Author - ozanarello

Subsecretaría de Cultura de AMR
El próximo martes, a las 20, se verá un documental fuera de lo común sobre el caprichoso traslado de arboles centenarios. A las 22, se completa la trilogía de Linklater con Ethan Hawke y Julie Delpy.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "MOTVINIEREBA"


"Motviniereba" (Taming the Garden)
Georgia, 2021. 92'. Dir. Salomé Jashi.

Brillante documental de observación de una realidad sorprendente.
Lo que vio la realizadora georgiana Salomé Jashi parecía increíble y le inspiró a hacer Motviniereba, su documental que saltó a grandes eventos internacionales del cine como los festivales de Sundance y Berlín, entre otros. No se trata específicamente de un documental de investigación, aunque sí lo es. Tampoco es uno de denuncia, y también lo es. Jashi prefiere observar lo que pasa en su país con cientos de árboles centenarios, anexionados a un delirante sistema de «circulación verde» que afecta profundamente la vida de los habitantes.
La película va dando a entender de a poco el misterio y qué se esconde detrás de esas cuadrillas de operarios que trabajan sin descanso para sacar árboles y llevarlos a otro lado. Ejemplares que llegan hasta los 15 pisos de altura, y para trasplantarlos se cortan otros árboles en derredor, se desplazan cables eléctricos y se pavimentan nuevos caminos a través de plantaciones de frutales. Son árboles muy queridos por los habitantes de los pueblos en los que están, pero no hay mucho que se pueda hacer: los operarios vienen con dinero para «desarraigarlos». Y por más que la gente del lugar los quiera y formen parte de sus vidas, se trata también de personas que necesitan plata y es difícil negarse al operativo. Entre todo tipo de especulaciones, muchos deciden hacerse los sordos ante los estampidos de la realidad.
Fascinante y singular, este documental no se centra en el coleccionista, sino en el proceso de "trasplante" y todo lo que se produce en la comunidad afectada, impactada. No sabe esa gente que serán transportarlos por tierra y luego por el Mar Negro hasta un nuevo destino.
Sin entrevistas directas a cámara, ni voz en off explicativa, ni música extradiegética, Jashi observa y escucha, permitiendo que la fuerza de las imágenes y los diálogos espontáneos construyan posibles sentidos a un fenómeno de la realidad que parece estratósférico.
Cuidadosamente encuadrado, cada fotograma parece una bella estampa que fluye en un relato sutil y delicado a pesar de lo brutal que refleja. La inmensidad de los paisajes georgianos, bosques, costas, aldeas, contrasta con la presencia industrial y perturbadora de grúas y barcazas.
El reflejo es más profundo, hay un poderoso y excéntrico magnate georgiano, Bidzina Ivanishvili, es el fundador del partido gobernante y una figura de inmenso poder político y económico de la Georgia postsoviética. Nadie lo nombra abiertamente aunque todos saben de quién se está hablando, así la película muestra los deseos antipopulares de la oligarquía, la concentración de poder y la creación de una realidad paralela para los nuevos ultra-ricos en un país con grandes desigualdades, contado de un modo cinematográficamente excepcional.

A las 22 hs.: "ANTES DE LA MEDIANOCHE"


"Antes de la medianoche"
Estados Unidos, 2013. 104'. Dir. Richard Linklater.

