su mágico personaje, que parece sobrevolar compasivamente los dramas humanos.

Subsecretaría de Cultura de AMR
Este martes sigue la propuesta de dos films sumamente atractivos. A las 20, una noruega del director Joachim Trier. A las 22, un clásico norteamericano, dirigido por Mike Nichols.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "OSLO"


"Oslo"
Noruega, 2011. 95'. Dir. Joachim Trier.

Anders, un joven de 34 años, está a punto de finalizar un tratamiento de desintoxicación en el campo. Como parte de su terapia se le concede un permiso para viajar a Oslo y asistir a una entrevista de trabajo. Lo que comienza como una salida rutinaria se convierte en un viaje emocional de 24 horas por los lugares y las personas que marcaron su vida antes de que las drogas lo distanciaran de todo.
A lo largo de un único día, el 31 de agosto, Anders llega a Oslo con la esperanza, aún frágil, de retomar las riendas de su vida. Durante esa jornada, se reencuentra con su amigo Thomas, ahora un respetable profesor universitario casado y con hijos; intenta ver a su hermana, quien lo evita y se topa con viejos conocidos que pertenecen a su pasado como adicto.
La brecha entre él y el mundo que dejó atrás se vuelve más evidente. Las conversaciones, los silencios y sus pensamientos lo enfrentan a una pregunta demoledora: ¿es posible realmente volver a empezar cuando sientes que ya lo has perdido todo, incluyéndote a ti mismo?
Parte de la trilogía que explora la identidad y la juventud en Oslo, posterior a Reprise (2006) y anterior a La peor persona del mundo (2021), en Oslo 31 de agosto Trier utiliza una puesta en escena minimalista y una cámara que sigue a Anders como una sombra, sumergiéndonos por completo en su punto de vista.
El film trasciende el tema de la adicción y se convierte en una reflexión universal sobre la edad adulta, el paso del tiempo y el costo de las decisiones que tomamos, o dejamos de tomar.
Nacido en Copenhague pero criado en Oslo, Trier es considerado una de las voces más personales del cine europeo contemporáneo. Acá adapta libremente la novela "Fuego fatuo" (Le feu follet), del escritor francés Pierre Drieu La Rochelle, publicada en 1931, Trier traslada la acción del París de entreguerras al Oslo contemporáneo, demostrando la atemporalidad de los dilemas existenciales del protagonista.

A las 22 hs.: "EL GRADUADO"


"El Graduado"
Estados Unidos, 1967. 105'. Dir. Mike Nichols.

Oscar: Mejor dirección; Globos de Oro: Mejor película-Comedia o musical, Mejor dirección (Mike Nichols), Mejor actriz principal-Comedia o musical (Anne Bancroft),
⁠⁠⁠⁠⁠Nueva promesa masculina (Dustin Hoffman), Nueva promesa femenina (Katharine Ross); BAFTA: Mejor película, Mejor Dirección, Mejor guion original (Calder Willingham, Buck Henry), Mejor montaje (Sam O'Steen), Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor dirección (Mike Nichols).
Benjamin Braddock es un joven de 21 años que regresa al hogar familiar en California después de graduarse en la universidad. Está perdido y ansioso sobre su futuro, y es incapaz de conectar con el mundo superficial y materialista de sus padres y sus amigos. En medio de esta crisis existencial, se ve envuelto en una aventura secreta con la señora Robinson, una amiga de la familia, casada y de mediana edad.
El joven, interpretado por Dustin Hoffman, alberga un gran rencor contra la hipocresía y la corrupción de la sociedad que lo rodea. Asfixiado por las fiestas que organizan sus padres y por los consejos vacíos de los adultos que lo rodean busca un escape y se deja seducir por la señora Robinson, una mujer sofisticada, alcohólica y amargada, que se encapricha con él. Todo se complica aún más cuando Benjamin conoce a Elaine (Katharine Ross), la hija de la señora Robinson.
Un largo plano secuencia con un primer plano cerrado del rostro de Benjamin lo muestra asediado por los adultos que le dan consejos en la primera escena de la película. Nichols, que se llevó el Oscar a Mejor dirección por este film, utiliza transiciones ingeniosas, movimientos de miradas para mostrarnos la rutina vacía de Benjamin, fuera de campo precisos y fundidos que hacen que los diálogos no sean importantes para entender lo que está pasando.
Retrato generacional de los jóvenes de los años 60 que cuestionaban los valores materialistas y la hipocresía de sus padres, muestra cómo detrás de las fachadas de las casas acomodadas y las piletas, está la podredumbre: adulterio, alcoholismo y desesperación.

