Author - ozanarello

Subsecretaría de Cultura de AMR

Este martes 16 a las 20, pasión, adulterio y las consecuencias trágicas de un romance filmado en blanco y negro. A las 22, nueva película la SECCIÓN NOCHES QUEER; es la última, recién estrenada, de Ethan Coen.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "TABÚ"

"Tabú"
Portugal, 2012. 118'. Dir. Miguel Gomes

Festival Internacional de Berlín: FIPRESCI - Premio Internacional de la Crítica, Premio Alfred Bauer; Sindicato de Críticos de Cine Franceses: Mejor film extranjero.
Una anciana temperamental, su criada de Cabo Verde y una vecina entregada a causas sociales son las protagonistas de esta historia que toma otro rumbo tras la muerte de la anciana.
Dividida en dos partes bien marcadas, la primera se ambienta en la Lisboa contemporánea y sigue la historia de estas tres mujeres. Pilar (Teresa Madruga), una activista solitaria, Aurora (Laura Soveral), una anciana excéntrica y supersticiosa y Santa (Isabel Cardoso), la empleada doméstica de Aurora.
Aurora está en las últimas etapas de su vida, y en el intento de ayudarla y acompañarla, Pilar descubre un misterioso capítulo del pasado de Aurora.
Un flashback al África colonial, donde se revela el romance prohibido entre la joven Aurora (Ana Moreira) y Gian Luca Ventura (Carloto Cotta) ocupa la segunda parte del film.
Pasión, adulterio y las consecuencias trágicas de su relación son parte de esta historia de amor, crimen y aventuras.
Miguel Gomes compone una estructura narrativa poco convencional en la que combina su especial naturalismo burlón, el romance y el drama histórico que sigue horadando el pasado colonialista de Portugal. Filmada en blanco y negro, sus dos partes se diferencian en el uso del sonido, la primera con sonido diegético, que reproduce lo que vemos en escena y la segunda parte, sin diálogos sincronizados, con una narración en off que guía la historia y nos remite a los modos de narrar propios del cine mudo. Una atmósfera nostálgica y onírica envuelve a este film audaz y bello.

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A las 22 hs.: "DRIVE-AWAY DOLLS"

"Drive-Away Dolls" (Dos chicas a la fuga)
Estados Unidos, 2024. 84'. Dir. Ethan Coen.

Road movie centrada en la historia de Jamie y Marian, dos amigas que emprenden un viaje inesperado y lleno de aventuras. Jamie, tras una ruptura dolorosa, decide acompañar a su amiga Marian en un viaje que cambiará sus vidas de maneras que no podían prever.
Aquí Ethan Coen, que nos tiene acostumbrados a la genial dupla que hace con su hermano Joel, dirige en solitario este film fiel a su estilo, lleno de personajes inusuales y situaciones cómicas y peligrosas. Jamie y Marian recorren bares y encuentran, entre otros obstáculos, una cabeza cortada en una sombrerera, una exnovia amargada, un maletín misterioso y un senador malvado.
La identidad y la amistad en el contexto de un viaje físico y emocional conforman la trama de esta película que explora la naturaleza impredecible de las relaciones humanas.
Con un equilibrio perfecto entre humor negro y drama, propio de Coen, y con diálogos ingeniosos y una narrativa intrigante, es una suma genial al catálogo de este prolífico director.
Matt Damon y Pedro Pascal interpretando personajes secundarios pero imprescindibles y desopilantes, suman estelaridad, y claro, el viraje lésbico en la trama trae nuevos vientos.

Subsecretaría de Cultura de AMR

La función del próximo martes 9 de julio -por el feriado- se traslada al VIERNES 12/7. A las 20 se podrá ver una joya del cine de todos los tiempos. A las 22, un atractivo estreno en la nueva sección NOCHES QUEER.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "RIVER OF NO RETURN"

"River of No Return"
Estados Unidos, 1954. 91'. Dir. Otto Preminger.

