Sin categoría

Subsecretaría de Cultura de AMR
El martes 7, a las 20, concluye la Sección Bogdanovich con un film sobre traición, confusión, un pueblo que se está quedando vacío y el cierre de un cine. Y a las 22, la hija de Drácula llega al Nueva York de los 90 en un cuento de vampiros postmodernos.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "LA ÚLTIMA PELÍCULA"


"La última película"
Estados Unidos, 1971. 118'. Dir. Peter Bogdanovich.

Oscar: Mejor actor de reparto (Ben Johnson), Mejor actriz de reparto (Cloris Leachman); Globo de Oro: Mejor actor de reparto (Ben Johnson); BAFTA: Premios de la academia de cine británica: Mejor guión (Larry McMurtry, Peter Bogdanovich), Mejor actriz secundaria (Cloris Leachman), Mejor actor secundario (Ben Johnson); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor guión (Peter Bogdanovich, Larry McMurtry), Mejor actriz de reparto (Ellen Burstyn), Mejor actor de reparto (Ben Johnson); National Society of Film Critics: Mejor actriz secundaria (Ellen Burstyn); Asociación de Críticos Norteamericanos: Mejor actor secundario (Ben Johnson), Mejor actriz secundaria (Cloris Leachman).
⁠⁠⁠⁠Sonny Crawford (Timothy Bottoms) y Duane Jackson (Jeff Bridges), son dos amigos y compañeros del equipo de fútbol americano que están a punto de graduarse. Son los años 50 y viven en una pequeña ciudad de Texas que parece haber sido abandonada por el progreso. Están insatisfechos y aburridos, no encuentran mucho que hacer en lo que parece un sueño opaco y sin perspectivas.
Sus vidas se desarrollan entre un viejo cine, el Royal, un salón de billar y un café que está abierto toda la noche. Todos estos lugares están regentados por Sam el León (Ben Johnson), una figura paterna para ellos. Mientras Duane intenta conquistar a la caprichosa y popular Jacy Farrow (Cybill Shepherd), Sonny se ve envuelto en un romance secreto con la esposa del entrenador del equipo.
Los tres jóvenes navegan entre el deseo, la traición y la confusión de la adultez al mismo tiempo que reflejan la desesperanza de un lugar que se está quedando vacío. El cierre del cine Royal, que proyecta su última función, se convierte en el símbolo del fin de una época para la comunidad y quizás para el propio Hollywood clásico. El mismo título del film resuena en la sala: The Last Picture Show.
Rodada en blanco y negro, cuando el color era “la norma”, plantea una atmósfera polvorienta, desolada y fantasmal de los Estados Unidos rural. Con un estilo narrativo y visual clásico, Bogdanovich elige los travellings, los planos secuencia y composiciones cuidadas aprendidas de sus mentores John Ford y Howard Hawks. El propio Orson Welles le aconsejó usar planos de situación sólo cuando tuvieran un peso dramático, no de forma arbitraria y eso se ve claramente en este film. Bogdanovich, con Cassavetes, Lumet, Friedkin y otros comenzaban a dar forma vital al nuevo cine norteamericano rompiendo los estándares comerciales y desafiando la censura. Surge así un cine auténtico e impactante, fluido narrativamente, con personajes de caracteres densos y contradictorios, apasionadamente moderno.

A las 22 hs.: "NADJA"


"Nadja"
Estados Unidos, 1995. 92'. Dir. Michael Almereyda.

