Author - ozanarello

Subsecretaría de Cultura de AMR
Por el feriado del martes 24/3 se presenta la doble función el miércoles 25/3.
A las 20, un clásico imperdible de François Truffaut. A las 22, continúa la sección Culto Carpenter con otra de sus grandes realizaciones.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "LA HISTORIA DE ADELE H"


"La historia de Adele H"
Francia, 1975. 96'. Dir. François Truffaut.

Sindicato de Críticos de Cine Franceses: Mejor película; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actriz (Isabelle Adjani), Mejor guión (François Truffaut, Jean Gruault, Suzanne Schiffman); Asociación de Críticos Norteamericanos: Mejor actriz (Isabelle Adjani), Mejor película de habla no inglesa; Premios David di Donatello: Mejor actriz (Isabelle Adjani).
Una joven llamada Adèle Hugo llega a Halifax, Nueva Escocia, en plena guerra civil estadounidense. Es 1863 y bajo una identidad falsa planea recuperar el amor del apuesto oficial británico, el teniente Albert Pinson, de quien está perdidamente enamorada.
Lo que ella no sabe, o se niega a aceptar, es que su amor no es correspondido. Adèle Hugo, la segunda hija del célebre escritor francés Victor Hugo, se instala en una pensión y comienza una incansable cruzada para conquistar a Pinson. A pesar de los repetidos y claros rechazos ella persiste, alimentando su obsesión con fantasías e inventos que escribe en su diario personal.
Su enamoramiento se intensifica y la lleva a tomar decisiones desesperadas que la aíslan del mundo y la conducen por un peligroso camino de autodestrucción. Basada en los diarios de la propia Adele, retrata cómo ese amor obsesivo y no correspondido lleva a la locura.
Descrita por el propio Truffaut como una "composición musical para un solo instrumento", el film da cuenta de la fijación de la protagonista con el oficial a partir de movimientos de cámara precisos e inquietantes y enmarca a los personajes dentro de puertas o ventanas para acentuar la sensación de claustro emocional y aislamiento.
Contada desde el punto de vista de Adele, la presencia de Victor Hugo su célebre padre, no se da de manera explícita, pero sí constante. A través de cartas y de su voz en off, se representa el peso abrumador del legado familiar y la autoridad patriarcal de la que Adèle intenta escapar.
Parte fundacional de la Nouvelle Vague francesa, Truffaut en L'Histoire d'Adèle H se aleja del tono más autobiográfico y ligero de sus primeras películas y se sumerge en un drama histórico de gran intensidad psicológica, y elaborada composición cinematográfica. Clásico Imperdible.

A las 22 hs.: "EL PRÍNCIPE DE LAS TINIEBLAS"


"El príncipe de las tinieblas"
Estados Unidos, 1987. 110'. Dir. John Carpenter.

Festival de cine fantástico de Avoriaz: Premio de la crítica.
Los Ángeles, el padre Loomis (Donald Pleasence) es designado para investigar una iglesia abandonada tras la muerte de su sacerdote. En el sótano hay un misterioso cilindro que contiene un extraño líquido verde en constante movimiento y Loomis cree haber descubierto el lugar de descanso de Satán.
Preocupado pide ayuda al profesor de física cuántica Howard Birack (Victor Wong) y a un grupo de sus estudiantes para que investiguen, traten de comprender la naturaleza de aquello que la iglesia ha estado guardando durante siglos y se siga manteniendo encerrado al Príncipe de las Tinieblas.
El mal y las fuerzas siniestras se empiezan a manifestar de diversas maneras y los mantienen prisioneros en la iglesia. Pronto descubren que deben luchar no solo para sobrevivir sino para impedir la llegada del Mal al mundo.
Carpenter plantea la iglesia abandonada como un escenario opresivo y tétrico, donde todo es penumbra y sombras. La fotografía de Gary B. Kibbe contribuye a esa sensación de suciedad y realismo sucio que le da un aspecto casi documental en su primera mitad. En contraste con el exterior soleado y encandilador la iglesia es un infierno de luces parpadeantes y oscuridad.
Siempre con bajo presupuesto, tres millones esta vez, pero mucha creatividad y practicidad, “el mal" es abstracto y sencillo pero efectivo: un líquido verde y viscoso que se mueve con vida propia y posee a las personas. La banda sonora, también a cargo del director, es otro elemento técnico crucial que crea una base de tensión constante y profunda y amplifica la sensación de horror.
“Maestro del terror", el cine de Carpenter es un cine de atmósferas densas, personajes comunes enfrentados a lo sobrenatural y bandas sonoras electrónicas compuestas por él mismo que son un personaje más dentro de la trama.

Subsecretaría de Cultura de AMR
Para el próximo martes, la propuesta del Cine Club Rosario es seguir las pistas de dos grandes directores, Kleber Mendonça Filho y John Carpenter.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

Importante: la próxima función se realizará el miércoles 25/3, debido al feriado.

A las 20 hs.: "RETRATOS FANTASMAS"


"Retratos Fantasmas"
Brasil, 2023. 93'. Dir. Kleber Mendonça Filho.

