Cultura

Subsecretaría de Cultura de AMR

Este martes nuevamente habrá doble función. A las 20, un film sobre Isabel de Austria, la emperatriz Sissi. En la segunda función se verá otra película de la sección Animé para adultos.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "CORSAGE"

"Corsage" (La Emperatriz rebelde)
Austria, 2022. 114'. Dir. Marie Kreutzer.

Festival de Cannes: Un Certain Regard: Mejor interpretación (Vicky Krieps); BFI London Film Festival: Mejor película; Premios del Cine Europeo EFA: Mejor actriz (Vicky Krieps).
Isabel de Austria, más conocida como Sissi, era una mujer bella de espíritu libre. Figura histórica fascinante, su vida estuvo marcada por la presión de las expectativas imperiales y una profunda tristeza personal.
La directora austríaca Marie Kreutzer, elogiada por su enfoque innovador y su capacidad para humanizar a una figura icónica, en Corsage sigue a la emperatriz, Isabel de Austria, (excepcional Vicky Krieps) y la presenta no solo como una monarca, sino también como una mujer que lucha contra las restricciones y expectativas impuestas sobre ella. Veleidosa, egocéntrica, ciclotímica, Elisabeth es también –en el film de Kreuzer- inteligente y moderna, alienada y confundida al punto de que sus ataques de rebeldía van dirigidos más contra sí misma que contra su irrespirable entorno, que la ciñe más que cualquier corsé..
Con una notable atención al detalle, un estilo visual que mezcla lo histórico con toques contemporáneos y un deslumbrante diseño de producción, el film se centra en la búsqueda de autonomía de Isabel. Sin derecho a expresarse y obligada a mantenerse siempre joven y bella mediante estrictas dietas y la medición diaria de su cintura, lucha por encontrar un sentido de propósito e identidad personal en medio de un entorno rígido y opresivo.
Pese a ser un film de época, Corsage no luce como tal, porque no pretende ser una película histórica sino contemporánea, que habla a los espectadores de hoy. No hay una mirada condescendiente sobre el pasado; la directora y su actriz no buscan tampoco complots ni villanos en la corte de Fernando José ni en la familia de Isabel de Baviera. Son más bien personajes prisioneros de sus juegos de roles, de los que no saben ni quieren salir, al punto de que Corsage elige para su heroína una dramática, espectacular salida que no se corresponde con los libros de historia.

A las 22 hs.: "REDLINE"

"Redline"
Japón, 2009. 98'. Dir. Koike Takeshi.

Newport Beach Film Festival: GANADORA Outstanding Achievement in Feature Filmmaking; Locarno International Film Festival: Nominada Variety Piazza Grande Award.
Mientras que la tecnología permite ya pasear por toda la galaxia desafiando tiempo y espacio, aún existen dementes que saben que la emoción producida por ruedas raspando la tierra y motores ensordecedores es irremplazable. REDLINE es el nombre de la carrera intergaláctica más ilegal, peligrosa y por ello más codiciada por estos fierreros cósmicos.
Auténtico film de autor, podríamos decir el niño de tinta de Koike. Basado en una idea original del director japonés Ishii Katshuhito (Party 7, Trava: first planet, El sabor del té, Funky forest) es una producción que llevó unos largos 7 años y cuya puesta es irrepetible.
Redline es intencionalmente abrumadora, y la búsqueda parece ser someter al cuerpo al mismo nivel de híper-estimulación que se puede experimentar moviéndonos dentro de un vehículo a una velocidad imposible. Los objetos en Redline, se deforman, mutan, estallan porque se intenta llegar a ese punto, a esa línea en la representación del movimiento en la cual ya siquiera la animación puede alcanzar. Los personajes tensan los músculos, aprietan los dientes y toman con fuerza el volante mientras a su alrededor el caos multicolor y borroso es el paisaje habitual de este paseo.
Si el cine es imagen en movimiento, Redline es cine a la quinta potencia. Quinta a fondo.
Idea original: Ishii Katsuhito
Dirección: Koike Takeshi
Guion: Enokido Youji, Ishii Katsuhito, Sakurai Yoshiki
Diseño de personajes: Koike Takeshi
Música: James Shimoji y Free as a Bird
Dirección de Animación: Koike Takeshi
Animación: Madhouse.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Este martes a las 20, inicia con un imperdible film de Wes Anderson. Luego, a las 22, vuelve la sección Animé Para Adultos con una de las mejores películas del cine de ciencia ficción japonés.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "THE LIFE AQUATIC WITH STEVE ZISSOU"

"The Life Aquatic with Steve Zissou" (Vida acuática)
Estados Unidos, 2004. 118'. Dir. Wes Anderson.