Festival Internacional de Cinema de Catalunya-Sitges: Mejor dirección (Michael Almereyda).
En los 90 en Nueva York, Nadja, la hija del conde Drácula, intenta abrirse un nuevo camino y liberarse del legado de su padre tras su muerte. La ciudad está plagada de todo tipo de vampiros y zombies, y también está el doctor Van Helsing (inolvidable Peter Fonda), un hippie "pasado" de ácido durante los años 60 que se dedica a la caza de vampiros.
Nadja transita el sórdido circuito del East Village, donde seduce a una joven llamada Lucy y provoca una serie de eventos inesperados. Mientras tanto el doctor Van Helsing, el cazavampiros más excéntrico y desquiciado, junto a su sobrino Jim, que también es el marido de Lucy, intentan cazar a Nadja y a su hermano gemelo Edgar.
El film sigue las complejas relaciones de esta disfuncional familia de seres de la noche, mientras luchan entre el deseo de liberarse de su naturaleza y la atracción fatal de la sangre. Melancólico cuento de vampiros posmodernos, con una bella estética granulada y experimental.
Mediante el uso innovador de dos formatos visuales plantea claramente los diferentes momentos narrativos. La mayor parte se rodó en un nítido 35 mm, mientras que los momentos en que los personajes caen bajo el hechizo de Nadja se filmaron con una cámara de juguete Fisher-Price Pixelvision. Un cambio radical a una imagen granulada y borrosa que logra sumergirnos en la percepción fragmentada y onírica de los protagonistas.

La única película, el próximo martes a las 20, es de Anders T. Jensen, director ganador del Oscar a Mejor Película Extranjera por En un mundo mejor. Se trata de su más reciente obra, una comedia negra danesa, con situaciones tan disparatadas como conmovedoras entre dos hermanos.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): 20 hs.

"EL ÚLTIMO VIKINGO"

Dinamarca, 2025. 116'. Dir. Anders T. Jensen.

Anker, un delincuente que sale de prisión tras cumplir 15 años de condena por un asalto, planea reunirse con su hermano Manfred, el único que sabe dónde está el botín. El problema es que Manfred, a raíz de un trastorno disociativo derivado de un pasado traumático, se olvidó de todo y cree ser otra persona.
Juntos, los hermanos emprenden un viaje inesperado para recuperar el pasado y, claro, el dinero, y en medio de situaciones tan disparatadas como conmovedoras descubren quiénes son en realidad.
Esta comedia negra danesa es casi una fábula, un cuento. Jensen utiliza el humor negro como una herramienta terapéutica y la violencia y el absurdo son la expresión del dolor de los personajes. La imagen crea dos mundos diferenciados, bien articulados narrativamente. El presente con una textura cruda y realista por un lado, y los flashbacks, sobre la dura infancia de los hermanos por otro, bañados por una neblina visual y una luz blanquecina.
El director, que ganó un Oscar a Mejor Película Extranjera por En un mundo mejor, reúne en El último Vikingo a su troupe habitual, encabezada por Mads Mikkelsen (Manfred) y Nikolaj Lie Kaas (Anker), con quienes ha trabajado en casi todas sus películas. Es que para Jensen, la confianza mutua es clave para poder "atreverse a ir a lugares extremos" con los personajes.

Subsecretaría de Cultura de AMR
Este martes 5 de mayo se podrán ver dos películas de los inicios de un gran director, Terrence Malick. A las 20 dirige a Richard Gere; a las 22 h. Martin Sheen está a sus órdenes, en el film se llevó la Concha de Oro en San Sebastián y le dio al actor la Concha de Plata como Mejor actor.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "DÍAS DE GLORIA"


"Días de Gloria"
Estados Unidos. 1978. 94'. Dir. Terrence Malick.