Joya del cine con Marilyn Monroe y Robert Mitchum.
En la frontera noroeste de Estados Unidos, Matt Calder (Robert Mitchum), un ex convicto, se reencuentra con su joven hijo Mark en una cabaña aislada junto al río. Mientras intentan reconstruir sus vidas, se encuentran con Kay Weston (Marilyn Monroe), una cantante de salón que viaja con su prometido, Harry Weston.
Harry abandona a Kay y roba el caballo y el rifle de Matt, lo que obliga a los tres a bajar por un peligroso río en una balsa improvisada. Los esperan numerosos desafíos naturales y humanos en el camino.
Rodada en escenarios como el Parque Nacional Banff y en el Parque Nacional Jasper en Canadá, tiene un telón de fondo visualmente impresionante y auténtico. La cinematografía en Technicolor de Joseph LaShelle captura la majestuosidad y dureza del paisaje natural. La versatilidad y habilidad de Otto Preminger destila una obra de género con una combinación original de realismo crudo y romance.
La supervivencia, la redención y la lucha por el perdón y la confianza están presentes en este film. La química entre Mitchum, sólido y cuidadoso de sus amores, y Monroe en un papel que combina sensibilidad y determinación, añade una capa adicional de tensión y romance a la narrativa. El río, espacio protagónico, representa tanto el tránsito peligroso como la posibilidad de un nuevo comienzo.
Considerada un clásico del western de la década de 1950 y un ejemplo del cine de aventuras de la época, con el toque melodramático especial de Preminger entre la acción y el drama. La interpretación de la balada melancólica "River of No Return" por parte de Marilyn, se ha convertido en uno de los elementos más memorables del film, y la universalidad de los temas que aborda hacen que esta película sea una experiencia cinematográfica emocionalmente resonante y perdurable en la historia del cine.

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A las 22 hs.: "LOVE LIES BLEEDING"

"Love Lies Bleeding"
Reino Unido, 2024. 104'. Dir. Rose Glass.

Se abre la Sección NOCHES QUEER con este impactante estreno. Los martes de julio a las 22 h. estarán atravesados por esta temática, en obras de diversos géneros y autores (Rose Glass, Ethan Coen, William Friedkin).
Love Lies Bleedin, “Sólo hay que contraatacar”…
Thriller romántico, película fronteriza en varios sentidos, que va centrándose en la relación entre dos mujeres y se torna violentísimo al quedar ambas enredadas con una red criminal. Kristen Stewart, Katy O’Brian, un inolvidable personaje de Ed Harris y Dave Franco forman un intenso elenco comprometido en tornar creíble y vibrante una serie de situaciones que bordean casi todo el tiempo el delirio.
Una encargada de gimnasio, interpretada por Kristen Stewart, se ve atrapada en una relación intensa y posesiva con el entrenador, Dave Franco. La búsqueda de perfección física y la dinámica de poder y control que surge en su relación arman la trama de superficie de esta película, que no para de girar en direcciones inesperadas, pues por debajo fluyen las esencias del cine noir cuestionando los límites del amor y la ambición. Aunque con algunos matices particulares, no sólo porque la historia de amor central sea entre mujeres, sino por poner a la violencia de género en el centro de la acción, dar toques gore y fantásticos también.
Rose Glass, que ya demostró su talento para el horror psicológico y la construcción de atmósferas inquietantes en Saint Maud, trae su sello distintivo a Love Lies Bleeding, combinando elementos de drama psicológico y thriller erótico.
Kristen Stewart interpreta otro de sus personajes complejos y emocionalmente cargados, para transmitir la obsesión por alejarse de una situación agobiante, de una familia de terror con su vulnerabilidad a cuestas. La fisicoculturista de Katy O’Brian no sólo sorprende, supera su límite físico y amoroso, hasta donde sea.
Love Lies Bleeding es una exploración profunda y perturbadora de la psicología humana en contextos violentos, con una puesta en escena desprejuiciada y visualmente impactante.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Este martes hay un doble programa dedicado a Robert Eggers. A las 20, terror psicológico con las brillantes actuaciones de Willem Dafoe y Robert Pattinson. A las 22, primer genial largometraje del director. Terror y leyendas con Anna Taylor Joy en su primer protagónico.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "THE LIGHTHOUSE"

"The Lighthouse" (El Faro)
Estados Unidos, 2019. 110'. Dir. Robert Eggers.