Del director de El Agente Secreto y Aquarius. La película más personal de Kleber M. Filho es una juguetona declaración de amor al cine y a la ciudad natal, en este caso Recife en el norte brasileño, siempre protagonista en su filmografía.
Una exploración de los espacios que alguna vez fueron el corazón de la vida social y cultural de esa ciudad: sus antiguas salas de cine, y la mutación urbana por la gentrificación.
La película ‘rueda’ por el centro viejo con sus encantos y personajes, suma imágenes de archivo, fragmentos de películas señeras, recuerdos personales, en un recorrido desde las transformaciones del hogar familiar a la historia de los "palacios de cine" desde su época de esplendor en el siglo XX, cuando eran el principal medio de entretenimiento y espacios de convivencia de gente de todos los estratos sociales, hasta su transformación en iglesias evangélicas, estacionamientos, o farmacéuticas.
Retratos fantasmas es un viaje multidimensional a través del tiempo, el sonido, la arquitectura y el cine, dividido en tres partes bien diferenciadas que funcionan como círculos concéntricos de la memoria colectiva, la identidad de una ciudad y cómo el cine mismo fue testigo y constructor de realidades. Mendonça Filho nos invita a preguntarnos qué revela la desaparición de estos lugares sobre los cambios sociales y económicos de las últimas décadas.
La filmografía de este gran director brasileño crece y sorprende en cada título desde O Som Ao Redor, Aquarius con un protagónico inolvidable de Sonia Braga, Bacurau con Udo Kier que ya se proyectó en Cine Club, y El Agente Secreto que en estos días disputa Oscars con varias nominaciones. Siempre investigando él mismo o los protagonistas, combinando características de géneros del cine y filtrando las historias a través de su mirada prismática y plena de humor y ternura hacia sus personajes, su ciudad y los cines.

A las 22 hs.: "LA NIEBLA"


"La niebla"
Estados Unidos, 1980. 89'. Dir. John Carpenter.

El pequeño pueblo costero de Antonio Bay, en California, está por celebrar el centenario de su fundación. En la víspera del aniversario, la tripulación de un viejo barco, el Elizabeth Dane, que naufragó frente a la costa cien años atrás, aparece brutalmente asesinada y una extraña y brillante niebla comienza a adentrarse desde el mar, trayendo consigo una serie de sucesos paranormales y muertes violentas.
La locutora de radio local, Stevie Wayne, desde el faro donde transmite, comienza a alertar a la población sobre el peligro que se avecina. Un marinero, una joven mochilera y el sacerdote del pueblo descubren la oscura verdad detrás de la leyenda que dio origen al pueblo. Ahora, los espectros han vuelto para cobrar venganza.
Carpenter convierte un "cuento de miedo" clásico, en una una fábula macabra e inquietante con su particular estilo, ya desde su icónico prólogo, con el marino anciano (J. Houseman) narrando la leyenda a unos niños espantados, alrededor de una fogata en la costa.
Es el tipo de historia típica de terror, suspenso y fantástico de la editorial EComics que tanto inspiraron a Carpenter, como a George Romero, Stephen King o Spielberg. Claro que en las obras de Carpenter siempre flota además la nebulosa de los relatos de H.P. Lovecraft, aquí especialmente en la misteriosa atmósfera del puerto de Innsmouth; en donde la amenaza creciente se acentúa con el uso del formato panorámico y el espacio negativo, recursos narrativos eficaces en manos del director de tantas joyas del cine de terror como Halloween, Escape de N. York, The Thing, o la genial They Live! que ya se proyectó en Cine Club Rosario.
La banda sonora, a cargo del propio Carpenter, es otro elemento clave y siempre distintivo, marcando el ritmo de lo inevitable. Con sus característicos sintetizadores, crea una atmósfera de tensión y melancolía tan icónicas como la potencia visual y expresividad de sus efectos prácticos. Por eso volvemos a otro ‘estudio del miedo’ con historias de fantasmas y del mal supremo, en la "Sección Culto Carpenter".

Subsecretaría de Cultura de AMR
Este martes se proyectarán dos títulos que dialogan con la actualidad. A las 20, un film iraní sobre las mujeres que quieren escapar de la opresión. A las 22, un clásico con Dustin Hoffman, Jon Voight y una Nueva York decadente.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "EL CÍRCULO"


"El Círculo"
Irán, 2000. 90'. Dir. Jafar Panahi.