Festival de Berlín: Nominada al Oso de Oro, mejor película.
El famoso oceanógrafo y documentalista Steve Zissou, interpretado por el genial Bill Murray, tiene un plan para vengar la muerte de su colega y amigo, Esteban du Plantier (Seymour Cassel) causada por un mítico tiburón blanco. Recluta un equipo de excéntricos exploradores marinos, que incluye a su esposa (Anjelica Huston), a una periodista (Cate Blanchett) y a un joven que podría ser su hijo (Owen Wilson), más Willem Dafoe y Jeff Goldblum, se embarcan en esta misión para vengarse del monstruo de las profundidades.
Extravagante y lleno de colores contrastantes, como es su estilo post-pop, el film dirigido por Wes Anderson, es una comedia aparentemente ingenua, de atmósfera mágica y especial. Aunque difícil de clasificar, combina con acierto y descaro escenas dramáticas con otras de humor totalmente absurdo y escenarios irreales, hasta con seres marinos imaginados. A la vez, la paternidad, la amistad, la obsesión, el envejecimiento y la búsqueda de significado en la vida son parte de este relato en el que la misión de Zissou y su tripulación se convierte en un viaje de autodescubrimiento y redención.
Mención aparte merece la banda musical, con momentos sinfónicos, canciones de David Bowie versionadas por el brasileño Seu Jorge en la cubierta de la mismísima nave, hasta canciones míticas como "The way I feel inside" de "The Zombies".
Al ver la película es inevitable pensar en el grandioso explorador e investigador marino, Jacques Cousteau, al final se puede ver una frase en su honor y al equipo de su legendario barco, el "Calypso".
Con un estilo visual único, de estética simétrica, paleta de colores vibrantes, sets detalladamente diseñados, humor excéntrico y una profunda exploración de los personajes y sus relaciones, es una obra esencial para los fanáticos de Wes Anderson y del cine independiente, quien consigue una de esas películas que dejan sedimento y que, misteriosamente, se disfrutan más conforme pasan los días y la recordamos.

A las 22 hs.: "MEMORIES"

"Memories"
Japón, 1995. 113'. Dir. Katsuhiro Ōtomo, Kōji Morimoto, Tensai Okamura.

Clásico del cine de ANIME. Una de las mejores películas del cine de ciencia ficción japonés.
Dirigida por tres de los más destacados creadores del anime, Katsuhiro Ōtomo, Kōji Morimoto y Tensai Okamura, este film es una antología de películas animadas de ciencia ficción que consta de tres cortometrajes distintos, cada uno con su propio estilo y enfoque, basados en tres historias gráficas cortas del maestro Ôtomo, creador de Akira.
Memories explora una variedad de temas, desde la ciencia ficción y el horror psicológico hasta la sátira y la crítica social. Cada episodio ofrece una perspectiva diferente sobre la interacción humana con la tecnología y la guerra.
La magnífica "Magnetic Rose" conocida por su detallado diseño de escenarios y personajes, "Stink Bomb" tiene un estilo más caricaturesco y exagerado, mientras que "Cannon Fodder" se caracteriza por su estilo visual inspirado en los trabajos de propaganda y una particular estética de ilustración en movimiento.
La colaboración entre algunos de los nombres más influyentes de esta industria hacen que sea una película imperdible para los fanáticos del animé y de la ciencia ficción. Tres historias únicas que destacan por su animación de alta calidad, narrativas intrigantes y exploración de temas profundos.
La Sección Animé para Adultos continúa el martes 11/6 con la vibrante REDLINE de Takeshi Koike.

Este martes se podrá ver una obra maestra del reconocido director Béla Tarr (Hungría).

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): 20 hs.

"WERCKMEISTER HARMÓNIÁK" (Armonías de Werckmeister)

Hungria, 2000. 139'. Dir.: Béla Tarr, Ágnes Hranitzky.

Un extraño espectáculo ambulante llega a un pequeño pueblo de la Hungría rural y promete exhibir a la ballena más grande del mundo. Una figura misteriosa e imprevisible, a la que llaman "el Príncipe" despierta gran curiosidad en la población.
János Valuska (Lars Rudolf), un joven idealista que trabaja como cartero y cuida de su tío anciano es el protagonista de la historia, -junto a la brillante reaparición de Hanna Schygulla-. La llegada de este circo desencadena una serie de eventos acumulativos que llevan a la locura colectiva y la desintegración social del pueblo, desatándose un proceso de limpieza étnica y violencia desbocada.
Con un estilo visual innovador de largos planos secuencia en deslumbrante blanco y negro, profundidad temática y capaz de evocar emociones y reflexiones profundas, el film es considerado una obra maestra del cine de autor por toda la crítica cinematográfica mundial, junto a Sátántangó la obra cumbre de Béla Tarr. Armonías… es una fascinante mirada hacia los confines más profundos del alma humana y la vida social desde una dispositivo cinematográfico depuradísimo y original.
La ciudad es presa de la agitación, las pandillas deambulan por las calles y muchas señales vaticinan la inminente catástrofe. Béla Tarr exhibe un micromundo eclipsado, que evoluciona desde el misterio a la ruina y melancolía. Contrasta y destaca en ese paisaje decadente la figura poética de Valuska, que aboga tenazmente por una utopía tenaz: mantener la fe en la creación librando la batalla contra las fuerzas de la oscuridad.