Subsecretaría de Cultura de AMR
Por el feriado del martes 24/3 se presenta la doble función el miércoles 25/3.
A las 20, un clásico imperdible de François Truffaut. A las 22, continúa la sección Culto Carpenter con otra de sus grandes realizaciones.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "LA HISTORIA DE ADELE H"


"La historia de Adele H"
Francia, 1975. 96'. Dir. François Truffaut.

Sindicato de Críticos de Cine Franceses: Mejor película; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actriz (Isabelle Adjani), Mejor guión (François Truffaut, Jean Gruault, Suzanne Schiffman); Asociación de Críticos Norteamericanos: Mejor actriz (Isabelle Adjani), Mejor película de habla no inglesa; Premios David di Donatello: Mejor actriz (Isabelle Adjani).
Una joven llamada Adèle Hugo llega a Halifax, Nueva Escocia, en plena guerra civil estadounidense. Es 1863 y bajo una identidad falsa planea recuperar el amor del apuesto oficial británico, el teniente Albert Pinson, de quien está perdidamente enamorada.
Lo que ella no sabe, o se niega a aceptar, es que su amor no es correspondido. Adèle Hugo, la segunda hija del célebre escritor francés Victor Hugo, se instala en una pensión y comienza una incansable cruzada para conquistar a Pinson. A pesar de los repetidos y claros rechazos ella persiste, alimentando su obsesión con fantasías e inventos que escribe en su diario personal.
Su enamoramiento se intensifica y la lleva a tomar decisiones desesperadas que la aíslan del mundo y la conducen por un peligroso camino de autodestrucción. Basada en los diarios de la propia Adele, retrata cómo ese amor obsesivo y no correspondido lleva a la locura.
Descrita por el propio Truffaut como una "composición musical para un solo instrumento", el film da cuenta de la fijación de la protagonista con el oficial a partir de movimientos de cámara precisos e inquietantes y enmarca a los personajes dentro de puertas o ventanas para acentuar la sensación de claustro emocional y aislamiento.
Contada desde el punto de vista de Adele, la presencia de Victor Hugo su célebre padre, no se da de manera explícita, pero sí constante. A través de cartas y de su voz en off, se representa el peso abrumador del legado familiar y la autoridad patriarcal de la que Adèle intenta escapar.
Parte fundacional de la Nouvelle Vague francesa, Truffaut en L'Histoire d'Adèle H se aleja del tono más autobiográfico y ligero de sus primeras películas y se sumerge en un drama histórico de gran intensidad psicológica, y elaborada composición cinematográfica. Clásico Imperdible.

A las 22 hs.: "EL PRÍNCIPE DE LAS TINIEBLAS"


"El príncipe de las tinieblas"
Estados Unidos, 1987. 110'. Dir. John Carpenter.

Festival de cine fantástico de Avoriaz: Premio de la crítica.
Los Ángeles, el padre Loomis (Donald Pleasence) es designado para investigar una iglesia abandonada tras la muerte de su sacerdote. En el sótano hay un misterioso cilindro que contiene un extraño líquido verde en constante movimiento y Loomis cree haber descubierto el lugar de descanso de Satán.
Preocupado pide ayuda al profesor de física cuántica Howard Birack (Victor Wong) y a un grupo de sus estudiantes para que investiguen, traten de comprender la naturaleza de aquello que la iglesia ha estado guardando durante siglos y se siga manteniendo encerrado al Príncipe de las Tinieblas.
El mal y las fuerzas siniestras se empiezan a manifestar de diversas maneras y los mantienen prisioneros en la iglesia. Pronto descubren que deben luchar no solo para sobrevivir sino para impedir la llegada del Mal al mundo.
Carpenter plantea la iglesia abandonada como un escenario opresivo y tétrico, donde todo es penumbra y sombras. La fotografía de Gary B. Kibbe contribuye a esa sensación de suciedad y realismo sucio que le da un aspecto casi documental en su primera mitad. En contraste con el exterior soleado y encandilador la iglesia es un infierno de luces parpadeantes y oscuridad.
Siempre con bajo presupuesto, tres millones esta vez, pero mucha creatividad y practicidad, “el mal" es abstracto y sencillo pero efectivo: un líquido verde y viscoso que se mueve con vida propia y posee a las personas. La banda sonora, también a cargo del director, es otro elemento técnico crucial que crea una base de tensión constante y profunda y amplifica la sensación de horror.
“Maestro del terror", el cine de Carpenter es un cine de atmósferas densas, personajes comunes enfrentados a lo sobrenatural y bandas sonoras electrónicas compuestas por él mismo que son un personaje más dentro de la trama.