Festival de Venecia: León de Oro - Mejor película; Asociación de Críticos EEUU: Premio a la libertad de expresión; Gran premio FIPRESCI 2001: Mejor película del año.
Teherán, en un hospital una mujer da a luz a una niña y la bebé es recibida con decepción por la familia. A partir de ahí seguimos por las calles de Teherán a varias mujeres que acaban de salir de la prisión o que están huyendo de ella. Sin tener una protagonista única, el film entreteje las historias de diferentes mujeres que luchan contra las restrictivas leyes sociales y religiosas de la República Islámica de Irán.
El destino de la mujer que recién dio a luz y el de su hija están ya marcados. También el de las mujeres que salieron de prisión con un permiso temporal, que necesitan dinero para huir y esto las lleva a tomar decisiones desesperadas.
En su travesía se enfrentan con un sinfín de obstáculos cotidianos: no pueden viajar solas sin un permiso o la compañía de un familiar masculino, son acosadas en las calles, y viven con el miedo constante de ser detenidas por la policía por "delitos" como no llevar la vestimenta adecuada o simplemente por ser mujeres solas en el espacio público.
La película traza un círculo vicioso de opresión del que parece imposible escapar. Jafar Panahi retrata con una crudeza poética un día en la vida de las mujeres en la ciudad de Teherán y siguiendo la tradición del gran cineasta iraní, y su mentor, Abbas Kiarostami, no muestra todo. Nunca se nos dice explícitamente por qué estas mujeres estuvieron en prisión y los finales de cada historia quedan abiertos, invitando a la imaginación y la reflexión por parte del espectador.
La cámara en mano sigue nerviosamente a las mujeres por las estrechas calles de Teherán, los largos planos secuencia permiten que las actuaciones respiren y que la tensión se acumule en tiempo real, algunos transeúntes miran directamente a la cámara, lo que refuerza esta sensación de realidad capturada, casi como un falso documental.
La película se gestó durante un periodo de tensión entre los reformistas, liderados por el presidente Mohammad Khatami (elegido en 1997), y los sectores más conservadores del régimen. El Ministerio de Cultura y Guía Islámica de Irán negó el permiso de rodaje a Panahi durante nueve meses, acusando el guión de ofrecer una "perspectiva completamente oscura y humillante" de la mujer musulmana. Cuando finalmente cedió, Panahi, previendo la censura, realizó múltiples copias de la película y las escondió por todo el país. Una de ellas fue enviada de forma ilegal al Festival de Venecia donde ganó el León de Oro.

A las 22 hs.: "COWBOY DE MEDIANOCHE"


"Cowboy de Medianoche"
Estados Unidos, 1969. 113'. Dir. John Schlesinger.

Oscar: Mejor película, Mejor dirección (John Schlesinger); Mejor guion adaptado (Waldo Salt); Globos de Oro: Nueva promesa masculina (Jon Voight); BAFTA. Premios de la academia de cine británica: Mejor película, Mejor dirección (John Schlesinger), Mejor actor (Dustin Hoffman), Mejor guion original (Waldo Salt), Mejor montaje (Hugh A. Robertson), Premio Rising Star (Estrella emergente) (Jon Voight); Festival Internacional de Berlín: Premio OCIC; Sindicato de Guionistas: Mejor guion adaptado drama (Waldo Salt); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (Jon Voight); National Society of Film Critics: Mejor actor (Jon Voight); Premios David di Donatello: Mejor director extranjero (John Schlesinger), Mejor actor extranjero (Dustin Hoffman); Directors Guild of America: Mejor dirección / película (John Schlesinger).
Joe Buck, Jon Voight en uno de sus primeros papeles destacados, es un joven e ingenuo lavavajillas de Texas que sueña con tener éxito como cowboy de exhibición. Harto de su monótona vida decide viajar a Nueva York donde comienza a trabajar como gigoló seduciendo a mujeres maduras de Manhattan. Pronto descubre que ese mundo no es como él se imaginaba, pero antes conoce a Enrico "Ratso" Rizzo, un timador que lo quiere estafar.
La gran ciudad es cruel y despiadada, sus intentos de seducción fracasan estrepitosamente y comienza su deriva por las calles de Manhattan. Enrico "Ratso" Rizzo", interpretado por Dustin Hoffman, es un timador neoyorquino enfermo, cojo y desaliñado que vive al límite. Tras un fallido intento de estafar a Joe surge entre ellos una insólita y conmovedora amistad.
Unidos por la desesperación y la marginalidad, estos dos "perdedores" unen sus fuerzas para sobrevivir en la jungla de cemento. Comparten el sueño de escapar hacia destinos más soleados y tratan de cumplirlo.
A partir de una narrativa no lineal, con flashbacks y ensoñaciones, Schlesinger muestra fragmentos de la infancia y la juventud de Joe en Texas, revelando los traumas y recuerdos que forjaron su personalidad. Con secuencias oníricas y alucinatorias, refleja los deseos de Joe Ratso sobre la vida en la soleada Florida.
Ácida y descarnada desmitificación del sueño americano, presenta a Nueva York no como una tierra de oportunidades, sino como una ciudad insensible que devora a los inocentes y a los débiles. Con influencias del Free Cinema británico, tiene un estilo áspero y realista. La cámara en mano sigue a los personajes por las calles, sumergiendo al espectador en la sordidez y el bullicio de la ciudad, una Nueva York sórdida, sucia y marginal, muy alejada de las postales turísticas.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El próximo martes el cine club proyectará dos grandes títulos del cine contemporáneo. A las 20 un gran film de Herzog y a las 22 uno francés que ganó el premio a Mejor Director en Cannes.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "AGUIRRE LA IRA DE DIOS"


"Aguirre la ira de Dios"
Alemania del Oeste (RFA), 1972. 94'. Dir. Werner Herzog.