Cannes: ganadora premio FIPRESCI (Quincena de realizadores); Independent Spirit Awards: Mejor actor secundario (Willem Dafoe), Mejor fotografía (Jarin Blaschke); Satellite Awards (International Press Academy): Mejor actor de reparto (Willem Dafoe).
1890, en una remota y misteriosa isla de Nueva Inglaterra el veterano Thomas Wake (Willem Dafoe) y su joven ayudante Ephraim Winslow (Robert Pattinson) deberán convivir durante cuatro semanas manteniendo el faro en buenas condiciones hasta que llegue el relevo que les permite volver a tierra.
El aislamiento, las duras condiciones de trabajo y la creciente hostilidad entre ellos los empuja hasta los límites de la locura. Fillmada en blanco y negro y en un formato de aspecto casi cuadrado (1.19:1) para reforzar la sensación de claustrofobia y encierro, el film nos remite a las películas expresionistas alemanas, de largas sombras en magníficos escenarios fantasmagóricos. La banda sonora y los efectos de sonido juegan un papel crucial en la elaboración del ambiente inhóspito y tormentoso de la isla.
Eggers, conocido por su minuciosa atención al detalle histórico y su capacidad para crear atmósferas inquietantes, dirige maravillosamente a Dafoe y Pattinson en esta película de terror psicológico que indaga sobre el aislamiento, la locura, el poder y la naturaleza destructiva de la obsesión.
Llena de simbolismo y referencias mitológicas griegas y del folklore marítimo, combina elementos del terror y el drama psicológico. The Lighthouse desafía al espectador con su profundidad y original estilo visual y sonoro, y consolida al director como uno de los más innovadores del cine contemporáneo. Luego de haber dirigido The Northman, se anuncia el pronto estreno de la nueva obra de Eggers: Nosferatu.

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A las 22 hs.: "THE WITCH"

"The Witch" (La Bruja)
Estados Unidos, 2015. 92'. Dir. Robert Eggers.

Sundance: Mejor dirección - Drama (Robert Eggers); Independent Spirit Awards: Mejor guión novel, Mejor ópera prima; Gotham Independent Film Awards: Mejor intérprete revelación (Anya Taylor-Joy); Asociación de Críticos de Chicago: Mejor dirección novel (Robert Eggers); Asociación de Críticos de Boston: Mejor dirección novel (Robert Eggers).
Una familia de colonos puritanos es expulsada de su comunidad y se establece en el borde de un bosque remoto. Comienzan a experimentar eventos extraños y perturbadores que sugieren la presencia de una bruja lo que cambia su vida para siempre.
En su debut como director, Eggers muestra una notable destreza para crear atmósferas de tensión y miedo constante. Visualmente impresionante, con una cinematografía que captura la belleza y la hostilidad del entorno natural, la utilización del lenguaje, la vestimenta y las costumbres de la época aumentan la sensación de autenticidad de la historia.
Anya Taylor-Joy, se destaca en su primer papel protagónico, como Thomasin, la hija mayor que se convierte en el foco de la paranoia y la desconfianza de su familia. El elenco infantil, especialmente Harvey Scrimshaw como Caleb, aportan actuaciones destacadas que contribuyen a la sensación de terror fantasmático.
La religión, el pecado, la culpa y la paranoia son la excusa para sumergirnos en la psique puritana y su moralidad destructiva. El folclore y las supersticiones son actores indispensables en esta historia en la que la bruja representa tanto un peligro real como una manifestación de los temores internos de los personajes.
Original y fiel al tiempo que narra, sus paisajes sombríos y la iluminación naturalista enrolan al film en el sugerente estilo del Folk Horror. Sus geniales actuaciones y su atmósfera intrigante la convierten en una obra maestra del género de terror que nos propone una reflexión sobre la naturaleza del miedo y la superstición.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Este martes a las 20, Alcón dirigido por Favio en una de las obras más destacadas del cine argentino. A las 22 h., continúa el ciclo Animé Para Adultos, con uno de los mejores filmes de la historia japonesa.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "NAZARENO CRUZ Y EL LOBO"

"Nazareno Cruz y el Lobo"
Argentina, 1975. 92'. Dir. Leonardo Favio.

