Author - ozanarello

Subsecretaría de Cultura de AMR
El próximo martes se podrán ver dos films muy interesantes. A las 20, uno de los más importantes del ganador del Oscar W. Friedkin. A las 22, en la sección ANIME, un thriller oscuro y erótico de Kawajiri.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "VIVIR Y MORIR EN L.A."


"Vivir y morir en L.A."
Estados Unidos, 1985. 105'. Dir. William Friedkin.

Richard Chance (William Petersen), un agente del Servicio Secreto de Los Ángeles inicia una cruzada personal y obsesiva para capturar a Rick Masters (Willem Dafoe), un brillante y frío falsificador de dinero que asesinó a su antiguo mentor.
Junto a su nuevo y metódico compañero, John Vukovich, Chance se adentra en una peligrosa cacería por la ciudad de Los Ángeles, dispuesto a saltarse todas las reglas para conseguir su objetivo. En esta persecución incansable, la línea que separa a los "buenos" de los "malos" se vuelve borrosa. Los métodos del agente secreto son cada vez más cuestionables y llega a poner en peligro su propia integridad y la de su compañero.
Las zonas marginales y decadentes de Los Ángeles bajo un sol abrasador, muestran un paisaje muy alejado de los íconos de la ciudad de las estrellas. Basada en la novela homónima de Gerald Petievich, un ex agente del Servicio Secreto, Friedkin construye su magistral narrativa a través de la acción misma y la puesta en escena precisa en la que destaca unas de sus especialidades, la escena de persecución en coches impresionante y brillantemente montada, otro de los muchos placeres de esta elegante película criminal. Y oscura también claro, donde hay agentes secretos, hay infamias, conspiraciones soterradas, etcétera; la gran diferencia es cómo las relata Friedkin.
W. Friedkin, aclamado director responsable de clásicos como El Exorcista (1973) y Contacto en Francia, de quien ya se proyectó Killer Joe en CCR, logra acá una radiografía de la cínica era Reagan, donde el dinero lo es todo, el engaño aplasta los sentimientos y la moral se vuelve un concepto difuso.

A las 22 hs.: "WICKED CITY"


"Wicked city"
Japón, 1987. 82'. Dir. Yoshiaki Kawajiri.

En un futuro cercano, en las sombras de un Tokio futurista, la humanidad coexiste en secreto con criaturas demoníacas del "Mundo Negro", una dimensión paralela. Mantienen una frágil paz gracias a un tratado centenario que está a punto de renovarse. Pero una facción radical demoníaca lo quiere sabotear a cualquier precio.
Para mantener la paz entre ambos mundos, existe una organización de agentes secretos llamada la Guardia Negra. Renzaburo Taki, uno de sus mejores agentes, es asignado a una misión crítica: proteger al anciano y excéntrico Dr. Giuseppe Mayart, quien debe firmar un nuevo tratado de paz.
Taki, junto a su compañera Makie, una seductora agente del otro lado deberán enfrentarse a una facción radical del Mundo Negro que planea sabotear el acuerdo y desatar el caos en el mundo humano.
Entre mutaciones grotescas, tradiciones sangrientas y una química peligrosa, enfrentan asesinos multidimensionales en una carrera contrarreloj por evitar una guerra total.
Ejemplo fundamental del cyberpunk y el neo-noir en el anime de los 80, Wicked City es además un thriller erótico, de horror visceral y visualmente original al estilo Kawajiri.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El próximo martes la propuesta es variada. A las 20, el film de uno de los cineastas palestinos más singulares y reconocidos del cine mundial. A las 22, sigue la cuarta Sección ANIMÉ con una obra de Yoshiaki Kawajiri.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "INTERVENCIÓN DIVINA"


"Intervención Divina"
Palestina, 2002. 92'. Dir. Elía Suleiman.