Mejor film extranjero: Sindicato de Críticos de Cine Franceses; Mejor fotografía (Thomas Mauch): Premios del cine Alemán y National Society of Film Critics.
Poco después de destruir el imperio Inca, en 1560, una expedición de colonizadores españoles liderada por Gonzalo Pizarro se adentra en la selva amazónica en busca de El Dorado, la mítica ciudad de oro. Cuando el avance se vuelve imposible, Pizarro envía un grupo por el río en precarias balsas. La delegación está comandada por el noble Pedro de Ursúa e integrada por Lope de Aguirre, un oficial violento y ambicioso, su joven hija, un representante de la corona de los que iban escriturando las tierras que robaban, un fraile, y una banda de soldados mercenarios agotados.
Habrá conspiración, ruptura de la recientemente mentada 'cadena de mando', motín y proclama de un nuevo imperio independiente de España. Lo que comienza como una misión de reconocimiento para ubicar la suma de la riqueza, se va transformando en una pesadilla, donde la selva, el hambre, las flechas misteriosas y la paranoia desatan la peor locura del ser humano.
Mientras Aguirre trama su sueño de grandeza cada vez más delirante, planea fundar una dinastía de raza pura y conquistar un continente, el resto de la expedición va cayendo víctima de la resistencia casi esotérica de las fuerzas amazónicas y de sus propias traiciones.
Movimientos de cámara envolventes, planos hipnóticos en medio de un ambiente natural desbordante entrelazados con la atmosférica música de Popol Vuh, más una soberbia actuación de Klaus Kinski. Herzog sumerge al espectador en la desesperación contenida y el encierro a cielo abierto del viaje en búsqueda del oro. El equipo de filmación tuvo que talar árboles para abrir camino, construir sus propias balsas y arriesgar las vidas en rodaje, replicando las dificultades de los propios conquistadores.
La realización en locaciones tan reales como peligrosas, entre montañas selváticas y rápidos imparables, efectos especiales en terreno simples y muy efectivos, otorgan a la película autenticidad y una sensación de peligro inminente, la auténtica odisea del colonialismo invasor en la selva más grande del mundo.
Herzog, uno de los máximos exponentes del Nuevo Cine Alemán aún en activo, se caracteriza por explorar personajes obsesivos que se enfrentan a fuerzas abrumadoras de la naturaleza y el poder, como ya vimos en The Fire Within: A Requiem for Katia and Maurice Krafft o la surreal The Wild Blue Yonder, films del genial director, que ya tuvo proyecciones en la pantalla de Cine Club Rosario.

A las 22 hs.: "L'HAINE"


"L'Haine" (El odio)
Francia, 1995. 95'. Dir. Mathieu Kassovitz.

Festival de Cannes: Mejor dirección (Mathieu Kassovitz); Premios César, Francia: Mejor película, Mejor montaje (Mathieu Kassovitz, Scott Stevenson).
En las banlieues, las suburbios periféricos de París, Vinz, un joven de carácter explosivo, Hubert, un boxeador que intenta mantener la cabeza fría y Saïd, un inmigrante desenfadado, vagan sin rumbo durante las 24 horas posteriores a una noche de disturbios. Los tres son testigos de un hecho en el que su amigo Abdel resulta herido por la policía y queda en estado de coma.
En medio del caos, Vinz encuentra una pistola perteneciente a un policía extraviada en los disturbios, ese arma actúa como detonante de la tensión del relato. Vinz envenenado de ira, jura que si Abdel muere, matará a un policía; Hubert intenta contener la situación advirtiendo: "el odio atrae al odio".
El film es un descenso a los abismos de la Francia profunda, donde el racismo congénito del antiguo imperio colonizador, convive, siempre bárbaro, con la indiferencia cómplice de la sociedad acomodada. La violencia latente amenaza con estallar en cualquier momento.
Mediante el uso del blanco y negro, decisión estética fundamental, Kassovitz busca igualar a los personajes y logra sumergirlos en un clima de oscuridad poética. A treinta años de su creación, el film ya parece la profecía europea autocumplida.
Pierre Aïm, a cargo de la fotografía, muestra la inmensidad, alienación y desolación de los bloques de viviendas con abrumadores planos generales y una cámara en mano que sigue a los personajes cuerpo a cuerpo, creando una sensación de inmediatez física casi documental.
Segundo largometraje de Kassovitz que lo catapultó, a sus 27 años, al reconocimiento internacional, ganando el premio al Mejor Director en el Festival de Cannes de 1995 y tres Premios César. L'Haine provocó un intenso debate sobre la violencia policial, la inmigración y la exclusión social en Francia, vigente en todo el viejo mundo.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El martes 24/2 el Cine Club propone dos films que dialogan entre si. A las 20, Danger: Diabolik, basada en un comic, de 1968. A las 22, Reflet dans un diamant mort, que juega con los ecos de Bava y la esencia del cine de género italiano.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "DANGER: DIABOLIK"


"Danger: Diabolik"
Italia, 1968. 99'. Dir. Mario Bava.