Oscar: Mejor fotografía (Néstor Almendros); Festival de Cannes: Mejor dirección (Terrence Malick); BAFTA: Premio Anthony Asquith a la mejor música (Ennio Morricone); National Society of Film Critics: Mejor dirección (Terrence Malick); National Society of Film Critics: Mejor fotografía (Néstor Almendros); National Board of Review: Mejor película; Círculo de Críticos de Nueva York (NYFCC): Mejor dirección (Terrence Malick); Premios David di Donatello: Mejor actor extranjero (Richard Gere); Premios David di Donatello: Mejor guión extranjero (Terrence Malick); Asociación de Críticos de Los Ángeles (LAFCA): Mejor fotografía (Néstor Almendros).
En 1916. Bill (Richard Gere) y Abby (Brooke Adams), una joven pareja, escapan de la pobreza y la dura vida de Chicago, EEUU. Acompañados de Linda, la hermana de Bill, viajan hacia los grandes campos de trigo de Tejas, donde fingen ser tres hermanos y encuentran trabajo como braceros en una granja, propiedad de un agricultor joven y rico que padece una enfermedad terminal.
El granjero (Sam Shepard) se enamora de Abby y le propone matrimonio. Sabiendo que al enfermo sólo le queda un año de vida, Bill idea un riesgoso plan para salir definitivamente de las carencias. El granjero comienza a desconfiar de la extraña relación entre los supuestos hermanos y se desencadena un triángulo amoroso trágico.
El director de fotografía Néstor Almendros -quien obtuvo un Oscar por su labor aquí— utilizó principalmente luz natural y rodó la mayor parte de la película durante el atardecer y la "hora mágica", las luces preferidas de Malick por su suavidad dorada y envolvente que da a la película una sensación de profundo encanto.
Terrence Malick además, prioriza lo visual sobre el diálogo. La historia se cuenta a través de imágenes, gestos y situaciones intensas en la naturaleza, bella o abrumadora, entre el sonido ambiente y la música coprotagonistas de un film memorable.

A las 22 hs.: "BADLANDS"


"Badlands"
Estados Unidos. 1973. 95'. Dir. Terrence Malick.

Festival de San Sebastián: Concha de Oro: Mejor Película, Concha de Plata - Mejor actor (Martin Sheen).
Holly es una adolescente de 15 años que, en 1959, vive en Fort Dupree, un pueblo remoto de Dakota del Sur EEUU, con su padre viudo y pintor de letreros, con el que mantiene una tensa relación. Kit es un joven recolector de basura de 25 años, veterano de la guerra de Corea, que viste y se comporta como su ídolo James Dean.
Cuando el rebelde Kit conoce a Holly decide dejar atrás su mediocre vida e intentar alcanzar ‘el triunfo’ sea como sea. A pesar de la diferencia de edad y la dura oposición del padre de Holly la pareja inicia su relación. Tras un devenir de tragedias, huyen hacia las “tierras baldías” de Montana y terminan a la deriva por el Medio Oeste yanki.
La desventura y el reguero de violencia de esta road movie es narrada por Holly desde su perspectiva ingenua, casi indiferente. Esa aparente distancia exacerba la percepción emotiva de la película, frente a la cual es imposible quedar indiferente como espectador.
Inspirada en los asesinos reales Charles Starkweather y Caril Ann Fugate, la primera obra de Malick no obtuvo un importante repercusión de público, pero llamó poderosamente la atención de los especialistas por su singularidad y estilo fuera de toda norma, que auguraban una promesa autoral, sin interés comercial y sí por establecer un universo propio.
En la desesperada huida de un asesino y su novia adolescente, Malick retrata un país a la deriva, en las contradicciones de su propia identidad guerrera, oscilante entre sus mitos derruidos del pasado y un futuro sombrío.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El martes 28 será con dos clásicos. A las 20, la versión de Luis Buñuel de Cumbres Borrascosas y a las 22, en la Sección Cuentos Cinematográficos, una imperdible obra de culto.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "ABISMOS DE PASIÓN"


"Abismos de Pasión"
México, 1954. 89'. Dir. Luis Buñuel.