Subsecretaría de Cultura de AMR
Para el próximo martes, la propuesta del Cine Club Rosario es seguir las pistas de dos grandes directores, Kleber Mendonça Filho y John Carpenter.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

Importante: la próxima función se realizará el miércoles 25/3, debido al feriado.

A las 20 hs.: "RETRATOS FANTASMAS"


"Retratos Fantasmas"
Brasil, 2023. 93'. Dir. Kleber Mendonça Filho.

Del director de El Agente Secreto y Aquarius. La película más personal de Kleber M. Filho es una juguetona declaración de amor al cine y a la ciudad natal, en este caso Recife en el norte brasileño, siempre protagonista en su filmografía.
Una exploración de los espacios que alguna vez fueron el corazón de la vida social y cultural de esa ciudad: sus antiguas salas de cine, y la mutación urbana por la gentrificación.
La película ‘rueda’ por el centro viejo con sus encantos y personajes, suma imágenes de archivo, fragmentos de películas señeras, recuerdos personales, en un recorrido desde las transformaciones del hogar familiar a la historia de los "palacios de cine" desde su época de esplendor en el siglo XX, cuando eran el principal medio de entretenimiento y espacios de convivencia de gente de todos los estratos sociales, hasta su transformación en iglesias evangélicas, estacionamientos, o farmacéuticas.
Retratos fantasmas es un viaje multidimensional a través del tiempo, el sonido, la arquitectura y el cine, dividido en tres partes bien diferenciadas que funcionan como círculos concéntricos de la memoria colectiva, la identidad de una ciudad y cómo el cine mismo fue testigo y constructor de realidades. Mendonça Filho nos invita a preguntarnos qué revela la desaparición de estos lugares sobre los cambios sociales y económicos de las últimas décadas.
La filmografía de este gran director brasileño crece y sorprende en cada título desde O Som Ao Redor, Aquarius con un protagónico inolvidable de Sonia Braga, Bacurau con Udo Kier que ya se proyectó en Cine Club, y El Agente Secreto que en estos días disputa Oscars con varias nominaciones. Siempre investigando él mismo o los protagonistas, combinando características de géneros del cine y filtrando las historias a través de su mirada prismática y plena de humor y ternura hacia sus personajes, su ciudad y los cines.

A las 22 hs.: "LA NIEBLA"


"La niebla"
Estados Unidos, 1980. 89'. Dir. John Carpenter.