Basada en el cómic Diabolik de Angela y Luciana Giussani.
Diabolik, encarnado por John Phillip Law, es un enigmático y brillante ladrón enmascarado que vive con su bella y leal compañera, Eva Kant, Marisa Mell, en un refugio subterráneo que envidiaría Batman. Su objetivo es desafiar al sistema y apoderarse de fabulosos tesoros, sembrando el caos entre las autoridades de la ficticia república de Clerville. El incansable inspector Ginko, Michel Piccoli, sigue obsesivamente sus pasos para atraparlos.
Desde el ingenioso robo de un camión blindado, hasta el asalto a un castillo para robar un valioso collar de esmeraldas de la reina, el film sigue cada golpe del dúo audaz. Obviamente la mafia colabora con la policía y le tiende una trampa. Diabolik despliega todo su ingenio y arsenal de artilugios para rescatarla y continuar burlando a la ley en una dinámica serie de situaciones cada vez más espectaculares.
Rebosante de colores saturados al estilo Pop-Art de los años 60; hasta los gases colorean, el director Mario Bava, genial creador del Giallo italiano, construye una eficaz narrativa en constante movimiento, con persecuciones en autos Jaguar, helicópteros, anfibios, billetes y joyas volando, vestuarios ajustados y brillantes.
Intencionadamente episódica y paródica, la película encadena secuencias de acción y robos memorables en tono de comedia ligera y desenfadada, donde el villano se convierte en un héroe contracultural que se enfrenta a un Estado opresor y funcionarios patéticos. La original música de Ennio Morricone modula el relato con un tema principal de guitarra que es tan icónico como pegadizo a tono con el espíritu rebelde y moderno de la película.
Bava era un experto director de fotografía antes de ser director, lo que le otorgaba un manejo creativo y personal de la imagen en sus películas. Hoy es considerado uno de los maestros del cine de terror italiano y autor de culto por excelencia.
ESTA FUNCIÓN se complementa con la de las 22 h., Reflejos en un diamante muerto, brillante homenaje a la saga Diabolik 50 años después, reviviendo un pop explosivo.

A las 22 hs.: "REFLET DANS UN DIAMANT MORT"


"Reflet dans un diamant mort"
Bélgica. 2025. 87'. Dir. Hélène Cattet, Bruno Forzani.

Festival Internacional de Cinema de Catalunya - Sitges: Premio de la Crítica. BAFICI
John D. es un antiguo agente secreto jubilado que vive en un lujoso hotel de la Costa Azul. Lleva una existencia aparentemente tranquila aunque marcada por la nostalgia. La presencia de una atractiva vecina de habitación perturba su rutina, le recuerda los años dorados y salvajes de la Riviera en la década de 1960, época en la que él era un espía ladrón inmerso en un mundo de glamour, conspiración y peligro.
Cuando esta vecina desaparece repentina y misteriosamente John D. se involucra de lleno en los recovecos de su memoria, o de sus fantasías. Se pregunta si sus antiguos enemigos, liderados por la enigmática y letal enmascarada Serpentik, han regresado. Y vuelve a la acción.
Con Fabio Testi, actor emblemático del cine italiano de las décadas de 1960 y 1970, protagonista de spaghetti westerns, poliziotteschi y dramas de prestigio, en el rol protagónico; este film es un auténtico y exquisito collage, estructurado con quiebres narrativos que desafían la participación activa del espectador, y tributando al cine de género europeo de los años 60-70.
Hélène Cattet y Bruno Forzani, dúo de cineastas afincados en Bélgica de quienes ya proyectamos Laissez bronzer les cadavres!, vuelven con otra sofisticada obra, en la que afloran referencias a Muerte en Venecia de Luchino Visconti y por supuesto Danger: Diabolik de Mario Bava, pasando por la saga de James Bond y los gialli italianos, así como la fotografía de los giallos de Bava, Fulci y Argento. Todos datos cinéfilos que Cattet y Forzani aman y homenajean, con sus acostumbrados colores saturados y una elaborada imaginería pictórica que nos sumerge en cada bello encuadre a un tiempo y espacio que sólo el cine puede crear.

Subsecretaría de Cultura de AMR
Excepcionalmente, el Cine Club tendrá su doble función el próximo miércoles por el feriado del martes. Se proyectarán dos nuevos filmes, uno francés de un director más que talentoso, y otro británico, que es el gran debut de su director.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "EL ACCIDENTE DE PIANO"


"El Accidente de Piano"
Francia, 2025. 88'. Dir. Quentin Dupieux.

La nueva obra del original Dupieux con Adèle Exarchopoulos.
Magalie es una famosa y millonaria influencer. Un grave accidente ocurrido durante el rodaje de uno de sus impactantes vídeos la dejó convaleciente y con un brazo enyesado. Para recuperarse se muda a un chalet en los Alpes nevados acompañada de su leal asistente personal, Patrick. Allí su descanso se ve perturbado por la llegada de un fan obsesivo y una periodista que descubre su paradero. La periodista posee información comprometedora sobre ella y está dispuesta a chantajearla para obtener una reveladora entrevista única.
Magalie Moreau no es una influencer común y corriente. Padece una fantástica insensibilidad congénita al dolor que le ha permitido grabarse en situaciones extremas, lo que redundó en fama mundial y fortuna. En el refugio montañés su carácter se vuelve más errático y se le hace cada vez más difícil lidiar con Patrick, su casi esclavo corporativo, y con la presión de Herzog, la periodista que quiere destapar la verdad de la persistencia de la influencer.
Comedia negrísima y sátira feroz sobre la cultura de las redes sociales, la búsqueda del like a cualquier precio y la bajeza moral del mundillo de famosos virtuales. El director Quentin Dupieux, también a cargo de la fotografía, el montaje y la música bajo el seudónimo Mr. Oizo, logra que el entorno del chalet y las montañas nevadas se vuelvan un claustro en la montaña, clave para crear la sensación de aislamiento.
En una especie de broma macabra, el autor no moraliza y coloca un espejo cinematográfico frente a la cultura del ‘morbo’ digital: con una persona que se machaca para entretener y espectadores que 'consumen' esa destrucción sin empatía alguna. Destacadísima actuación de A. Exarchopoulos encarnando un personaje fuera de sus tipos habituales, en otra imperdible y 'trascendentalista' obra del genial y prolífico Dupieux.