La versión de Luis Buñuel de "Cumbres Borrascosas" -de Emily Brönte—.
En una hacienda del México árido del siglo XIX, la atormentada Catalina vive un matrimonio infeliz con el acaudalado Eduardo. Alejandro, un hombre rudo y apasionado, regresa tras 10 años de ausencia a la hacienda en la que vivió de niño junto a sus padres y hermanos adoptivos, con la intención de casarse con Catalina, su antiguo amor de adolescencia.
Al descubrir que Catalina ya es la esposa de otro hombre, en un acto de despecho y venganza, decide casarse con la hermana de su rival. A partir de ahí, la convivencia se vuelve insoportable, los personajes se hunden en un torbellino de humillaciones, violencia psicológica y toxicidad de la que no podrán escapar.
Buñuel traslada la historia original de los páramos ingleses al contexto áspero de un paisaje mexicano desolado, donde el tormento de los personajes se siente a flor de piel. La fotografia en blanco y negro de Agustín Jiménez acentúa los contrastes dramáticos, y la maestría de Buñuel logra imprimirle al relato su característico humor solapado, lo que pone en crisis irónica una categorización rígida del tono del film.
Considerado uno de los cineastas más importantes de la historia, Buñuel (de quien ya se proyectaron las geniales Viridiana y Simón del Desierto en Cine Club Rosario) soñó con este proyecto durante mucho tiempo. Desde los años ’30 en su primera época surrealista en Francia, había escrito un guión de "Cumbres Borrascosas" pero nunca pudo financiarlo.
Veinticuatro años después el productor Óscar Dancigers le propuso hacer una comedia romántica con las estrellas Jorge Mistral e Irasema Dilián. Buñuel desempolvó su viejo guión y convenció al productor para rodar esta historia de pasión y ferocidad gótica -con un final ‘buñueliano’ a toda orquesta—, basada en la única y fructífera novela de E. Brontè.

A las 22 hs.: "CARNIVAL OF SOULS"


"Carnival of Souls"
Estados Unidos, 1962. 78'. Dir. Herk Harvey.

Mary Henry es la única superviviente de un terrible accidente automovilístico, desde un puente colgante su vehículo se precipitó y cayó a un río. Horas después, aparece sola y desorientada en una pequeña playita. En seguida nota que el mundo que le rodea cambió y que la línea que separa a los vivos de los muertos es cada vez más borrosa.
Mary experimenta fenómenos cada vez más perturbadores, el vecino insistente que se siente atraído por ella -interpretado por el propio director Herk Harvey- aparece y desaparece a su alrededor. Sufre extraños episodios de disociación en los que se vuelve invisible e inaudible para el resto del mundo y se siente extrañamente atraída por un siniestro y abandonado parque de diversiones que hay en las afueras de la ciudad.
Obra onírica y profundamente inquietante, con la que Harvey buscó deliberadamente lograr "la apariencia de Bergman y la sensación de Cocteau". Lo que le falta a Carnival of Souls en presupuesto, lo compensa con creces en ingenio. Rodada con sólo 33.000 dólares, es una lección magistral de cine independiente, sobre cómo contar una historia de horror que va mucho más allá de una mujer que queda desorientada tras un accidente.
El blanco y negro de expresiva escala de grises y contrastes, las líneas de perspectivas y simetrías fantasmagóricas jugando en los encuadres, todo suma al clima ominoso predominante. Su banda sonora, en especial el protagónico sonido del órgano de Gene Moore, más que a una iglesia suena al eco al de un circo siniestro, a un ambiguo juego entre lo sagrado y lo profano. Imperdible obra de culto.

Subsecretaría de Cultura de AMR
Esta es la función del pasado martes 31 de marzo, que lamentablemente se suspendió por corte de luz. Cine Club Rosario la reprogramó para este martes, ofreciendo la oportunidad de disfrutar los mismos films que se habían propuesto entonces, ambos muy interesantes.
A las 20, uno de los relatos de la trilogía de Oslo y a las 22, Dustin Hoffman en uno de sus papeles destacados.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "OSLO"


"Oslo"
Noruega, 2011. 95'. Dir. Joachim Trier.