El pequeño pueblo costero de Antonio Bay, en California, está por celebrar el centenario de su fundación. En la víspera del aniversario, la tripulación de un viejo barco, el Elizabeth Dane, que naufragó frente a la costa cien años atrás, aparece brutalmente asesinada y una extraña y brillante niebla comienza a adentrarse desde el mar, trayendo consigo una serie de sucesos paranormales y muertes violentas.
La locutora de radio local, Stevie Wayne, desde el faro donde transmite, comienza a alertar a la población sobre el peligro que se avecina. Un marinero, una joven mochilera y el sacerdote del pueblo descubren la oscura verdad detrás de la leyenda que dio origen al pueblo. Ahora, los espectros han vuelto para cobrar venganza.
Carpenter convierte un "cuento de miedo" clásico, en una una fábula macabra e inquietante con su particular estilo, ya desde su icónico prólogo, con el marino anciano (J. Houseman) narrando la leyenda a unos niños espantados, alrededor de una fogata en la costa.
Es el tipo de historia típica de terror, suspenso y fantástico de la editorial EComics que tanto inspiraron a Carpenter, como a George Romero, Stephen King o Spielberg. Claro que en las obras de Carpenter siempre flota además la nebulosa de los relatos de H.P. Lovecraft, aquí especialmente en la misteriosa atmósfera del puerto de Innsmouth; en donde la amenaza creciente se acentúa con el uso del formato panorámico y el espacio negativo, recursos narrativos eficaces en manos del director de tantas joyas del cine de terror como Halloween, Escape de N. York, The Thing, o la genial They Live! que ya se proyectó en Cine Club Rosario.
La banda sonora, a cargo del propio Carpenter, es otro elemento clave y siempre distintivo, marcando el ritmo de lo inevitable. Con sus característicos sintetizadores, crea una atmósfera de tensión y melancolía tan icónicas como la potencia visual y expresividad de sus efectos prácticos. Por eso volvemos a otro ‘estudio del miedo’ con historias de fantasmas y del mal supremo, en la "Sección Culto Carpenter".

Subsecretaría de Cultura de AMR
Este martes se proyectarán dos títulos que dialogan con la actualidad. A las 20, un film iraní sobre las mujeres que quieren escapar de la opresión. A las 22, un clásico con Dustin Hoffman, Jon Voight y una Nueva York decadente.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "EL CÍRCULO"


"El Círculo"
Irán, 2000. 90'. Dir. Jafar Panahi.

Festival de Venecia: León de Oro - Mejor película; Asociación de Críticos EEUU: Premio a la libertad de expresión; Gran premio FIPRESCI 2001: Mejor película del año.
Teherán, en un hospital una mujer da a luz a una niña y la bebé es recibida con decepción por la familia. A partir de ahí seguimos por las calles de Teherán a varias mujeres que acaban de salir de la prisión o que están huyendo de ella. Sin tener una protagonista única, el film entreteje las historias de diferentes mujeres que luchan contra las restrictivas leyes sociales y religiosas de la República Islámica de Irán.
El destino de la mujer que recién dio a luz y el de su hija están ya marcados. También el de las mujeres que salieron de prisión con un permiso temporal, que necesitan dinero para huir y esto las lleva a tomar decisiones desesperadas.
En su travesía se enfrentan con un sinfín de obstáculos cotidianos: no pueden viajar solas sin un permiso o la compañía de un familiar masculino, son acosadas en las calles, y viven con el miedo constante de ser detenidas por la policía por "delitos" como no llevar la vestimenta adecuada o simplemente por ser mujeres solas en el espacio público.
La película traza un círculo vicioso de opresión del que parece imposible escapar. Jafar Panahi retrata con una crudeza poética un día en la vida de las mujeres en la ciudad de Teherán y siguiendo la tradición del gran cineasta iraní, y su mentor, Abbas Kiarostami, no muestra todo. Nunca se nos dice explícitamente por qué estas mujeres estuvieron en prisión y los finales de cada historia quedan abiertos, invitando a la imaginación y la reflexión por parte del espectador.
La cámara en mano sigue nerviosamente a las mujeres por las estrechas calles de Teherán, los largos planos secuencia permiten que las actuaciones respiren y que la tensión se acumule en tiempo real, algunos transeúntes miran directamente a la cámara, lo que refuerza esta sensación de realidad capturada, casi como un falso documental.
La película se gestó durante un periodo de tensión entre los reformistas, liderados por el presidente Mohammad Khatami (elegido en 1997), y los sectores más conservadores del régimen. El Ministerio de Cultura y Guía Islámica de Irán negó el permiso de rodaje a Panahi durante nueve meses, acusando el guión de ofrecer una "perspectiva completamente oscura y humillante" de la mujer musulmana. Cuando finalmente cedió, Panahi, previendo la censura, realizó múltiples copias de la película y las escondió por todo el país. Una de ellas fue enviada de forma ilegal al Festival de Venecia donde ganó el León de Oro.

A las 22 hs.: "COWBOY DE MEDIANOCHE"


"Cowboy de Medianoche"
Estados Unidos, 1969. 113'. Dir. John Schlesinger.