Cannes: Premio del Jurado, Premio FIPRESCI; Premios del Cine Europeo: Premio Screen International - Film no europeo. Festival de Chicago: Premio del Jurado.
Elia Suleiman (Nazaret, 1960) es uno de los cineastas palestinos más singulares y reconocidos del cine mundial. Autodidacta, salió de Palestina primero a Londres, donde el crítico y escritor John Berger marcó profundamente su mirada. En 1982 emigró ilegalmente a Nueva York, y fue allí donde el cine lo absorbió del todo, antes de regresar a Palestina para dar clases en la Universidad de Birzeit. Recibe de Ozu y Buster Keaton fuertes influencias: la observación sostenida, los conflictos generacionales y amorosos, el humor irónico.
Su cine es radicalmente personal: él mismo protagoniza sus películas encarnando a un alter ego silencioso, exiliado permanente, casi inmóvil, que observa el mundo con asombro y melancolía. No denuncia ni explica, sugiere con el absurdo como herramienta política y concibe un film conmovedor, provocativo, de maravillosa extrañeza.
Intervención Divina es parte de su trilogía sobre la identidad palestina en donde E.S., interpretado por el propio Suleiman, se enamora de una mujer palestina de Ramala. Su amor se desarrolla en los márgenes de un territorio fragmentado y se encuentran a escondidas en el estacionamiento de un control militar israelí que separa sus dos mundos.
Suleiman aborda la violencia y la opresión a través de lo cotidiano y narra a partir de viñetas y gags visuales la vida bajo la ocupación. Con humor surrealista logra contar un conflicto trágico; y una narrativa fragmentaria que refleja la naturaleza interrumpida y dislocada de la vida cotidiana bajo ocupación. Su cine explora la pertenencia y la experiencia palestina, siempre desde una perspectiva poética y cargada de un humor sutil y filoso.

A las 22 hs.: "NINJA SCROLL"


"Ninja Scroll"
Japón, 1993. 94'. Dir. Yoshiaki Kawajiri.

Jubei Kibagami es un hábil y cínico ninja sin amo, un ronin, y vaga por el Japón feudal vendiendo sus servicios como guerrero a sueldo. Su vida es relativamente sencilla pero todo cambia cuando decide defender a una joven muchacha de un grupo de humanos de origen demoníaco.
En uno de sus viajes se cruza con la masacre de un equipo de ninjas del clan Kōga en una aldea envenenada. La única superviviente es Kagero, una bella kunoichi, una ninja femenina cuyo cuerpo es letal al contacto debido a un entrenamiento con venenos. Jubei se ve obligado a protegerla y une fuerzas con un anciano monje espía del shogunato, Dakuan. Juntos se enfrentarán a los "Ocho Demonios de Kimon", un grupo de guerreros con poderes fabulosos que sirven al misterioso "Shogun de las Tinieblas".
Incluso al día de hoy Ninja Scroll sigue siendo la película que definió y consolidó el concepto de 'hiperviolencia', que marcó el rumbo para todas las obras basadas en ninjas que le siguieron. Con una estética dark ultra detallada, sus personajes son grotescos y monstruosos, en ámbitos muy diferentes a los pintorescos paisajes y escenarios típicos del Japón feudal.
Se presenta, en esta segunda función de la Sección, un verdadero clásico del animé para adultos del genial Yoshiaki Kawajiri, que remixa el género jidaigeki -o chanbara–, cine de samuráis con fantasías sobrenaturales y terroríficas.

Subsecretaría de Cultura de AMR
Este martes 14/7 el Cine Club propone dos films increíbles para no perderse. A las 20, Fellini con una de sus películas más personales y autobiográficas. A las 22, una de Carpenter, imperdible como toda su obra.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "ROMA"


"Roma"
Italia, 1972. 128'. Dir.: Federico Fellini.

Festival de Cannes: Premio Técnico (Federico Fellini); Premios del Sindicato de Críticos de Cine Franceses: Mejor film extranjero.
La construcción del metro de Roma deja al descubierto una casa llena de pinturas murales, una de ellas representa a una dama de la aristocracia romana, que organiza unos muy originales desfiles de moda en su casa. Los espectáculos de la noche romana, las casas de tolerancia de la época y los recuerdos llenos de Julio César y Nerón de los años de escuela del propio Fellini, arman el gran mosaico que es este film.
Sin una trama lineal convencional, se presenta como un viaje a través de los recuerdos y las experiencias de Fellini en Roma, desde su llegada como un joven pueblerino en 1938, hasta la época en que la película fue rodada, la década de 1970.
Viñetas, impresiones y secuencias capturan la esencia caótica y contradictoria de la ciudad. No hay un protagonista claro ni un conflicto. El personaje central es la propia Roma, con su grandeza histórica y su decadencia moderna, una mezcla de nostalgia, sátira y humor.
Con un estilo visual que combina registros aparentemente crudos con otros hiper estetizados, más la banda sonora compuesta por el colaborador habitual de Fellini, Nino Rota, crean la atmósfera onírica y burlesca a la vez que caracteriza a la película.
Retrato autobiográfico y de ensueño, después de 8 y medio, Roma es una de las películas más personales y autobiográficas de Fellini, donde el director vuelca su fascinación, su visión "amarga y humorística", por la ciudad que fue su hogar durante gran parte de su vida.