A las 22 hs.: "PILLION"


"Pillion"
Reino Unido, 2025. 106'. Dir. Harry Lighton.

Festival de Cannes: Un Certain Regard: Mejor guión (Harry Lighton); Semana de Cine de Valladolid: Mejor actor (Harry Melling); en festivales británicos: Mejor guión adaptado ; Mejor película británica independiente, Mejor guionista debutante (Harry Lighton), Mejor vestuario, Mejor maquillaje y peluquería.
Colin, Harry Melling el Dudley de Harry Potter aquí en impresionante fisic du rol, es extremadamente tímido. Con casi treinta años aún vive con sus muy amorosos padres en un suburbio londinense. Es agente de control de estacionamiento y en su tiempo libre canta en un grupo a capella con su padre y otros vecinos. Una noche durante una de sus actuaciones, un atractivo y enigmático motociclista llamado Ray, Alexander Skarsgård, le pasa una nota de cita. Esa misma noche, en un callejón, Colin se somete por primera vez a las órdenes de Ray.
Lo que comienza como un encuentro casual se convierte en una curiosa relación de dominación y sumisión (BDSM). Colin se incorpora así a la vida de Ray con las estrictas normas que obedece sin preguntar y adopta la estética de la banda de motoqueros de la que es parte Ray. Colin acepta su rol de sumiso aunque comienza a reclamar gestos de afecto convencional que, por algún pasado doliente, Ray se niega a conceder.
Pillion, título de la película, hace referencia al asiento trasero de la moto, donde se sienta el pasajero. Una metáfora perfecta de la posición de Collin en la relación: secundario, pero acompañando en movimiento y abrazado al conductor.
Basado en el libro Box Hill de Adam-Mars Jones, Lighton compone una comedia ‘kinky’, romántica y pícara, con un humor muy británico y al borde del absurdo. A. Skarsgård, cómodo en su novedoso rol, bautizó el género como "dom-com" (dominant-comedy).
La autenticidad de la película no es casualidad por diversos motivos: desde la investigación en terreno motoquero gay, a la delicada y contundente intimidad, hasta el tono fresco y naturalista de las escenas callejeras, que consuman un gran debut del director inglés.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El 10 será otro martes con un 'doblete' filoso y divertido, sobre el delirio y la corrupción intrínseca del poder imperial, con dos films de gran vigencia, sarcásticos, irónicos, con sorprendentes puestas en escena y actuaciones memorables.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "JUEGO DE PODER"


"Juego de Poder"
Estados Unidos, 2007. 97'. Dir. Mike Nichols.

Premios y nominaciones varias a mejor actor de reparto: Philip Seymour Hoffman.
Un congresista estadounidense frívolo y mujeriego, una lobbista de la 'alta sociedad' y un irritante agente de la CIA unen sus, podríamos decir habilidades e influencias para llevar a cabo una de las operaciones encubiertas más increíblemente efectivas y controvertidas de la historia: financiar a los muyahidines afganos contra la invasión soviética.
A principios de los ochenta, el senador norteamericano brillantemente interpretado por Tom Hanks, es convencido por una de las mujeres más ricas y anticomunistas de Texas, elegante manipuladora interpretada por Julia Roberts, para aprovechar la oportunidad histórica de apoyar a los rebeldes afganos, consiguiendo fondos y armas para expulsar a los soviéticos de Afganistán. Un apasionado agente de la CIA, Philip Seymour Hoffman en una actuación memorable, colabora para llevar a cabo la mayor operación secreta de la historia.
Basada en hechos reales narrados por el periodista de la CBS George Crile en su libro homónimo y estrenada en diciembre de 2007, en plenas guerras de Irak y Afganistán, cuenta el origen de esa intervención estadounidense con los guerrilleros afganos, que formarían los grupos mercenarios de Al Qaeda y el ejército talibán.
Entre el brillo y el glamour superficial de Washington D.C., la influyente élite conservadora de Texas, fiestas de recaudación y lobby, trajes elegantes, cócteles, oficinas lujosas y la crudeza y el realismo de los campamentos de refugiados afganos en las zonas de guerra, este film es un drama histórico revirado, con un tono marcadamente cómico y satírico. Sus diálogos ágiles e ingeniosos, lleno de remates hilarantes, detectan el estilo del reconocido Aaron Sorkin, su guionista en las sombras.
El director Mike Nichols, que debutó con ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966) y se llevó un Oscar a mejor dirección por El Graduado (1967), logra aquí un thriller político, haciendo equilibrio perfecto entre el humor irreverente y momentos de genuina tensión y gravedad.