Jesse y Céline pasan un verano en Grecia nueve años después de su reencuentro en París. El idílico y relajado final de vacaciones, lleno de conversaciones filosóficas y reuniones con amigos, gradualmente se transforma en una noche crucial donde deben enfrentarse a las complejidades, los compromisos y las grietas de su relación a largo plazo.
Tercera parte de la trilogía, el film captura un día en la vida de la pareja, ahora cada uno en sus cuarenta y con hijas gemelas. Largas secuencias de diálogo exploran temas como el amor, el tiempo, la familia, las oportunidades perdidas y las frustraciones cotidianas. La acumulación de desacuerdos, bromas de doble sentido y preguntas no resueltas, construyen la tensión dramática que deriva en una confrontación honesta y desgarradora.
La luz cegadora y los paisajes austeros y hermosos del sur del Peloponeso griego conforman una estética naturalista, solar y terrenal. Madura y honesta, contrasta con el romanticismo más idealista de las entregas anteriores. La cámara es discreta, privilegiando la presencia de los personajes sobre la pirueta técnica.
Con planos secuencia larguísimos y diálogos orgánicos, está co-escrita por el director y los protagonistas Hawke y Delpy. Amigos íntimos de Linklater, en sus encuentros hablaban de cómo sería Jesse y Céline con hijos, con carreras establecidas, con las dudas de la mediana edad y juntos decidieron que era el momento de explorar esa fase.
No es solo una secuela, es una experiencia de cine sobre la intimidad y el paso del tiempo. Desmonta el "y vivieron felices para siempre" para mostrar la belleza, el dolor y la complejidad de decidir amar a alguien en la vida real. Una conclusión perfecta de una de las trilogías más íntegras jamás filmadas.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El martes 9/12 se verán films de grandes directores en cada función. A las 20, Steven Soderbergh y una película de múltiples capas dramáticas. A las 22, Bertrand Mandico con su propuesta: cinco adolescentes de la alta burguesía de la Costa Azul en 1910 cometen un crimen atroz y sin sentido.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "THE LIMEY"


"The Limey" (Vengar la sangre)
Estados Unidos, 1999. 85'. Dir. Steven Soderbergh.

Satellite Awards: Mejor actor principal - Drama: Terence Stamp.
Wilson, un criminal profesional inglés y veterano, de clase obrera, o sea un ‘cockney’ recién salido de prisión, viaja a Los Ángeles para descubrir la verdad sobre la misteriosa y trágica muerte de su hija, Jenny. Al llegar, Terry Valentine, un enigmático productor musical, y el turbio séquito que rodeaba a su hija, afirman que fue un accidente. Wilson desconfía y sigue buscando las pistas para armar el rompecabezas. Entre el brillante y superficial mundo del espectáculo, unos puños duros guiados por astucia callejera, harán saber al bajofondo de Los Ángeles que el "Inglés" está en la ciudad.
La película se vale de saltos temporales constantes y escenas oníricas, que se intercalan con el presente del relato, para reflejar lo que sucede en la mente del protagonista: un torbellino de recuerdos, culpas e hipótesis violentas. Como siempre, donde colabora Cliff Martinez (ex Red H. C Peppers, The Weirdos o Lydia Launch y habitual compositor de Soderbergh, como de N. W. Refn) la BSO electrónica y pulsante, contribuye al ambiente de tensión y melancolía.
Creador incansable y coherente con obtener la imagen y el ritmo pensados, Soderbergh suele ser también su propio director de fotografía (bajo el pseudónimo Peter Andrews) y montajista (aka Mary Ann Bernard), también aquí. En The Limey, mientras la cabeza de un magnífico Terence Stamp hierve en su derrotero de batallas, Soderbergh transforma el argumento de un simple thriller de venganza en una película de múltiples capas dramáticas, quizás una fracturada meditación sobre el arrepentimiento que, como se sabe, siempre llega tarde.

A las 22 hs.: "LES GARÇONS SAUVAGES"


"Les garçons sauvages" (Los jóvenes salvajes)
Francia, 2017. 110'. Dir. Bertrand Mandico.