A las 22 hs.: "VAMPIROS"


"Vampiros"
Estados Unidos, 1998. 107'. Dir. John Carpenter.

Premios Saturn: Mejor actor (James Woods), Mejor música (John Carpenter), Mejor maquillaje (Robert Kurtzman, Greg Nicotero, Howard Berger).
Jack Crow, interpretado por James Woods, es un cazador y exterminador de vampiros financiado por el Vaticano. Para el mercenario estos seres lejos de ser románticos y atractivos son una amenaza bestial que debe ser eliminada. Luego de erradicar un “nido” en Nuevo México, el grupo celebra en un motel, pero son emboscados por Valek, un poderoso vampiro de 600 años.
Crow el exterminador, su socio Montoya y Katrina, una prostituta que ha sido mordida por Valek, son los únicos sobrevivientes. Utilizando el vínculo psíquico que une a Katrina con el vampiro, Crow planea encontrarlo y evitar así que Valek dé con un artefacto llamado la Cruz de Berziers, que le otorgaría a él y a toda su especie el poder de caminar bajo la luz del sol, haciéndolos prácticamente invencibles.
La visión del maestro del terror, sobre el mito del vampiro es un híbrido de terror, acción y western. Esa combinación tan particular de Carpenter, tiene también como en la mayoría de sus obras, a un protagonista antihéroe; Jack Crow es un personaje cínico, socarrón y duro, que vive en un mundo moralmente gris, haciéndolo estallar a cada paso.
Cierto tono spaghetti western pero en el desierto de Nuevo México, entre paisajes áridos, planos abiertos a lo Howard Hawks y una atmósfera de frontera salvaje, cubren en el film la habitual mirada gótica y romántica de los vampiros y nos ofrece una versión más brutal, gore y divertida.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El martes 30 el Cine Club propone dos grandes títulos de Peter Bogdanovich, polifacético director de obras que marcaron historia, y apasionado cinéfilo que nos legó libros indispensables sobre John Ford y Orson Welles entre otros.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "QUE PASA DOC"


"Que pasa Doc"
Estados Unidos, 1972. 94'. Dir. Peter Bogdanovich.

Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guión original comedia (Buck Henry, David Newman, Robert Benton).
“Howard” Bannister (Ryan O'Neal) es un despistado profesor de música que viaja a San Francisco con su novia para participar de una convención, presentar una revolucionaria investigación sobre el rock and roll en un concurso y obtener una beca de investigación. Allí conoce a Judy Maxwell (Barbra Streisand), una joven vital y despreocupada con la que vivirá las situaciones más disparatadas.
Judy es algo excéntrica, perspicaz y rápidamente se siente atraída por Howard. En su empeño por conquistarlo, desencadena una serie de malentendidos, persecuciones y situaciones desopilantes. Confusiones narrativas, caídas, golpes, persecuciones, y cruces románticos motorizan la película, con referencias en el cine de Buster Keaton, Harold Lloyd y claramente basada en las Screwball comedies de los ‘30, Qué pasa Doctor volvió a instalar en los ‘70 ese aire fresco de la comedia disparatada.
Con su estilo brillante y colorido Bogdanovich homenajea a las comedias de la época dorada de Hollywood, e imprime al relato ese ritmo vertiginoso y divertido de las obras de Howard Hawks como La adorable revoltosa que se vio hace poco en Cine Club, con diálogos llenos de réplicas ingeniosas y dobles sentidos, y la mirada cómplice de la Streissand.
Ver este film sin duda hará entender por qué se revisa la obra y se quiere a este gran director y guionista, que fue además un cinéfilo consecuente y biógrafo de John Ford y Orson Welles.

A las 22 hs.: "TARGETS"


"Targets"
Estados Unidos, 1968. 86'. Dir. Peter Bogdanovich.