A las 22 hs.: "DR. STRANGELOVE, OR HOW I LEARNED TO STOP WORRYING AND LOVE THE BOMB"


"Dr. Strangelove, or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb" (Dr. Insólito o: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba)
Reino Unido, 1964. 93'. Dir. Stanley Kubrick.

Premios BAFTA de la academia de cine británica: Mejor película, Mejor film británico, Mejor dirección artística (Blanco & Negro) (Ken Adam); Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guion comedia (Stanley Kubrick, Peter George , Terry Southern); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor dirección (Stanley Kubrick); Premios Hugo: Mejor presentación dramática.
El enloquecido general estadounidense Jack D. Ripper ordena un ataque nuclear preventivo e irreversible contra la Unión Soviética, convencido de que los comunistas están envenenando "la pureza y la esencia de nuestros fluidos naturales", y se pone en marcha la maquinaria militar de bombardeo. El presidente de los EE.UU. llama a Moscú para convencer al gobierno soviético de que el ataque no es más que un estúpido error.
Mientras tanto, un antiguo científico nazi asesor clave del presidente, el doctor Strangelove, confirma la necesidad de ataque despiadado por la supuesta existencia de la "Máquina del Juicio Final", un sistema de represalia soviético capaz de acabar con la humanidad para siempre. Otros asesores y un capitán de bombarderos británico intentan por todos los medios frenar la catástrofe, mientras avanzan los mecanismos de la destrucción mutua asegurada.
En una carrera contra el tiempo burocrática, política y militar, donde la lógica, la razón y la diplomacia chocan con la locura, la paranoia y la maquinaria de guerra automatizada, Kubrick ridiculiza y se burla de los militares, del gobierno y de la estrategia nuclear con su concentrada creatividad, en momentos de alta tensión en medio de la Guerra Fría.
Basada libremente en la novela thriller "Alerta Roja" de Peter George, durante su investigación Kubrick, notó que las escenas eran tan absurdas que sólo podían abordarse mediante una sátira y así lo hizo. Junto a Terry Southern, maestro de la contracultura, reescribieron el guión para darle el tono cómico y surrealista que volvieron al film un éxito de crítica y público. Una obra maestra indeleble, cuyo perdurable legado definió el tono de la sátira política en cine.
Cada vez que se ve, el film brinda sorpresas y demuestra su potente vigencia. La carrera armamentista por tener más 'elementos de disuasión nuclear' continuó hasta hoy amenazando con destruir todo signo de vida en el planeta azul; evidentemente, mucho no ha disuadido.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El Cine Club Rosario propone otro martes imperdible con dos grandes filmes de la historia del cine moderno, un Thriller apasionante y el divertidísimo ‘rockumentary’ de Rob Reiner.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "PLEIN SOLEIL"


"Plein Soleil" (A pleno Sol)
Francia, 1960. 115'. Dir. René Clément.

Uno de los mejores thriller del cine francés, con Alain Delon y Rommy Schneider.
Es la primera adaptación de la novela El talento de Mr. Ripley (1955) de Patricia Highsmith y por lo tanto la aparición cinematográfica del personaje de Tom Ripley. Luego vendrían El amigo americano de Wim Wenders y El talentoso Mr. Ripley de Anthony Minghella y series de gran impacto. El prolífico director Renè Clément (Los Malditos, La batalla del riel, Los Felinos, Arde París?, El pasajero de la lluvia, entre otros títulos) se tomó libertades significativas con la novela creando una obra que la propia Highsmith admiró por su singularidad.
Tom Ripley, un joven de origen modesto, es enviado a Italia por el acaudalado señor Greenleaf para buscar a su hijo Philip, un playboy mimado, y regresarlo a Estados Unidos. A cambio le pagará 5.000 dólares. Bajo el sol de la costa italiana la envidia y la fascinación se apoderan del amoral Tom, que tramará el crimen perfecto.
Interpretado por un joven Alain Delon, que hace su lanzamiento internacional con este film, Tom se instala en el lujoso y ocioso mundo de Philippe y su novia, Marge, en el mediterráneo. Pronto ese deseo de apropiarse de una vida que no es la suya comienza a corroer a Tom. También en este film señero, la hermosa cantante Marie Laforet debutaba en cine encarnando a Marge.
En este entorno de belleza exuberante comienza un peligroso juego de identidad y traición. En A Pleno Sol no hay sombras donde esconderse, la luz, pantalones blancos inmaculados y azules profundos en mar y cielo, forman parte de un uso del color vibrante y sensual. Elementos de contraste en un relato lleno de tensiones interiores y una puesta en escena sofocante, entre movimientos de cámara suaves y elegantes.

A las 22 hs.: "THIS IS SPINAL TAP!"


"This is Spinal Tap!"
Estados Unidos, 1984. 82'. Dir. Rob Reiner.