Una de las más destacadas obras del cine argentino de todos los tiempos y una de las mejores películas de terror.
Nazareno Cruz es el séptimo hijo varón y según la leyenda está destinado a convertirse en un lobizón -el hombre lobo de las pampas- durante la luna llena. El joven campesino ha vivido siempre alegre, sin problemas, hasta que se enamora de una joven del pueblo. Al Diablo (un Alcón inolvidable) no le parece buena idea que el hombre lobo ande en amoríos.
Basada en la obra de teatro "El romance del lobizón" de Juan Carlos Chiappe y dirigida por el inclasificable Favio, es una mezcla de drama, fantasía y folclore argentino. La historia sigue la lucha interna y externa de Nazareno cuando se enamora de Griselda, una joven hermosa y “pura”. Cruz debe enfrentar su destino mientras trata de escapar de la maldición que lo obliga a vagar como lobizón durante las noches de plenilunio. Claro, el problema es que siendo lobo, Nazareno no puede evitar degustar ovejas y algún que otro pastor.
Con el estilo poético y emotivo característico de Favio, el film tiene elementos de cierto realismo mágico y logra capturar la esencia de las leyendas y los mitos argentinos, con lechiguanas y todo. La banda sonora es un actor indispensable en la creación de la atmósfera mágica y melancólica que caracteriza a este clásico.
Con Marina Magalí, Juan José Camero, Lautaro Murúa y un protagónico excepcional de Alfredo Alcón, Nazareno Cruz y el lobo es un film trascendental en la historia cinematográfica argentina y una experiencia artística inolvidable, digna de disfrute en Sala.

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A las 22 hs.: "SWORD OF THE STRANGER"

"Sword of the Stranger" (El samurái sin nombre)
Japón, 2007. 102'. Dir. Masahiro Andô.

2008 Nominación Best Animated Feature Film - Asia Pacific Screen Award; 2008 Preselección para representar a Japón en los Premios Óscar.
Un niño y su perro en constante huida, un espadachín sin nombre, un misterioso demonio blanco venido desde el continente. Extranjeros arriban a Japón siguiendo una profecía que exige un sacrificio para cumplirse. La recompensa: inmortalidad.
El Chanbara o cine de samuráis es un sub-género dentro del cine de época nipón (o jidaigeki) cuyos antecedentes pueden rastrearse hasta el cine mudo con por ejemplo Jiraya the hero (1921) de Makino Shozo. La llamada edad de oro del género iniciaría con la imprescindible Rashomon (1950) de Kurosawa, adaptación de 3 cuentos del mítico Ryūnosuke Akutagawa. Por supuesto también de Kurosawa: Los siete Samuráis (1954), Barbarroja (1965), Trono de sangre (1957), La fortaleza escondida (1958), Yojimbo (1961), Sanjuro (1962), Kagemusha (1980), Ran (1985). Dentro de esta etapa el director Hiroshi Inagaki adaptaría en 3 películas la historia de Musashi Miyamoto, a quien daría vida el gran Toshiro Mifume en la trilogía Samurai. Otro gran personaje cinematográfico haría su debut en el año 1962, hablamos de Zatoichi en El cuento de Zatoichi con dirección de Kenji Misumi, saga que alcanzó hasta 25 secuelas. La lista podría continuar largamente.
El cine de samuráis entra en constante diálogo con el western, y Sword of the Stranger es un fragmento de esa conversación. Siguiendo la tradición de ambos géneros se sabe tributaria de esa historia.
Título original: Stranger: Mukou Hadan
Dirección: Andou Masahiro
Guion: Takayama Fumihiko
Diseño de personajes: Saitou Tsunenori
Dirección de Animación: Itou Yoshiyuki y Saitou Tsunenori
Animación: BONES
Música: Satou Naoki.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Este martes a las 20 podremos ver la Mejor Película europea del Festival Cannes 2022 y a las 22, otro gran filme de la sección Animé para Adultos.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "UN BEAU MATIN"

"Un beau matin" (Una bonita mañana)
Francia, 2022. 112'. Dir. Mia Hansen-Løve.

Festival de Cannes: Mejor película europea.
La nueva película de la directora de El padre de mis hijos y El porvenir la confirma como una de las mejores realizadoras del cine francés actual. Aquí Sandra (Lea Seydoux) debe equilibrar su vida personal y profesional mientras enfrenta desafíos familiares. Tiene una hija de ocho años y vive con su padre, un antiguo profesor de filosofía que sufre de una enfermedad que exige cuidados constantes.
En medio del caos, mientras lucha por conseguir un hogar de ancianos decente para su padre, se reencuentra con Clément, un antiguo amor que revive sentimientos y recuerdos que pensaba olvidados.
La directora Mia Hansen-Løve dirige esta obra intimista que sigue su tradición de explorar las complejidades de las relaciones humanas con sensibilidad y profundidad, a través de una narrativa auténtica y cercana sobre cómo las personas se enfrentan y adaptan a los cambios inevitables de la vida. Capaz de exponer los conflictos de sus personajes con claridad y rigor, sin por ello resignar la emoción, que llega siempre de manera paulatina y sutil..
El amor, la pérdida, el arco vital y la resiliencia son los temas de este film que resalta la belleza de lo cotidiano en el especial marco que brindan los escenarios parisinos
Gran directora de actrices y actores, Hansen-Løve, excelente montajista también, saca lo mejor de su extraordinario elenco y de la luz general de la película que a pesar de sus zonas críticas, nunca deja de ser diáfana.