Oscar: Mejor película, Mejor dirección (John Schlesinger); Mejor guion adaptado (Waldo Salt); Globos de Oro: Nueva promesa masculina (Jon Voight); BAFTA. Premios de la academia de cine británica: Mejor película, Mejor dirección (John Schlesinger), Mejor actor (Dustin Hoffman), Mejor guion original (Waldo Salt), Mejor montaje (Hugh A. Robertson), Premio Rising Star (Estrella emergente) (Jon Voight); Festival Internacional de Berlín: Premio OCIC; Sindicato de Guionistas: Mejor guion adaptado drama (Waldo Salt); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (Jon Voight); National Society of Film Critics: Mejor actor (Jon Voight); Premios David di Donatello: Mejor director extranjero (John Schlesinger), Mejor actor extranjero (Dustin Hoffman); Directors Guild of America: Mejor dirección / película (John Schlesinger).
Joe Buck, Jon Voight en uno de sus primeros papeles destacados, es un joven e ingenuo lavavajillas de Texas que sueña con tener éxito como cowboy de exhibición. Harto de su monótona vida decide viajar a Nueva York donde comienza a trabajar como gigoló seduciendo a mujeres maduras de Manhattan. Pronto descubre que ese mundo no es como él se imaginaba, pero antes conoce a Enrico "Ratso" Rizzo, un timador que lo quiere estafar.
La gran ciudad es cruel y despiadada, sus intentos de seducción fracasan estrepitosamente y comienza su deriva por las calles de Manhattan. Enrico "Ratso" Rizzo", interpretado por Dustin Hoffman, es un timador neoyorquino enfermo, cojo y desaliñado que vive al límite. Tras un fallido intento de estafar a Joe surge entre ellos una insólita y conmovedora amistad.
Unidos por la desesperación y la marginalidad, estos dos "perdedores" unen sus fuerzas para sobrevivir en la jungla de cemento. Comparten el sueño de escapar hacia destinos más soleados y tratan de cumplirlo.
A partir de una narrativa no lineal, con flashbacks y ensoñaciones, Schlesinger muestra fragmentos de la infancia y la juventud de Joe en Texas, revelando los traumas y recuerdos que forjaron su personalidad. Con secuencias oníricas y alucinatorias, refleja los deseos de Joe Ratso sobre la vida en la soleada Florida.
Ácida y descarnada desmitificación del sueño americano, presenta a Nueva York no como una tierra de oportunidades, sino como una ciudad insensible que devora a los inocentes y a los débiles. Con influencias del Free Cinema británico, tiene un estilo áspero y realista. La cámara en mano sigue a los personajes por las calles, sumergiendo al espectador en la sordidez y el bullicio de la ciudad, una Nueva York sórdida, sucia y marginal, muy alejada de las postales turísticas.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El próximo martes el cine club proyectará dos grandes títulos del cine contemporáneo. A las 20 un gran film de Herzog y a las 22 uno francés que ganó el premio a Mejor Director en Cannes.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "AGUIRRE LA IRA DE DIOS"


"Aguirre la ira de Dios"
Alemania del Oeste (RFA), 1972. 94'. Dir. Werner Herzog.