Byron Orlok (Boris Karloff) es un veterano del cine de terror que, hastiado, anuncia su retiro. Orlok considera que el horror de sus películas ya no asusta comparado con la violencia real que se ve en las noticias. Por otro lado, Bobby Thompson (Tim O'Kelly), un joven veterano de Vietnam, que parece llevar una vida familiar tranquila y conservadora, cometerá actos de violencia inusitados hasta entonces. El joven y ambicioso director Sammy Michaels, interpretado por el mismo Bogdanovich, convence al actor para interpretar un último papel distinto a los habituales. Orlok acepta participar del film como su retirada del mundo del cine.
Mientras Thompson se convierte en ‘francotirador social’, un caso de esos tremendos en los que la realidad supera largamente a la ficción cinematográfica. El destino de ambos los encuentra paradójicamente en un autocine; el horror de la ficción se encuentra con el terror real y moderno, obviamente más espeluznante. El monstruo cinematográfico tendrá que enfrentarse al monstruo real.
Bogdanovich recibió el dinero para hacer la película de Roger Corman, quien también le permitió usar extensas imágenes de la película de Corman sobre Poe The Terror en las secuencias en el autocine, donde tiene lugar una de las secuencias antológicas de este film. El resultado es una exploración sobre la relación entre el mundo interior de la imaginación y el mundo exterior de la violencia y la paranoia, que siguen siendo relevantes en los traumas estadounidenses contemporáneos.
Opera prima de Bogdanovich, impactante por la violencia representada en Targets, especialmente el tiroteo masivo, adquirió una relevancia escalofriante ya que se estrenó poco después de los asesinatos de Martin Luther King Jr. y Robert Kennedy. El mito destructivo del imperio continúa hasta nuestros días, y esta película podría ser una especie de declaración moral sobre el control de armas, lo que le da un plus valor premonitorio a este gran film de Bogdanovich.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El martes 23 se verán dos films bien diferentes. A las 20, una historia que narra la violencia poéticamente. A las 22, la segunda de la Sección Warhol en el Cine, dirigida por Paul Morrisey, que equilibra lo sórdido con lo bello.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "NOCHE DE FUEGO"


"Noche de fuego"
México, 2021. 110'. Dir. Tatiana Huezo.

Festival de Cannes: Un Certain Regard: Mención Especial del Jurado. Festival de San Sebastián: Premio Horizontes (Mejor película latinoamericana), Premio Cooperación Española, Premio TVE "Otra mirada"; Asociación de Críticos de Los Ángeles (LAFCA): Premio Nueva generación (Tatiana Huezo); XXVII Premios Forqué: Mejor película latinoamericana; Festival Internacional de Chicago: Mención honorífica; Premios Ariel Academia Mexicana: Mejor película, Mejor coactuación femenina (Mayra Batalla), Mejor guión adaptado (Tatiana Huezo), Mejor fotografía (Dariela Ludlow), Mejor sonido (Lena Esquenazi, Federico G. Jordan, Paulo Gama) Mejor efectos especiales (Ricardo Arvizu Jr.).
Aisladas, en las montañas de México, una zona donde el control lo ejerce el narcotráfico y la ley es prácticamente inexistente, viven Ana y sus dos mejores amigas, Paula y María, junto a sus familias. En este entorno hostil, las madres de las chicas tienen el terror constante de que sus hijas sean secuestradas. Para protegerlas, adoptan medidas drásticas como cortarles el cabello y vestirlas como niños para ocultar su feminidad.
La trama se centra en su día a día, sus juegos, sus sueños y la pérdida de su niñez, todo ello bajo la sombra de una amenaza que nunca se muestra de manera explícita, pero que se siente en cada silencio y en cada mirada de sus madres. La infancia y la inocencia son quebradas por la violencia que las rodea.
Primera película de ficción de la reconocida documentalista salvadoreña Tatiana Huezo, está basada libremente en la novela "Prayers for the Stolen (Ladydi)" de Jennifer Clement. La cámara se detiene en los campos de amapolas rojas, los atardeceres, la inmensidad de la montaña para mostrarnos la cotidianidad de las chicas y contar un entorno violento de manera poética.

A las 22 hs.: "BLOOD FOR DRACULA"


"Blood For Dracula"
Italia, 1974. 103'. Dir. Paul Morrisey.

Volvemos a encontrarnos con el genial Udo Kier, esta vez como el Conde Drácula, un enfermizo y decadente vampiro que necesita desesperadamente sangre de jóvenes vírgenes para no permanecer eternamente en su ataúd. Antón, su asistente, le sugiere que viaje a Italia, país muy católico donde le será más fácil encontrar vírgenes. El conde emprende viaje desde Rumania hasta la Italia prefascista de los años 20.
Allí conoce a una familia con cuatro hijas en edad de casarse, pero no resultan ser tan puras como parecían. Mientras, Mario Balato (Joe Dallesandro), un apuesto sirviente de ideas comunistas, sospecha del Conde y lo vigila, Drácula tendrá que averiguar cuál de las chicas es realmente virgen antes de que se le acabe el tiempo.
Morrissey se define por una puesta en escena provocadora que mezcla lo sórdido con lo bello. El conflicto no es entre el bien y el mal, sino entre un mundo viejo que se extingue y uno nuevo que emerge de forma igualmente brutal.
Rodada con un presupuesto muy reducido, la película se hizo de forma muy rápida y aprovechó el mismo equipo y elenco principal que Flesh for Frankenstein (que se proyectó recientemente en Cine Club). Producida por Andy Warhol y Carlo Ponti, el erotismo y el morbo se presentan en múltiples escenas lo que la convirtió en una película transgresora para su época. Hoy es considerada un clásico de culto del cine de terror independiente.