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A las 22 hs.: "MIND GAME"

"Mind Game"
Japón, 2004. 103'. Dir. Yuasa Masaaki.

GANADORA Ofuji Noburo Award - Mainichi Film Concours
Un mangaka de Osaka intenta seducir a su viejo amor de secundario a través de un recorrido que lo llevará desde la Tierra al más allá para luego caer dentro del estómago de una bestia marítima gigante donde lo aguarda un viejo náufrago que espera encontrar quizás alguna salida de esa extraña prisión. Típica historia de amor.
Debut en la dirección del prolífico animador Masaaki Yuasa con esta comedia surrealista. En esta adaptación del manga de Robin Nishi, Yuasa se apropia del material para hacer con él una auténtica obra visualmente experimental, intercalando fragmentos con la técnica rotoscópica (empleo de material fílmico o fotográfico como base de la animación), uso del digital para los fondos en el que se deslizan los personajes, y animación tradicional en su forma más libre y desenfrenada.
Los personajes de Yuasa se presentan casi como bocetos para expandirse en la pantalla, deformarse con cada movimiento cuales caricaturas, estallar o fundirse en apasionados encuentros hasta transformarse en líquido multicolor. La estética de este director y animador es tan particular que toda su puesta apunta a construir una obra autoral.
Idea original: Robin Nishi.
Dirección y guión: Yuasa Masaaki.
Dirección de Animación y diseño de personajes: Sueyoshi Yuuichirou.
Animación: Studio 4C.
Música: Yamamoto Seiichi.
Producción Musical: Watanabe Shin'ichirō.

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Este martes nuevamente habrá doble función. A las 20, un film sobre Isabel de Austria, la emperatriz Sissi. En la segunda función se verá otra película de la sección Animé para adultos.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "CORSAGE"

"Corsage" (La Emperatriz rebelde)
Austria, 2022. 114'. Dir. Marie Kreutzer.

Festival de Cannes: Un Certain Regard: Mejor interpretación (Vicky Krieps); BFI London Film Festival: Mejor película; Premios del Cine Europeo EFA: Mejor actriz (Vicky Krieps).
Isabel de Austria, más conocida como Sissi, era una mujer bella de espíritu libre. Figura histórica fascinante, su vida estuvo marcada por la presión de las expectativas imperiales y una profunda tristeza personal.
La directora austríaca Marie Kreutzer, elogiada por su enfoque innovador y su capacidad para humanizar a una figura icónica, en Corsage sigue a la emperatriz, Isabel de Austria, (excepcional Vicky Krieps) y la presenta no solo como una monarca, sino también como una mujer que lucha contra las restricciones y expectativas impuestas sobre ella. Veleidosa, egocéntrica, ciclotímica, Elisabeth es también –en el film de Kreuzer- inteligente y moderna, alienada y confundida al punto de que sus ataques de rebeldía van dirigidos más contra sí misma que contra su irrespirable entorno, que la ciñe más que cualquier corsé..
Con una notable atención al detalle, un estilo visual que mezcla lo histórico con toques contemporáneos y un deslumbrante diseño de producción, el film se centra en la búsqueda de autonomía de Isabel. Sin derecho a expresarse y obligada a mantenerse siempre joven y bella mediante estrictas dietas y la medición diaria de su cintura, lucha por encontrar un sentido de propósito e identidad personal en medio de un entorno rígido y opresivo.
Pese a ser un film de época, Corsage no luce como tal, porque no pretende ser una película histórica sino contemporánea, que habla a los espectadores de hoy. No hay una mirada condescendiente sobre el pasado; la directora y su actriz no buscan tampoco complots ni villanos en la corte de Fernando José ni en la familia de Isabel de Baviera. Son más bien personajes prisioneros de sus juegos de roles, de los que no saben ni quieren salir, al punto de que Corsage elige para su heroína una dramática, espectacular salida que no se corresponde con los libros de historia.