Mejor film extranjero: Sindicato de Críticos de Cine Franceses; Mejor fotografía (Thomas Mauch): Premios del cine Alemán y National Society of Film Critics.
Poco después de destruir el imperio Inca, en 1560, una expedición de colonizadores españoles liderada por Gonzalo Pizarro se adentra en la selva amazónica en busca de El Dorado, la mítica ciudad de oro. Cuando el avance se vuelve imposible, Pizarro envía un grupo por el río en precarias balsas. La delegación está comandada por el noble Pedro de Ursúa e integrada por Lope de Aguirre, un oficial violento y ambicioso, su joven hija, un representante de la corona de los que iban escriturando las tierras que robaban, un fraile, y una banda de soldados mercenarios agotados.
Habrá conspiración, ruptura de la recientemente mentada 'cadena de mando', motín y proclama de un nuevo imperio independiente de España. Lo que comienza como una misión de reconocimiento para ubicar la suma de la riqueza, se va transformando en una pesadilla, donde la selva, el hambre, las flechas misteriosas y la paranoia desatan la peor locura del ser humano.
Mientras Aguirre trama su sueño de grandeza cada vez más delirante, planea fundar una dinastía de raza pura y conquistar un continente, el resto de la expedición va cayendo víctima de la resistencia casi esotérica de las fuerzas amazónicas y de sus propias traiciones.
Movimientos de cámara envolventes, planos hipnóticos en medio de un ambiente natural desbordante entrelazados con la atmosférica música de Popol Vuh, más una soberbia actuación de Klaus Kinski. Herzog sumerge al espectador en la desesperación contenida y el encierro a cielo abierto del viaje en búsqueda del oro. El equipo de filmación tuvo que talar árboles para abrir camino, construir sus propias balsas y arriesgar las vidas en rodaje, replicando las dificultades de los propios conquistadores.
La realización en locaciones tan reales como peligrosas, entre montañas selváticas y rápidos imparables, efectos especiales en terreno simples y muy efectivos, otorgan a la película autenticidad y una sensación de peligro inminente, la auténtica odisea del colonialismo invasor en la selva más grande del mundo.
Herzog, uno de los máximos exponentes del Nuevo Cine Alemán aún en activo, se caracteriza por explorar personajes obsesivos que se enfrentan a fuerzas abrumadoras de la naturaleza y el poder, como ya vimos en The Fire Within: A Requiem for Katia and Maurice Krafft o la surreal The Wild Blue Yonder, films del genial director, que ya tuvo proyecciones en la pantalla de Cine Club Rosario.

A las 22 hs.: "L'HAINE"


"L'Haine" (El odio)
Francia, 1995. 95'. Dir. Mathieu Kassovitz.

Festival de Cannes: Mejor dirección (Mathieu Kassovitz); Premios César, Francia: Mejor película, Mejor montaje (Mathieu Kassovitz, Scott Stevenson).
En las banlieues, las suburbios periféricos de París, Vinz, un joven de carácter explosivo, Hubert, un boxeador que intenta mantener la cabeza fría y Saïd, un inmigrante desenfadado, vagan sin rumbo durante las 24 horas posteriores a una noche de disturbios. Los tres son testigos de un hecho en el que su amigo Abdel resulta herido por la policía y queda en estado de coma.
En medio del caos, Vinz encuentra una pistola perteneciente a un policía extraviada en los disturbios, ese arma actúa como detonante de la tensión del relato. Vinz envenenado de ira, jura que si Abdel muere, matará a un policía; Hubert intenta contener la situación advirtiendo: "el odio atrae al odio".
El film es un descenso a los abismos de la Francia profunda, donde el racismo congénito del antiguo imperio colonizador, convive, siempre bárbaro, con la indiferencia cómplice de la sociedad acomodada. La violencia latente amenaza con estallar en cualquier momento.
Mediante el uso del blanco y negro, decisión estética fundamental, Kassovitz busca igualar a los personajes y logra sumergirlos en un clima de oscuridad poética. A treinta años de su creación, el film ya parece la profecía europea autocumplida.
Pierre Aïm, a cargo de la fotografía, muestra la inmensidad, alienación y desolación de los bloques de viviendas con abrumadores planos generales y una cámara en mano que sigue a los personajes cuerpo a cuerpo, creando una sensación de inmediatez física casi documental.
Segundo largometraje de Kassovitz que lo catapultó, a sus 27 años, al reconocimiento internacional, ganando el premio al Mejor Director en el Festival de Cannes de 1995 y tres Premios César. L'Haine provocó un intenso debate sobre la violencia policial, la inmigración y la exclusión social en Francia, vigente en todo el viejo mundo.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El martes 24/2 el Cine Club propone dos films que dialogan entre si. A las 20, Danger: Diabolik, basada en un comic, de 1968. A las 22, Reflet dans un diamant mort, que juega con los ecos de Bava y la esencia del cine de género italiano.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "DANGER: DIABOLIK"


"Danger: Diabolik"
Italia, 1968. 99'. Dir. Mario Bava.