Anders, un joven de 34 años, está a punto de finalizar un tratamiento de desintoxicación en el campo. Como parte de su terapia se le concede un permiso para viajar a Oslo y asistir a una entrevista de trabajo. Lo que comienza como una salida rutinaria se convierte en un viaje emocional de 24 horas por los lugares y las personas que marcaron su vida antes de que las drogas lo distanciaran de todo.
A lo largo de un único día, el 31 de agosto, Anders llega a Oslo con la esperanza, aún frágil, de retomar las riendas de su vida. Durante esa jornada, se reencuentra con su amigo Thomas, ahora un respetable profesor universitario casado y con hijos; intenta ver a su hermana, quien lo evita y se topa con viejos conocidos que pertenecen a su pasado como adicto.
La brecha entre él y el mundo que dejó atrás se vuelve más evidente. Las conversaciones, los silencios y sus pensamientos lo enfrentan a una pregunta demoledora: ¿es posible realmente volver a empezar cuando sientes que ya lo has perdido todo, incluyéndote a ti mismo?
Parte de la trilogía que explora la identidad y la juventud en Oslo, posterior a Reprise (2006) y anterior a La peor persona del mundo (2021), en Oslo 31 de agosto Trier utiliza una puesta en escena minimalista y una cámara que sigue a Anders como una sombra, sumergiéndonos por completo en su punto de vista.
El film trasciende el tema de la adicción y se convierte en una reflexión universal sobre la edad adulta, el paso del tiempo y el costo de las decisiones que tomamos, o dejamos de tomar.
Nacido en Copenhague pero criado en Oslo, Trier es considerado una de las voces más personales del cine europeo contemporáneo. Acá adapta libremente la novela "Fuego fatuo" (Le feu follet), del escritor francés Pierre Drieu La Rochelle, publicada en 1931, Trier traslada la acción del París de entreguerras al Oslo contemporáneo, demostrando la atemporalidad de los dilemas existenciales del protagonista.

A las 22 hs.: "EL GRADUADO"


"El Graduado"
Estados Unidos, 1967. 105'. Dir. Mike Nichols.

Oscar: Mejor dirección; Globos de Oro: Mejor película-Comedia o musical, Mejor dirección (Mike Nichols), Mejor actriz principal-Comedia o musical (Anne Bancroft),
⁠⁠⁠⁠⁠Nueva promesa masculina (Dustin Hoffman), Nueva promesa femenina (Katharine Ross); BAFTA: Mejor película, Mejor Dirección, Mejor guion original (Calder Willingham, Buck Henry), Mejor montaje (Sam O'Steen), Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor dirección (Mike Nichols).
Benjamin Braddock es un joven de 21 años que regresa al hogar familiar en California después de graduarse en la universidad. Está perdido y ansioso sobre su futuro, y es incapaz de conectar con el mundo superficial y materialista de sus padres y sus amigos. En medio de esta crisis existencial, se ve envuelto en una aventura secreta con la señora Robinson, una amiga de la familia, casada y de mediana edad.
El joven, interpretado por Dustin Hoffman, alberga un gran rencor contra la hipocresía y la corrupción de la sociedad que lo rodea. Asfixiado por las fiestas que organizan sus padres y por los consejos vacíos de los adultos que lo rodean busca un escape y se deja seducir por la señora Robinson, una mujer sofisticada, alcohólica y amargada, que se encapricha con él. Todo se complica aún más cuando Benjamin conoce a Elaine (Katharine Ross), la hija de la señora Robinson.
Un largo plano secuencia con un primer plano cerrado del rostro de Benjamin lo muestra asediado por los adultos que le dan consejos en la primera escena de la película. Nichols, que se llevó el Oscar a Mejor dirección por este film, utiliza transiciones ingeniosas, movimientos de miradas para mostrarnos la rutina vacía de Benjamin, fuera de campo precisos y fundidos que hacen que los diálogos no sean importantes para entender lo que está pasando.
Retrato generacional de los jóvenes de los años 60 que cuestionaban los valores materialistas y la hipocresía de sus padres, muestra cómo detrás de las fachadas de las casas acomodadas y las piletas, está la podredumbre: adulterio, alcoholismo y desesperación.

Subsecretaría de Cultura de AMR
Este último martes de enero vuelven las dobles funciones. A las 20, una road movie que sigue a dos hombres, novatos en el ciclismo y payasos aficionados, a través de una travesía para sanar un duelo. A las 22, una joya de los Monty Python, y una de las mejores comedias británicas de los '70.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "A BICICLETTE!"


"A biciclette!" (En bicicleta)
Francia, 2025. 90'. Dir. Mathias Mlekuz.