Cinco adolescentes de la alta burguesía de la Costa Azul en 1910, cometen un crimen atroz y sin sentido. Para evitar el escándalo y el juicio, sus ricas familias, con las autoridades como cómplices, los envían a un "exilio correctivo".
Para “enderezarlos” a través del duro trabajo y disciplina marítima contratan a un ex capitán de barco misántropo y borracho, para llevarlos en su velero a una isla remota del Pacífico. Tras naufragar, llegan a una isla paradisíaca pero maldita, donde las leyes de la naturaleza, el deseo y la identidad se desarman. En la misteriosa isla, Tanguy, Louis, Dimitri, Juan y Mathieu verán sus vidas transformadas para siempre.
Hecha en fílmico blanco y negro de alto contraste, con una textura granosa y sucia, emparentada con el cine mudo, el film noir o el cine exploitation de los 70, The Wild Boys está cargada de una sensualidad que parece sentirse al tacto. Mandico es de los directores que convierte las limitaciones de bajo presupuesto en alta inventiva sin fronteras, desborda todo, utiliza maquetas, efectos prácticos no digitales, maquillajes exacerbados y escenografías artificiales para crear un sorprendente mundo de ensueño.
Artista y cineasta de culto francés, Mandico comenzó -y sigue- haciendo cortometrajes experimentales con técnicas artesanales, stop-motion y pintura sobre celuloide. Heredero directo de la tradición del cine fantástico y decadente francés de Jean Rollin y Georges Franju así como de la transgresión de autores como Guy Maddin (de quien proyectamos The Saddest Music of the World el martes pasado), o su querido Valerian Borowczyk y por supuesto surrealistas de toda laya.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El martes 25 a las 20, se verá un film protagonizado y dirigido por el alemán Daniel Brühl. A las 22, en la Sección Nuevos Horrores, la propuesta es una precuela, realizada con posterioridad, de la clásica de terror La Profecía de 1976.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "LA PUERTA DE AL LADO"


"La Puerta de al lado" (Nebenan)
Alemania, 2021. 90'. Dir. Daniel Brühl.

Un actor alemán de éxito internacional está a punto de firmar contrato para protagonizar una gran película de superhéroes de Hollywood. Antes de firmar y pasar su última noche en Berlín, va a su antiguo apartamento en Kreuzberg para despedirse. De camino al aeropuerto va al bar de siempre para repasar el texto y tomar un café tranquilamente. Su vecino Bruno, al que nunca antes había visto, viene siguiéndolo de cerca. En el bar,comienzan a conversar en lo que queda claro que no es un encuentro casual.
Bruno, el vecino de la puerta de al lado tiene información íntima sobre la vida de Daniel y su familia y el encuentro se convierte en una incómoda y tensa experiencia que pondrá a prueba su identidad, sus privilegios y su pasado.
Daniel Brühl, director y protagonista del film, se interpreta a sí mismo en lo que es una verdadera noche de pesadilla. Desarrollada casi en tiempo real, en una sola locación, el bar, tiene una atmósfera de thriller donde las palabras son las armas y el protagonista se ve atrapado en un juicio inesperado sobre su propia vida.
En este primer largometraje que dirige Brühl, que ya tiene una carrera consolidada como actor en cine internacional con Good Bye, Lenin!, Malditos Bastardos, Capitán América: Civil War y Rush, no solo se interpreta a sí mismo, sino que reflexiona sobre su propia vida: es un actor alemán que triunfa en Hollywood.
Aguda crítica social y exploración de la "culpa del privilegiado", aborda temas como la gentrificación, la autenticidad, el clasismo, el éxito y la envidia. Los vecinos representan una voz de la "Alemania real" que juzga a quien ha "escapado" de ella. Con planos cerrados y diálogos muy cargados que aumentan la sensación de ansiedad y de no poder escapar.

A las 22 hs.: "LA PRIMERA PROFECÍA"


"La Primera Profecía" (The First Omen)
Estados Unidos, 2024. 120'. Dir. Arkasha Stevenson.

Una joven estadounidense es enviada a Roma para iniciar una vida de servicio a la Iglesia hasta que se topa con una oscuridad que pone en cuestión su propia fe y descubre una conspiración aterradora que busca provocar la encarnación del mal.
Precuela de La profecía de 1976, quizás la mejor de la saga, la historia acompaña a Margaret, una novicia con un pasado turbio que llega a un orfanato en Roma para realizar sus votos y trabajar con niñas. Allí, bajo la tutela de la enigmática hermana Silvia comienza a experimentar visiones aterradoras y a ser testigo de sucesos cada vez más perturbadores.
La fe, la demencia y lo sobrenatural se superponen mientras Margaret se acerca a una verdad que amenaza con destruir su propia cordura y su alma, ante los eventos que darán lugar al nacimiento del anticristo en la película original.
La directora evita los sustos baratos y aborda con valentía los horrores institucionales de la religión, con una trama diseñada para entroncar perfectamente con aquel film histórico, aunque puede verse también como una película independiente. A diferencia de muchos "reboots", esta precuela fue elogiada por su profundo respeto, conocimiento y ‘continuidad’ del film de 1976. Despiadada, elegante, extrañamente bella, incluye recreaciones meticulosas de escenas, elementos visuales poderosos y una imagen y “sentimiento” muy similar a esas grandes obras del cine de terror de los 70.