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A las 22 hs.: "REDLINE"

"Redline"
Japón, 2009. 98'. Dir. Koike Takeshi.

Newport Beach Film Festival: GANADORA Outstanding Achievement in Feature Filmmaking; Locarno International Film Festival: Nominada Variety Piazza Grande Award.
Mientras que la tecnología permite ya pasear por toda la galaxia desafiando tiempo y espacio, aún existen dementes que saben que la emoción producida por ruedas raspando la tierra y motores ensordecedores es irremplazable. REDLINE es el nombre de la carrera intergaláctica más ilegal, peligrosa y por ello más codiciada por estos fierreros cósmicos.
Auténtico film de autor, podríamos decir el niño de tinta de Koike. Basado en una idea original del director japonés Ishii Katshuhito (Party 7, Trava: first planet, El sabor del té, Funky forest) es una producción que llevó unos largos 7 años y cuya puesta es irrepetible.
Redline es intencionalmente abrumadora, y la búsqueda parece ser someter al cuerpo al mismo nivel de híper-estimulación que se puede experimentar moviéndonos dentro de un vehículo a una velocidad imposible. Los objetos en Redline, se deforman, mutan, estallan porque se intenta llegar a ese punto, a esa línea en la representación del movimiento en la cual ya siquiera la animación puede alcanzar. Los personajes tensan los músculos, aprietan los dientes y toman con fuerza el volante mientras a su alrededor el caos multicolor y borroso es el paisaje habitual de este paseo.
Si el cine es imagen en movimiento, Redline es cine a la quinta potencia. Quinta a fondo.
Idea original: Ishii Katsuhito
Dirección: Koike Takeshi
Guion: Enokido Youji, Ishii Katsuhito, Sakurai Yoshiki
Diseño de personajes: Koike Takeshi
Música: James Shimoji y Free as a Bird
Dirección de Animación: Koike Takeshi
Animación: Madhouse.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Este martes a las 20, inicia con un imperdible film de Wes Anderson. Luego, a las 22, vuelve la sección Animé Para Adultos con una de las mejores películas del cine de ciencia ficción japonés.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "THE LIFE AQUATIC WITH STEVE ZISSOU"

"The Life Aquatic with Steve Zissou" (Vida acuática)
Estados Unidos, 2004. 118'. Dir. Wes Anderson.

Festival de Berlín: Nominada al Oso de Oro, mejor película.
El famoso oceanógrafo y documentalista Steve Zissou, interpretado por el genial Bill Murray, tiene un plan para vengar la muerte de su colega y amigo, Esteban du Plantier (Seymour Cassel) causada por un mítico tiburón blanco. Recluta un equipo de excéntricos exploradores marinos, que incluye a su esposa (Anjelica Huston), a una periodista (Cate Blanchett) y a un joven que podría ser su hijo (Owen Wilson), más Willem Dafoe y Jeff Goldblum, se embarcan en esta misión para vengarse del monstruo de las profundidades.
Extravagante y lleno de colores contrastantes, como es su estilo post-pop, el film dirigido por Wes Anderson, es una comedia aparentemente ingenua, de atmósfera mágica y especial. Aunque difícil de clasificar, combina con acierto y descaro escenas dramáticas con otras de humor totalmente absurdo y escenarios irreales, hasta con seres marinos imaginados. A la vez, la paternidad, la amistad, la obsesión, el envejecimiento y la búsqueda de significado en la vida son parte de este relato en el que la misión de Zissou y su tripulación se convierte en un viaje de autodescubrimiento y redención.
Mención aparte merece la banda musical, con momentos sinfónicos, canciones de David Bowie versionadas por el brasileño Seu Jorge en la cubierta de la mismísima nave, hasta canciones míticas como "The way I feel inside" de "The Zombies".
Al ver la película es inevitable pensar en el grandioso explorador e investigador marino, Jacques Cousteau, al final se puede ver una frase en su honor y al equipo de su legendario barco, el "Calypso".
Con un estilo visual único, de estética simétrica, paleta de colores vibrantes, sets detalladamente diseñados, humor excéntrico y una profunda exploración de los personajes y sus relaciones, es una obra esencial para los fanáticos de Wes Anderson y del cine independiente, quien consigue una de esas películas que dejan sedimento y que, misteriosamente, se disfrutan más conforme pasan los días y la recordamos.