Basada en el cómic Diabolik de Angela y Luciana Giussani.
Diabolik, encarnado por John Phillip Law, es un enigmático y brillante ladrón enmascarado que vive con su bella y leal compañera, Eva Kant, Marisa Mell, en un refugio subterráneo que envidiaría Batman. Su objetivo es desafiar al sistema y apoderarse de fabulosos tesoros, sembrando el caos entre las autoridades de la ficticia república de Clerville. El incansable inspector Ginko, Michel Piccoli, sigue obsesivamente sus pasos para atraparlos.
Desde el ingenioso robo de un camión blindado, hasta el asalto a un castillo para robar un valioso collar de esmeraldas de la reina, el film sigue cada golpe del dúo audaz. Obviamente la mafia colabora con la policía y le tiende una trampa. Diabolik despliega todo su ingenio y arsenal de artilugios para rescatarla y continuar burlando a la ley en una dinámica serie de situaciones cada vez más espectaculares.
Rebosante de colores saturados al estilo Pop-Art de los años 60; hasta los gases colorean, el director Mario Bava, genial creador del Giallo italiano, construye una eficaz narrativa en constante movimiento, con persecuciones en autos Jaguar, helicópteros, anfibios, billetes y joyas volando, vestuarios ajustados y brillantes.
Intencionadamente episódica y paródica, la película encadena secuencias de acción y robos memorables en tono de comedia ligera y desenfadada, donde el villano se convierte en un héroe contracultural que se enfrenta a un Estado opresor y funcionarios patéticos. La original música de Ennio Morricone modula el relato con un tema principal de guitarra que es tan icónico como pegadizo a tono con el espíritu rebelde y moderno de la película.
Bava era un experto director de fotografía antes de ser director, lo que le otorgaba un manejo creativo y personal de la imagen en sus películas. Hoy es considerado uno de los maestros del cine de terror italiano y autor de culto por excelencia.
ESTA FUNCIÓN se complementa con la de las 22 h., Reflejos en un diamante muerto, brillante homenaje a la saga Diabolik 50 años después, reviviendo un pop explosivo.

A las 22 hs.: "REFLET DANS UN DIAMANT MORT"


"Reflet dans un diamant mort"
Bélgica. 2025. 87'. Dir. Hélène Cattet, Bruno Forzani.

Festival Internacional de Cinema de Catalunya - Sitges: Premio de la Crítica. BAFICI
John D. es un antiguo agente secreto jubilado que vive en un lujoso hotel de la Costa Azul. Lleva una existencia aparentemente tranquila aunque marcada por la nostalgia. La presencia de una atractiva vecina de habitación perturba su rutina, le recuerda los años dorados y salvajes de la Riviera en la década de 1960, época en la que él era un espía ladrón inmerso en un mundo de glamour, conspiración y peligro.
Cuando esta vecina desaparece repentina y misteriosamente John D. se involucra de lleno en los recovecos de su memoria, o de sus fantasías. Se pregunta si sus antiguos enemigos, liderados por la enigmática y letal enmascarada Serpentik, han regresado. Y vuelve a la acción.
Con Fabio Testi, actor emblemático del cine italiano de las décadas de 1960 y 1970, protagonista de spaghetti westerns, poliziotteschi y dramas de prestigio, en el rol protagónico; este film es un auténtico y exquisito collage, estructurado con quiebres narrativos que desafían la participación activa del espectador, y tributando al cine de género europeo de los años 60-70.
Hélène Cattet y Bruno Forzani, dúo de cineastas afincados en Bélgica de quienes ya proyectamos Laissez bronzer les cadavres!, vuelven con otra sofisticada obra, en la que afloran referencias a Muerte en Venecia de Luchino Visconti y por supuesto Danger: Diabolik de Mario Bava, pasando por la saga de James Bond y los gialli italianos, así como la fotografía de los giallos de Bava, Fulci y Argento. Todos datos cinéfilos que Cattet y Forzani aman y homenajean, con sus acostumbrados colores saturados y una elaborada imaginería pictórica que nos sumerge en cada bello encuadre a un tiempo y espacio que sólo el cine puede crear.

Subsecretaría de Cultura de AMR
Excepcionalmente, el Cine Club tendrá su doble función el próximo miércoles por el feriado del martes. Se proyectarán dos nuevos filmes, uno francés de un director más que talentoso, y otro británico, que es el gran debut de su director.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "EL ACCIDENTE DE PIANO"


"El Accidente de Piano"
Francia, 2025. 88'. Dir. Quentin Dupieux.