El martes 11 NO HAY FUNCIÓN del Cine Club PERO SÍ HAY PELÍCULA. En el marco de un nuevo #25N, Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer, la Comisión de Género de La Mutual de AMR invita a una jornada especial de CINE DEBATE. A las 18.30 se proyectará la película "C'è ancora domani" (Siempre habrá un mañana) en el Auditorio de AMR (España 401). Al finalizar se realizará un debate con Virginia Giacosa. ACTIVIDAD GRATUITA.

Horarios
Proyección (puntual): 18.30 hs.

"C'È ANCORA DOMANI"

(Siempre habrá un mañana)

Italia, 2023. 112'. Dir. Paola Cortellesi.

A merced de un marido violento y de un suegro déspota, prisionera de su hogar, Delia tiene como única aspiración el inminente matrimonio de su hija mayor, la predilecta. Una historia íntima y reconocible, reflejo de tantas familias italianas en los años de la posguerra.

Subsecretaría de Cultura de AMR
Muchas versiones hay del cuento Alicia en el país de las maravillas, pocas como esta del checo Jan Švankmajer. Realizada mediante una fusión de técnicas de stop motion y actuaciones, a las 20 se podrá disfrutar de este film que no se parece a ninguno.
A las 22 habrá otra entrega de la Sección Bandas, esta vez en una serie de conciertos de Talking Heads en el Hollywood Pantages Theatre retratados por Jonathan Demme, genial director de quien ya se proyectó Totalmente Salvaje.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "ALICE"


"Alice"
Checoslovaquia, 1988. 86'. Dir. Jan Švankmajer.

Festival de Annecy: Cristal al Mejor largometraje. 
Mientras lee el cuento de Lewis Carroll en su cuarto rodeada de sus juguetes, Alicia se queda dormida y en sueños es transportada al País de las Maravillas. Persiguiendo al escurridizo y misterioso Conejo Blanco, vive peligrosas aventuras en las profundidades del Reino de la Niñez que la llevan a enfrentar un juicio en la corte de la Reina de Corazones. Muchas versiones hay de este maravilloso cuento, pocas como ésta del checo Jan Švankmajer, que crea un país de las maravillas imbuido de una lógica de sueño disparatada y amenazante a la vez, fiel al espíritu de Carroll.
Es que nadie que haya visto alguno de los cortometrajes de Svankmajer dudaría de que el surrealista checo crearía la versión definitiva de Alicia en el País de las Maravillas.
 Difícil encontrar un artista tan consistentemente ingenioso en su capacidad para combinar el absurdo puro y sorprendente con una lógica rigurosa; el humor negro con penetrantes reflexiones psicológicas.
Se vale de su magistral dominio de la técnica de stop motion con la que transforma objetos cotidianos en personajes, así derivan con Alicia criaturas extrañas hechas de medias, huesos, herramientas o aserrín. Elementos ordinarios que varían del terror a la maravilla, dotados de una presencia física abrumadora, dan a la fantasía una textura tangible y terrenal.
 Narrada en primera persona por la propia Alice, interpretada por Kristyna Kohoutová, quien habla poco aunque directamente, repitiendo frases como "¡Esto ya no es un cuento de hadas!", y nos vuelve a sumergir en su perspectiva de confusión y asombro.
No podría ser de otro modo una obra basada en el cuento tan popular de Carroll, quizás porque así de inquietante es crecer y asomar a nuevos territorios en la vida. Jan Švankmajer, formado en marionetas en la Academia de Artes Aplicadas de Praga y en el Teatro de Marionetas de Semafór, es un original creador, que cree en que la imaginación y los sueños son herramientas para liberar al individuo de las restricciones de la sociedad y la razón, y crea en ese sentido. Su estilo transgresor y disfrutable ha sido una enorme influencia para directores como Tim Burton, los Hermanos Quay, Terry Gilliam y muchos otros.