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A las 22 hs.: "MEMORIES"

"Memories"
Japón, 1995. 113'. Dir. Katsuhiro Ōtomo, Kōji Morimoto, Tensai Okamura.

Clásico del cine de ANIME. Una de las mejores películas del cine de ciencia ficción japonés.
Dirigida por tres de los más destacados creadores del anime, Katsuhiro Ōtomo, Kōji Morimoto y Tensai Okamura, este film es una antología de películas animadas de ciencia ficción que consta de tres cortometrajes distintos, cada uno con su propio estilo y enfoque, basados en tres historias gráficas cortas del maestro Ôtomo, creador de Akira.
Memories explora una variedad de temas, desde la ciencia ficción y el horror psicológico hasta la sátira y la crítica social. Cada episodio ofrece una perspectiva diferente sobre la interacción humana con la tecnología y la guerra.
La magnífica "Magnetic Rose" conocida por su detallado diseño de escenarios y personajes, "Stink Bomb" tiene un estilo más caricaturesco y exagerado, mientras que "Cannon Fodder" se caracteriza por su estilo visual inspirado en los trabajos de propaganda y una particular estética de ilustración en movimiento.
La colaboración entre algunos de los nombres más influyentes de esta industria hacen que sea una película imperdible para los fanáticos del animé y de la ciencia ficción. Tres historias únicas que destacan por su animación de alta calidad, narrativas intrigantes y exploración de temas profundos.
La Sección Animé para Adultos continúa el martes 11/6 con la vibrante REDLINE de Takeshi Koike.

Este martes se podrá ver una obra maestra del reconocido director Béla Tarr (Hungría).

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): 20 hs.

"WERCKMEISTER HARMÓNIÁK" (Armonías de Werckmeister)

Hungria, 2000. 139'. Dir.: Béla Tarr, Ágnes Hranitzky.

Un extraño espectáculo ambulante llega a un pequeño pueblo de la Hungría rural y promete exhibir a la ballena más grande del mundo. Una figura misteriosa e imprevisible, a la que llaman "el Príncipe" despierta gran curiosidad en la población.
János Valuska (Lars Rudolf), un joven idealista que trabaja como cartero y cuida de su tío anciano es el protagonista de la historia, -junto a la brillante reaparición de Hanna Schygulla-. La llegada de este circo desencadena una serie de eventos acumulativos que llevan a la locura colectiva y la desintegración social del pueblo, desatándose un proceso de limpieza étnica y violencia desbocada.
Con un estilo visual innovador de largos planos secuencia en deslumbrante blanco y negro, profundidad temática y capaz de evocar emociones y reflexiones profundas, el film es considerado una obra maestra del cine de autor por toda la crítica cinematográfica mundial, junto a Sátántangó la obra cumbre de Béla Tarr. Armonías… es una fascinante mirada hacia los confines más profundos del alma humana y la vida social desde una dispositivo cinematográfico depuradísimo y original.
La ciudad es presa de la agitación, las pandillas deambulan por las calles y muchas señales vaticinan la inminente catástrofe. Béla Tarr exhibe un micromundo eclipsado, que evoluciona desde el misterio a la ruina y melancolía. Contrasta y destaca en ese paisaje decadente la figura poética de Valuska, que aboga tenazmente por una utopía tenaz: mantener la fe en la creación librando la batalla contra las fuerzas de la oscuridad.

Subsecretaría de Cultura de AMR

En la primera función del próximo martes se verá un documental de Herzog que homenajea la vida extrema de una pareja de vulcanólogos. A las 22, una obra fundamental para amantes del cine de terror psicológico, del controvertido Polanski.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "THE FIRE WITHIN: A REQUIEM FOR KATIA AND MAURICE KRAFFT"

"The Fire Within: A Requiem for Katia and Maurice Krafft"
Estados Unidos, 2022. 84'. Dir. Werner Herzog.