Mathias y su mejor amigo Philipe, emprenden un viaje en bicicleta que los lleva del Atlántico al Mar Negro para recorrer la misma ruta que tomó su hijo Youri antes de morir. Junto a un fox terrier, se suben a esta emotiva aventura en dos ruedas.
Road movie que sigue a estos dos hombres, novatos en el ciclismo y payasos aficionados, a través de varios países de Europa. El viaje, una travesía para sanar el duelo, está lleno de momentos de ternura, humor inesperado y reflexión profunda. Mientras buscan pistas o rastros que el hijo pudo dejar en el camino se ríen y lloran en partes iguales, sienten de manera auténtica y afianzan su amistad.
Ficción autobiográfica que explora con humor y sensibilidad la lenta reconstrucción de la vida cuando se tiene heridas difíciles de sanar. La trayectoria del director como diseñador de sonido imprime acá una huella muy particular a este viaje.
Con un tono íntimo y cotidiano, alejado del contexto épico de la peregrinación, sigue la tradición del cine de carretera y la comedia dramática francesa. En palabras del periódico Le Parisien, “Es una película que canta al amor por la vida, incluso en su mayor dolor o a pesar de ella. De estos dos tipos, nos haríamos buenos amigos. Cada uno tiene la suerte de tener al otro. Y nosotros, la de verlos en la gran pantalla".

A las 22 hs.: "LIFE OF BRIAN"


"Life of Brian" (La vida de Brian)
Reino Unido, 1979. 93'. Dir. Terry Jones.

Joya de los Monty Python. Una de las mejores comedias británicas de los '70.
En la Judea del año 33 d.C., Brian (o ‘Bdian’ para algunos) Cohen, un joven judío común y corriente, nace accidentalmente en el establo contiguo al de Jesús. A lo largo de su vida, absurdos y grotescos malentendidos hacen que la gente lo confunda con el Mesías. Brian se ve arrastrado, sin quererlo y sin poder evitarlo, por una ola de fervor religioso y revolucionario, mientras intenta desesperadamente aclarar que él no es quien todos creen.
Sus pocas luces, el ambiente de decadencia y caos absoluto en que está sumergida Galilea, le hacen vivir en manos de su madre, una feminista revolucionaria, y del mismísimo Poncio Pilatos, su propia versión del calvario.
Sátira en sketches de humor absurdo de los Monty Python que se burla de la credulidad ciega, el fanatismo, la burocracia de los aparatos revolucionarios y la absurda tendencia a seguir ideologías sin sentido.
Producción de bajo presupuesto, estética deliberadamente teatral, decorados que se notan falsos, multitudes famélicas de extras que se repiten, todo para reforzar el tono de parodia que la aleja de cualquier intento de realismo épico, en contraste con las superproducciones bíblicas.
Financiada por el ex Beatle George Harrison, que creó la productora HandMade Films sólo para sacar adelante ésta película, guionada e interpretada por todos los Monty Python y dirigida por uno de sus directores Terry Jones, que además encarna un personaje inolvidable.
Prohibida o censurada en varios países, como Noruega e Irlanda y regiones del Reino Unido, bajo acusaciones de blasfemia, es considerada una de las comedias más brillantes de todos los tiempos. Consolidó el genial humor absurdo de los Python y defendió el derecho a la sátira y la libertad de expresión frente a la censura religiosa.

Subsecretaría de Cultura de AMR
Empieza diciembre con dos films con destacados trabajos de fotografía. A las 20, un grupo de monjas anglicanas intentan adaptarse a un entorno exótico mientras luchan contra la soledad, la abrumadora fuerza de la naturaleza y la sensual atmósfera del lugar. A las 22, un genial film del cine independiente que utiliza un lenguaje visual "arcaico" para contar una historia atemporal sobre la tristeza y la esperanza.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "NARCISO NEGRO"


"Narciso Negro"
Reino Unido, 1947. 100'. Dir. Michael Powell, Emeric Pressburger.