A las 22 hs.: "STOP MAKING SENSE"


"Stop Making Sense"
Estados Unidos, 1984. 88'. Dir. Jonathan Demme.

National Society of Film Critics: Mejor documental.
Más que un documental es uno de los conciertos filmados más aclamados y revolucionarios de la historia. Mucho más que un simple registro; es una obra cinematográfica en sí misma, los Talking Heads en concierto, rodado en 3 noches y con 7 cámaras por Jonathan Demme, genial director de quien ya se proyectó Totalmente Salvaje en Cine Club.
Durante cuatro presentaciones consecutivas de la banda en el Hollywood Pantages Theatre en diciembre de 1983, el director, que más adelante destacaría por El Silencio de los Inocentes, logra un documental nada tradicional, donde el argumento es la construcción meticulosa y el desarrollo orgánico de un recital memorable.
Todo empieza como un acto minimalista y casi íntimo y se transforma en una explosión rítmica y visual con una banda completa de nueve músicos. Un escenario casi vacío, David Byrne entrando solo con una guitarra acústica y un boombox para interpretar "Psycho Killer". Con cada canción se van sumando músicos, equipo y elementos escénicos. El relato es el de la propia música, que se construye ante nuestros ojos hasta alcanzar un clímax catártico.
Demme era fan de la banda y colaboraba con su visión artística. Su objetivo no era filmar un concierto, sino capturar la emoción y la energía de la actuación en vivo, lo que logra ampliamente. Sabía que la banda no solo tocaba música, sino que representaba algo más en el escenario.
Filmada en 35 mm, inusual para un concierto en esa época, tiene una calidad visual excepcional. La iluminación funciona como un personaje más, clara, limpia y permite apreciar todos los detalles del escenario y los músicos, sin los clichés de los espectáculos de rock, humo y luces láser, logrando que predominen los artistas y su música dentro del cine.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El próximo martes se verán dos propuestas bien diversas. A las 20, un film de Christian Petzold, sobre una familia de tres en la que una adolescente padece las decisiones políticas de sus padres. A las 22, en la SECCIÓN BANDAS, The Velvet Underground, dirigido por Tood Haynes. Un documental que sigue los pasos de la vanguardista banda, brazo musical de la Factory de Andy Warhol.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "LA SEGURIDAD INTERIOR"


"La seguridad interior
Alemania, 2000. 106'. Dir. Christian Petzold.

Premios del cine Alemán: Mejor película.
Jeanne, junto a sus padres, se mueve constantemente entre casas seguras, playas desiertas y campings. Clara y Hans, los padres de Jeanne, son dos terroristas de izquierda que huyen de la policía desde hace quince años. La adolescente nunca conoció otra realidad que la de ser perseguidos por el fantasma de la captura y la paranoia.
Cuando Jeanne, en la transición entre la adolescencia y la edad adulta, comienza a anhelar una vida normal, con amigos, amor y libertad, los conflictos empiezan a aflorar. Los deseos chocan frontalmente con el compromiso político y la lealtad familiar que sus padres exigen. La joven, cada vez más rebelde, se enamora de un desconocido que se convierte en una amenaza más para la seguridad de sus padres.
Tenso retrato de una familia al borde del colapso, atrapada entre las ideologías del pasado y el deseo de futuro de una joven, el film de Petzold está profundamente arraigado en el contexto de la Alemania de los 70 y 80. Durante ese período el "Grupo Baader-Meinhof", entre otros grupos de izquierda radical, llevaron a cabo una campaña de terrorismo urbano que terminó con muchos de ellos muertos, encarcelados o viviendo en la clandestinidad como los padres de Jeanne.
Rodada con un estilo frío, distante y realista, típico de la Escuela de Berlín de la cual es parte el director, la cámara observa a la familia en sus rutinas mundanas, haciendo que su situación anormal parezca terriblemente normal, lo que incrementa la sensación de inquietud. Sin flashbacks que expliquen el pasado, el espectador está, como la adolescente, confinado en su presente y debe entender su realidad a través de los fragmentos de conversación y la tensión constante.
Drama político y un thriller psicológico, utiliza la historia reciente de Alemania para explorar temas universales de familia, libertad, lealtad y el costo de vivir en las sombras. Es una película fundamental para entender la evolución del cine alemán y la obra de Christian Petzold.