Festival de Gijón: Premio del público.
Documental dirigido por Werner Herzog, el film es un homenaje a Katia y Maurice Krafft, un matrimonio de fotógrafos y vulcanólogos que se dedicaron a documentar volcanes alrededor del mundo.
“Los Krafft” se convirtieron en leyenda por su valentía y dedicación al capturar imágenes fascinantes de volcanes en erupción, enfrentando condiciones extremadamente peligrosas. Su trabajo los llevó a viajar por todo el mundo, desde Hawai hasta las montañas de Kamchatka en Rusia.
En The Fire Within, Herzog explora la vida y el legado de esta pareja, a partir de imágenes de archivo, entrevistas y reconstrucciones para contar su historia. La película no solo celebra su pasión por la ciencia y la fotografía, sino que también reflexiona sobre la relación entre el hombre, la naturaleza y los límites del riesgo y la aventura.
Herzog, cineasta visionario y provocativo, reconocido por su estilo propio, su enfoque en paisajes extremos, personajes excéntricos y por explorar temas existenciales y filosóficos, nos presenta en este documental una obra conmovedora y visualmente impresionante que rinde tributo a dos individuos extraordinarios que perdieron sus vidas mientras perseguían su pasión. Pero que antes lograron ”arrancarle estas imágenes al mismo demonio de sus garras”.

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A las 22 hs.: "REPULSION"

"Repulsion"
Reino Unido, 1965. 105'. Dir. Roman Polanski.

Festival Internacional de Berlín: Oso de Plata - Premio Extraordinario del Jurado; FIPRESCI - Premio Internacional de la Crítica.
Carol, interpretada por Catherine Deneuve, comienza a experimentar una serie de perturbaciones mentales mientras se queda sola en su departamento en Londres. A medida que su salud mental se deteriora, comienza a tener alucinaciones y delirios que la llevan en un espiral descendente hacia la paranoia y la violencia.
Obra maestra del cine de terror psicológico es una de las primeras películas destacadas del controvertido Polanski, ganador de un Oscar al Mejor Director por El pianista. El film tiene una atmósfera inquietante, un estilo visual distintivo y explora la alienación y la locura con los recursos esenciales del cine.
Con una impresionante actuación de Deneuve en el papel principal, el director de origen polaco que también dirigió la clásicas El bebé de Rosemary (1968) y Chinatown (1974), utiliza aquí la claustrofobia del entorno urbano y el aislamiento de la protagonista para crear un clima de inquietud constante que crece a lo largo de la película.
Repulsion es una película intensa y perturbadora que dejó una marca duradera en el cine de terror y ha influido en numerosos directores y películas del género. Es una obra fundamental para cualquier amante del cine, especialmente del terror psicológico.

Este martes a las 20 se proyecta un film del maestro Marco Bellocchio. A sus 84 años el director italiano nos cuenta una trágica historia, basada en hechos reales.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): 20 hs.

"EL RAPTO"

Italia. 2023. 134'. Dir. Marco Bellocchio.

Semana de Cine de Valladolid: Mejor guion (Marco Bellocchio, Susanna Nicchiarelli); Premios David di Donatello: Mejor guion adaptado (Marco Bellocchio, Susanna Nicchiarelli), Mejor vestuario, Mejor maquillaje, Mejor diseño de producción/escenografía, Mejor peluquería (Alberta Giuliani).
Bolonia, 1858. Italia es un conjunto de ciudades estado Pontificias. La Iglesia católica marca territorio frente a la inminente unificación de Italia con el rapto de un niño judío.
El director, que hace casi 60 años dirigió Las manos en los bolsillos, narra en este film, presentado en Cannes, un hecho real de mediados del XIX cuando la Iglesia católica decidió secuestrar, “de forma legal” a un niño judío.
A sus 84 años, el maestro Marco Bellocchio traza el periplo trágico e irracional de un niño que no entiende por qué lo separan de su madre en un episodio de claro antisemitismo y muestra los usos y abusos del poder institucional.
Fotográficamente lúgubre y con una historia tremebunda, no es la primera vez que encuadra un relato en un rapto. En Exterior noche, un film para televisión realizado en 2021, da cuenta del secuestro y asesinato por parte del grupo terrorista Brigadas Rojas, del presidente de la Democracia Cristiana, Aldo Moro. Su muerte, en palabras del director, truncó lo que iba a ser el mayor experimento político que habría podido existir en una Europa dividida en dos bloques.
“La Iglesia católica y el terrorismo de las Brigadas Rojas comparten el mismo fanatismo de los principios absolutos. Se actúa hasta el mismo asesinato en un caso y otro en nombre de una idea irrefutable, de un dios. No se mata o se secuestra a una persona, se mata o secuestra una idea. El mecanismo es el mismo”, dice Bellocchio.