Oscar: Mejor fotografía color (Jack Cardiff), Mejor dirección artística color (Alfred Junge); Globos de Oro: Mejor fotografía (Jack Cardiff); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actriz (Deborah Kerr).
Un pequeño grupo de monjas anglicanas lideradas por la hermana Clodagh, se trasladan a un remoto y aislado lugar en el Himalaya para fundar una escuela y un dispensario. El convento, llamado "Palacio de la Niebla", era un antiguo palacio de recreo para el harén de un general local. El lugar está impregnado de un pasado de lujuria y placer secular. Las hermanas intentan adaptarse a este entorno exótico, luchan contra la soledad, la abrumadora fuerza de la naturaleza y la sensual atmósfera del lugar.
Las condiciones del entorno comienzan a afectar las mentes y espíritus de las conventuales y ponen a prueba su fe y sus votos. Crecen las dificultades económicas y tensiones entre ellas hasta que llega un agente británico que intenta solucionar sus problemas, pero su presencia sólo acaba despertando la sexualidad reprimida de algunas hermanas.
Intenso drama que explora el conflicto entre la espiritualidad reprimida, las estructuras conservadoras y los impulsos humanos más primarios. La fe chocando contra el deseo, la disciplina contra la naturaleza y la cordura contra la locura creciente.
"The Archers", como se llamaba la productora de esta genial dupla de directores Powell y Pressburger, fue una de las parejas creativas más innovadoras e influyentes del cine británico. Acá, compartieron crédito como directores, productores y guionistas, aunque en general Pressburger se centraba más en el guión y Powell en la dirección, con su estilo tan refinado y contundente, especie de expresionismo moderno.
Basada en la novela homónima de Rumer Godden, quien también colaboró en el guión, fue una de las primeras películas británicas en utilizar el proceso Technicolor de ‘tres tiras’ de forma tan exquisita y expresiva, como una parte fundamental de la precisa batería de recursos cinematográficos de Powell. Ganadora del Oscar a la Mejor Fotografia, el Director de la luz del film, Cardiff usó filtros de seda y técnicas de iluminación innovadoras para crear una atmósfera irreal, etérea y cargada de sensualidad.

A las 22 hs.: "LA MÚSICA MÁS TRISTE DEL MUNDO"


"La música más triste del mundo"
Canadá. 2003. 99' Dir. Guy Maddin.

Premios Genie 2004: Mejor banda sonora (Christopher Dedrick), Mejor vestuario (Meg McMillan), Mejor montaje (David Wharnsby).
En el gélido y brumoso Winnipeg de los años 30, durante la época de la Gran Depresión, una condesa venida a menos, Lady Port-Huntly (Isabella Rossellini), idea un extravagante concurso para salvar a la ciudad de la ruina: buscar a la persona capaz de interpretar "la música más triste del mundo".
Con la esperanza de alcanzar fama y fortuna anuncia una competición para decidir cuál es la música más triste del mundo. El concurso atrae a músicos de todos los países. En nombre de América se presenta el músico canadiense Chester Kent (Mark McKinney), acompañado de Narcissa (Maria de Medeiros), una ninfómana amnésica.
Durante el concurso se enreda con el atormentado músico Chester Kent, esto la complica con su antiguo amor, un magnate de la cerveza que perdió las piernas en un trágico accidente pero todavía las conserva en frascos con formol.
A partir de una fotografía y estética que emulan y homenajean al cine mudo y los primeros años del sonoro, el film del canadiense díscolo G. Maddin, tiene una atmósfera de fábula nostálgica y profundamente conmovedora, cargada a la vez de filoso humor negro.
Genial film del cine independiente, utiliza un lenguaje visual ‘arcaico’ para contar una historia atemporal sobre la tristeza y la esperanza. Guy Maddin, conocido por usar técnicas antiguas y experimentales, como el found footage, el coloreado manual, es uno de los directores con una voz más personal e inconfundible de nuestro tiempo y logra aquí una de esas películas ‘imborrables’, que no se parece a ninguna otra.