A las 22 hs.: "THE VELVET UNDERGROUND"


"The Velvet Underground"
Estados Unidos, 2021. 120'. Dir. Todd Haynes.

Festival de Cannes Selección Oficial. Asociación de críticos de Chicago: Mejor Documental. Asociación de Críticos de Boston: Mejor montaje.
El efervescente ambiente artístico del downtown neoyorquino de los años 60 es el escenario de este documental que narra cómo los caminos del genio tranquilo y experimental Lou Reed y el hipnótico y vanguardista John Cale se cruzaron para suerte del rock contemporáneo. Influenciados por Andy Warhol, quien se convirtió en su manager y casi les impuso a Nico, su primera chica cantante, dieron vida a una de las bandas más influyentes e innovadoras de la historia del rock.
Mediante entrevistas exclusivas y espectaculares imágenes de archivo, este original documental aporta una mirada novedosa y diversa sobre la historia de `La Velvet’. El director, conocido por desafiar las convenciones narrativas en inolvidables títulos como Carol, Velvet Goldmine o May December, plantea un "collage" warholiano, donde la forma es coherente con el contenido histórico que revela, utilizando pantalla dividida, filmaciones de archivo, sonido envolvente y grandes relatores como Jonas Mekas, a quien está dedicada la película.
The Velvet Underground fue una banda de rock vanguardista que tuvo una inmensa influencia en la cultura pop y la música en adelante. Con una corta vida comercial y sin éxito de ventas,-dicen que su primer álbum solo vendió 10.000 copias, pero todos los que lo compraron armaron una banda-, fue también el brazo musical de la Factory de Andy Warhol, espacio clave de la vanguardia neoyorquina, que combinaba cine underground, arte pop, diseño gráfico, performance y música.
El sonido de la Velvet, melódico y crudo, poético y melancólico, era la interpretación perfecta de su contexto de experimentación artística, y es lo que homenajea T. Haynes aquí, esa poderosa influencia sobre gran parte del underground de los 70, 80 y 90; pues prácticamente en toda la música indie que vino después se escucha el sello de The Velvet U.
Formal y temáticamente representativa de la historia que quiere contar y el mundo que quiere mostrar, THE VELVET UNDERGROUND es más que una biografía de una banda de rock contextualizada. Es, en realidad, un documental sobre una época atravesada por una banda de rock que sería representativa de los diferentes movimientos que confluyeron en ese lugar y momento determinados. Es un viaje en el tiempo a un mundo que ya no existe y a una ciudad de Nueva York que quizás nunca recupere ese provocador y oscuro brillo de antaño. Y una reverencia cinematográfica a las canciones más ásperamente hermosas en la historia del rock.

Subsecretaría de Cultura de AMR
Este martes se reanuda la actividad con doble programa. A las 20, una imperdible oportunidad para ver una obra argentina que sacude desde lo cinematográfico, las estructuras de lo real, documental sobre la desaparición del joven Luciano Arruga. A las 22, un melodrama encantador o comedia romántica inadaptada del genial Paul Thomas Anderson.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "TODO DOCUMENTO DE CIVILIZACIÓN"


"Todo Documento de Civilización"
Argentina, 2024. 90'. Dir. Tatiana Mazú González.