Subsecretaría de Cultura de AMR
Este martes 9/6 empieza a las 20 con la Sección “Una comedia por favor!”; se verá una película que marcó un hito en el cine de humor. A las 22, una versión del mito de Frankenstein que es un viaje extremo de horror gore con comedia camp.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "LA ADORABLE REVOLTOSA"


"La Adorable Revoltosa"
Estados Unidos, 1938. 102'. Dir. Howard Hawks.

El doctor David Huxley (Cary Grant) es un paleontólogo tranquilo y algo despistado que está a punto de terminar de reconstruir el esqueleto de un brontosaurio, sólo le falta una clavícula intercostal. También está a punto de casarse con su eficiente secretaria. Ocupado en la búsqueda de un mecenas para el museo, tiene la suerte o maldición de conocer a la encantadora, alocada y absolutamente impredecible Susan Vance (Katharine Hepburn).
La metódica vida del paleontólogo se desmorona, entre malentendidos catastróficos, caprichos de ricos, perros, huesos y hasta un leopardo.
Planteada como una constante batalla de los sexos que impulsa la acción, la mujer como el total caos y el hombre intentando mantener el control, la película que marcó un hito en el cine de humor, se despliega a ritmo entre gags desopilantes, diálogos rápidos y brillantes.
Maestro de múltiples géneros, desde el gánster y el western hasta el musical, Hawks es uno de los más grandes cineastas de la edad de oro de Hollywood. A pesar del fracaso inicial en las taquillas la película fue redescubierta por los críticos cinéfilos en los 50 y es considerada un clásico indiscutible, emblema de las Screwball comedies.

A las 22 hs.: "FLESH FOR FRANKESTEIN"


"Flesh for Frankestein"
Italia, 1973. 95'. Dir. Paul Morrissey.

Obra cumbre del Cinema della Transgressione (Cine de la Transgresión) de los ‘70. Esta versión del mito de Frankenstein es un viaje extremo de horror gore con comedia camp. Udo Kier con su mirada penetrante es el Barón Frankenstein, un científico loco casado con su hermana. Más emparentado con Mengele, está empeñado en crear una raza de humanos a partir de trozos de cadáveres mutilados y cosidos. Quiere crear al hombre perfecto y a la mujer perfecta, que se reproduzcan y den origen a una "raza superior" que le obedezca a él.
Junto a su sumiso ayudante Otto "cosechan" las partes necesarias para su experimento: un torso, una cabeza, extremidades. El problema surge con la cabeza para su Adán, pues por error toman el cerebro de un hombre que iba a convertirse en monje en lugar de la de un "súper-amante" (Vale marcar que este Frankestein se hizo dos años antes de la joya de Mel Brooks…). Y claro, aquí la criatura masculina muestra nulo interés en cumplir con sus deberes hetero de "procreación" con la magnífica Eva que le han creado para 'matchar'. Y por si faltaba algún sendero tenebroso, la esposa del Barón tiene un hambre sexual insaciable, acaba fijándose en la criatura y todo deriva a un sangriento pandemonium.
Violencia extrema y gore explícito, lanzamiento de vísceras, cabezas cortadas, chorros de sangre, bordan un estilo único entre registro seco y a la vez estetizado y grotesco. Rodada íntegramente en Spacevision 3-D, una rareza en la época, unas pocas veces se pudo proyectar en 3D, y se difundió mucho tiempo una versión recortada, hasta que se reconstruyó y restauró.
Este film y otro como Blood for Drácula son parte de la incursión de Morrissey en Italia con la producción de Carlo Ponti. Continuaba la participación de Warhol como productor ejecutivo que tendió el puente. Morrissey era su director cómplice con su propio juego creativo y había descubierto a Joe D'Alessandro que se transformó en la Superstar preferida de la Factoría Warhol.