Innovador “mockumental”. Comedia de culto que redefinió un género.
⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠El mismísimo Rob Reiner, interpretando al director Marty DiBergi, documenta la gira norteamericana de la legendaria, y ficticia, banda de heavy metal británica Spinal Tap, con la esperanza de capturar la "magia" del rock and roll. A medida que la gira avanza se revela la profunda incompetencia, vanidad y desconexión de la realidad de los integrantes de la banda.
Desde problemas con el merchandising, hasta discutir la profundidad artística de una canción sobre sexo, la película cuenta, en tono documental, con entrevistas en primer plano y cámaras que parecen capturar momentos espontáneos, cómo una banda que una vez llenó estadios lucha por mantener su relevancia mientras su mundo se reduce literal y metafóricamente.
Inspirada en un sketch de 1979 del programa The TV Show, es la ópera prima de Reiner, quien fue parte del primer equipo de Saturday Night Live y luego se metería en la historia del cine con Cuando Harry conoció a Sally y grandes obras como Misery. Spinal Tap es un falso documental o "Mockumentary" donde todo está diseñado para parecer completamente real y bizarro, una cámara que se enfoca mal, sonido que se satura, planos mal encuadrados, los errores técnicos también son parte del humor congénito de la película.
Sátira definitiva de la industria musical, los clichés y personajes estereotipados, el manager inútil, la novia que separa la banda, refuerzan el tono ácido y verosímil, muchos músicos reconocieron dolorosamente sus propias experiencias contadas en el film.
Rob Reiner popularizó así el falso documental y perfeccionó el formato. Creó nuevas reglas del género, planteó la posibilidad de una mirada seria sobre un tema absurdo, la improvisación basada en personajes y el realismo técnico. Su influencia es notable en sitcoms como The Office o Modern Family, y así comenzaba su carrera este director que a su vez mucho había aprendido de su padre Carl y su compinche Mel Brooks.

En la primera función del año, un film que jamás podrá ser apreciado en toda sus potencias en un formato casero. Es cine hecho para el cine. Una historia en los años '30 en Mississippi, centro del esclavismo norteamericano y origen también de tanta música, mitos y relatos. 
ATENCIÓN: durante enero y febrero habrá funciones quincenales.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): 20 hs.

"PECADORES"

"Pecadores" (Sinners)

Estados Unidos, 2025. 137'. Dir. Ryan Coogler.

Asoc.de Críticos de Boston: Mejor película, Mejor dirección (Ryan Coogler), Mejor fotografía (Autumn Durald), Mejor banda sonora original (Ludwig Göransson); Globos de Oro (2026): Mejor banda sonora original (Ludwig Göransson), Logro en taquilla; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor fotografía (Autumn Durald); Asoc. de Críticos Norteamericanos: Mejor guión original (Ryan Coogler), Mejor fotografía (Autumn Durald); Critics Choice Awards: Mejor intérprete joven (Miles Caton), Mejor reparto, Mejor guión original (Ryan Coogler), Mejor banda sonora (Ludwig Göransson); Gotham Independent Film Awards: Mejor interpretación de reparto (Wunmi Mosaku); Asoc. de Críticos de Los Ángeles (LAFCA): Mejor diseño de producción (Hannah Beachler).
Hay varios motivos para ver esta gran película en la primera función del año, en la sala. Porque jamás podrá ser apreciada en toda sus potencias en un formato casero. Es cine hecho para el cine. Y con la profusión estética y temática característica de los directores afroamericanos, que no amarretean recursos, no le temen a los excesos artísticos -los prefieren a los 'excesos' racistas de los supremacistas blancos-. Aquí Coogler en su nueva producción industrial -aunque con mucha independencia y potestad aceptada por Warner- juega con todo, partiendo de una historia en los años '30 en Mississippi, centro del esclavismo norteamericano y origen también de tanta música, mitos y relatos.
Se dice, o se escucha más bien, que por esa región nació el blues, y en este film la música vuelve a servir de argamasa para un cúmulo de fuertes derivas narrativas, con ritmos y melodías cambiantes. Dos hermanos gemelos, Smoke y Stack, interpretados por Michael B. Jordan, regresan a su pueblo natal para hacer su propia vida montando un club de blues, con lo que ganaron trabajando para la mafia en Chicago. Compran un depósito y arman lo que los negros sureños llamaban juke joint: un buen lugar con bar, música, baile y placeres nocturnos. Y en la noche de apertura ocurre todo eso y mucho más, y como se trata de película no podían faltar vampiros, y donde hay estos seres de la noche, algo de sangre fluye además de whisky.
El sueño de los hermanos de usar su dinero para tener un lugar donde divertirse tranquilamente con su familia y amigos toma rumbos tan fantásticos como ligados a la historia real. En la Mississippi de 1932, entre plantaciones de algodón y blancos del Ku Klux Klan, una fiesta de sábado a la noche con música de negros y danzas de diversos tiempos, alcohol y sexo claro, se convierte en una micro guerra -ya que estamos en tema con el nuevo año–.
Con una fotografía brillante y premiada, destaca también el rico mix de su banda sonora, el complejo y efectivo diseño de producción y las impecables actuaciones de Michael B. Jordan, Hailee Steinfeld, Wunmi Mosaku y Buddy Guy. Ryan Coogler, el director, también guionista, se mueve en distintos géneros, roles y formatos con comodidad; desde Fruitvale Station a Pantera Negra, dirigiendo o produciendo la saga Creed, el guión de Space Jam Nueva Era, entre sus títulos anteriores que foguearon evidentemente su expertise cinematográfica.
Atención: mejor quedarse hasta el final de los créditos que hay sorpresa…