Fid Marseille - Competencia internacional - Premio Georges De Beauregard;
Doc Buenos Aires - Película De Apertura; FicValdivia - Competencia internacional Mención Especial Del Jurado; FicViña - Competencia Internacional (Chile) - Premio Mejor Dirección.
Un cruce de avenidas que es, a la vez, frontera entre la ciudad de Buenos Aires y su conurbano. Cada noche, miles de personas lo atraviesan volviendo del trabajo. Colectivos, semáforos, asfalto, hormigón, un cartel oxidado. Alguien que va a estudiar, otro que vende pan. Alumbrado público y propaganda electoral. Publicidad de celulares y hamburguesas. Basura y la señora que vende flores. El relato de una madre que perdió a su hijo en manos de la policía se enfrenta a la imagen de la normalidad. Su lucha y su voz dibujan los imaginarios mundos de Julio Verne, con los que fantaseaban juntos. La película es un proceso de excavación. O la disección del paisaje donde, hace quince años, el Estado desapareció a Luciano Arruga.
Quinto largometraje de Mazú Gonzalez, este documental experimental participó en más de veinte festivales en todo el mundo y fue premiado en muchos de ellos. Producido por Nacho Losada, quien junto a la directora y el editor Manuel Embalse forman parte de Antes Muerto Cine -colectivo con base en Buenos Aires, dedicado a la producción de cine documental y experimental-, llevó más de siete años en ser realizado. “Hacer películas en la Argentina contemporánea y ultraliberal implica enfrentar dificultades materiales muy específicas. Revaloriza la palabra “resistir” y fortalece el deseo de hacer películas que sacudan la realidad que nos rodea. Fue el trabajo colectivo de Antes Muerto Cine el que permitió sostener este proyecto durante siete años, avanzando en nuestros ratos libres y permitiéndole mutar con el contexto y las ideas con las que cada unx contribuía”, expresó Tatiana Mazú González.
Antes Muerto Cine produce films desde 2012, “Nos conocimos tomando la universidad pública, registrando imágenes y sonidos para sacudir y discutir la realidad que habitamos”, dice su presentación, y agregan “Nos gustan las películas que están vivas, las que se hacen con cuidado en la intimidad o en la calle, las que se inventan sacando conclusiones sobre la marcha, las que juegan. Porque creemos que las películas son también su modo de producción, entendemos la amistad como una política creativa”.
Imperdible oportunidad para ver una obra argentina que sacude desde lo cinematográfico, las estructuras de lo real.

A las 22 hs.: "PUNCH-DRUNK LOVE"


"Punch-Drunk Love"
Estados Unidos, 2002. 89'. Dir. Paul Thomas Anderson.

Festival de Cannes: Mejor dirección (Paul Thomas Anderson); 40 Festival de Gijón: Mejor actor (Adam Sandler), Mejor guión (Paul Thomas Anderson).
Barry Egan es un hombre solitario, reservado y emocionalmente inestable que lleva una vida rutinaria trabajando en un pequeño negocio de artículos para baño. Educado entre siete hermanas, la sobreprotección que recibió desde niño le impidió enamorarse. Un día, un encuentro fortuito con una mujer llamada Lena transforma por completo su existencia, y lo lleva a enfrentarse con sus miedos, a desafiar en forma caótica y explosiva, un sistema de abuso y a descubrir una forma extraña y hermosa de amor.
Estrenada en 2002, después de Magnolia (1999), la gran obra coral que consolidó a P.T. Anderson como uno de los creadores más importantes del nuevo cine estadounidense, Punch-Drunk Love plantea un giro radical en su estilo narrativo: pasa del drama expansivo y entrelazado, al retrato íntimo y contenido en un solo personaje catalizador del relato.
El tratamiento estético se articula entre encuadres amplios y desplazamientos sugerentes, una paleta de colores saturados -especialmente azules y rojos, que invitan a cierto extrañamiento-; y el uso entre tenso y romántico de música experimental de Jon Brion. Suma percusiones caóticas y sonidos industriales se suman a la banda sonora que ya empezaba a caracterizar fuertemente el estilo de Anderson, introduciéndonos climáticamente en el estado mental del protagonista.
Melodrama encantador o comedia romántica inadaptada, de rabia, ternura e inconformismo, desde el creativo punto de vista del director de Una Batalla Tras Otra. Gente desconectada tratando de encontrarse en un mundo antagónico, la vulnerabilidad masculina y la posibilidad de redención a través de otros, contados con precisión estética y caos emocional al mismo tiempo, lo que logra una obra tan excéntrica y divertida, como profundamente sensible.