La nueva obra del original Dupieux con Adèle Exarchopoulos.
Magalie es una famosa y millonaria influencer. Un grave accidente ocurrido durante el rodaje de uno de sus impactantes vídeos la dejó convaleciente y con un brazo enyesado. Para recuperarse se muda a un chalet en los Alpes nevados acompañada de su leal asistente personal, Patrick. Allí su descanso se ve perturbado por la llegada de un fan obsesivo y una periodista que descubre su paradero. La periodista posee información comprometedora sobre ella y está dispuesta a chantajearla para obtener una reveladora entrevista única.
Magalie Moreau no es una influencer común y corriente. Padece una fantástica insensibilidad congénita al dolor que le ha permitido grabarse en situaciones extremas, lo que redundó en fama mundial y fortuna. En el refugio montañés su carácter se vuelve más errático y se le hace cada vez más difícil lidiar con Patrick, su casi esclavo corporativo, y con la presión de Herzog, la periodista que quiere destapar la verdad de la persistencia de la influencer.
Comedia negrísima y sátira feroz sobre la cultura de las redes sociales, la búsqueda del like a cualquier precio y la bajeza moral del mundillo de famosos virtuales. El director Quentin Dupieux, también a cargo de la fotografía, el montaje y la música bajo el seudónimo Mr. Oizo, logra que el entorno del chalet y las montañas nevadas se vuelvan un claustro en la montaña, clave para crear la sensación de aislamiento.
En una especie de broma macabra, el autor no moraliza y coloca un espejo cinematográfico frente a la cultura del ‘morbo’ digital: con una persona que se machaca para entretener y espectadores que 'consumen' esa destrucción sin empatía alguna. Destacadísima actuación de A. Exarchopoulos encarnando un personaje fuera de sus tipos habituales, en otra imperdible y 'trascendentalista' obra del genial y prolífico Dupieux.

A las 22 hs.: "PILLION"


"Pillion"
Reino Unido, 2025. 106'. Dir. Harry Lighton.

Festival de Cannes: Un Certain Regard: Mejor guión (Harry Lighton); Semana de Cine de Valladolid: Mejor actor (Harry Melling); en festivales británicos: Mejor guión adaptado ; Mejor película británica independiente, Mejor guionista debutante (Harry Lighton), Mejor vestuario, Mejor maquillaje y peluquería.
Colin, Harry Melling el Dudley de Harry Potter aquí en impresionante fisic du rol, es extremadamente tímido. Con casi treinta años aún vive con sus muy amorosos padres en un suburbio londinense. Es agente de control de estacionamiento y en su tiempo libre canta en un grupo a capella con su padre y otros vecinos. Una noche durante una de sus actuaciones, un atractivo y enigmático motociclista llamado Ray, Alexander Skarsgård, le pasa una nota de cita. Esa misma noche, en un callejón, Colin se somete por primera vez a las órdenes de Ray.
Lo que comienza como un encuentro casual se convierte en una curiosa relación de dominación y sumisión (BDSM). Colin se incorpora así a la vida de Ray con las estrictas normas que obedece sin preguntar y adopta la estética de la banda de motoqueros de la que es parte Ray. Colin acepta su rol de sumiso aunque comienza a reclamar gestos de afecto convencional que, por algún pasado doliente, Ray se niega a conceder.
Pillion, título de la película, hace referencia al asiento trasero de la moto, donde se sienta el pasajero. Una metáfora perfecta de la posición de Collin en la relación: secundario, pero acompañando en movimiento y abrazado al conductor.
Basado en el libro Box Hill de Adam-Mars Jones, Lighton compone una comedia ‘kinky’, romántica y pícara, con un humor muy británico y al borde del absurdo. A. Skarsgård, cómodo en su novedoso rol, bautizó el género como "dom-com" (dominant-comedy).
La autenticidad de la película no es casualidad por diversos motivos: desde la investigación en terreno motoquero gay, a la delicada y contundente intimidad, hasta el tono fresco y naturalista de las escenas callejeras, que consuman un gran debut del director inglés.