Subsecretaría de Cultura de AMR

En la primera función del próximo martes se verá un documental de Herzog que homenajea la vida extrema de una pareja de vulcanólogos. A las 22, una obra fundamental para amantes del cine de terror psicológico, del controvertido Polanski.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "THE FIRE WITHIN: A REQUIEM FOR KATIA AND MAURICE KRAFFT"

"The Fire Within: A Requiem for Katia and Maurice Krafft"
Estados Unidos, 2022. 84'. Dir. Werner Herzog.

Festival de Gijón: Premio del público.
Documental dirigido por Werner Herzog, el film es un homenaje a Katia y Maurice Krafft, un matrimonio de fotógrafos y vulcanólogos que se dedicaron a documentar volcanes alrededor del mundo.
“Los Krafft” se convirtieron en leyenda por su valentía y dedicación al capturar imágenes fascinantes de volcanes en erupción, enfrentando condiciones extremadamente peligrosas. Su trabajo los llevó a viajar por todo el mundo, desde Hawai hasta las montañas de Kamchatka en Rusia.
En The Fire Within, Herzog explora la vida y el legado de esta pareja, a partir de imágenes de archivo, entrevistas y reconstrucciones para contar su historia. La película no solo celebra su pasión por la ciencia y la fotografía, sino que también reflexiona sobre la relación entre el hombre, la naturaleza y los límites del riesgo y la aventura.
Herzog, cineasta visionario y provocativo, reconocido por su estilo propio, su enfoque en paisajes extremos, personajes excéntricos y por explorar temas existenciales y filosóficos, nos presenta en este documental una obra conmovedora y visualmente impresionante que rinde tributo a dos individuos extraordinarios que perdieron sus vidas mientras perseguían su pasión. Pero que antes lograron ”arrancarle estas imágenes al mismo demonio de sus garras”.

A las 22 hs.: "REPULSION"

"Repulsion"
Reino Unido, 1965. 105'. Dir. Roman Polanski.

Festival Internacional de Berlín: Oso de Plata - Premio Extraordinario del Jurado; FIPRESCI - Premio Internacional de la Crítica.
Carol, interpretada por Catherine Deneuve, comienza a experimentar una serie de perturbaciones mentales mientras se queda sola en su departamento en Londres. A medida que su salud mental se deteriora, comienza a tener alucinaciones y delirios que la llevan en un espiral descendente hacia la paranoia y la violencia.
Obra maestra del cine de terror psicológico es una de las primeras películas destacadas del controvertido Polanski, ganador de un Oscar al Mejor Director por El pianista. El film tiene una atmósfera inquietante, un estilo visual distintivo y explora la alienación y la locura con los recursos esenciales del cine.
Con una impresionante actuación de Deneuve en el papel principal, el director de origen polaco que también dirigió la clásicas El bebé de Rosemary (1968) y Chinatown (1974), utiliza aquí la claustrofobia del entorno urbano y el aislamiento de la protagonista para crear un clima de inquietud constante que crece a lo largo de la película.
Repulsion es una película intensa y perturbadora que dejó una marca duradera en el cine de terror y ha influido en numerosos directores y películas del género. Es una obra fundamental para cualquier amante del cine, especialmente del terror psicológico.

Este martes a las 20 se proyecta un film del maestro Marco Bellocchio. A sus 84 años el director italiano nos cuenta una trágica historia, basada en hechos reales.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): 20 hs.

"EL RAPTO"

Italia. 2023. 134'. Dir. Marco Bellocchio.

Semana de Cine de Valladolid: Mejor guion (Marco Bellocchio, Susanna Nicchiarelli); Premios David di Donatello: Mejor guion adaptado (Marco Bellocchio, Susanna Nicchiarelli), Mejor vestuario, Mejor maquillaje, Mejor diseño de producción/escenografía, Mejor peluquería (Alberta Giuliani).
Bolonia, 1858. Italia es un conjunto de ciudades estado Pontificias. La Iglesia católica marca territorio frente a la inminente unificación de Italia con el rapto de un niño judío.
El director, que hace casi 60 años dirigió Las manos en los bolsillos, narra en este film, presentado en Cannes, un hecho real de mediados del XIX cuando la Iglesia católica decidió secuestrar, “de forma legal” a un niño judío.
A sus 84 años, el maestro Marco Bellocchio traza el periplo trágico e irracional de un niño que no entiende por qué lo separan de su madre en un episodio de claro antisemitismo y muestra los usos y abusos del poder institucional.
Fotográficamente lúgubre y con una historia tremebunda, no es la primera vez que encuadra un relato en un rapto. En Exterior noche, un film para televisión realizado en 2021, da cuenta del secuestro y asesinato por parte del grupo terrorista Brigadas Rojas, del presidente de la Democracia Cristiana, Aldo Moro. Su muerte, en palabras del director, truncó lo que iba a ser el mayor experimento político que habría podido existir en una Europa dividida en dos bloques.
“La Iglesia católica y el terrorismo de las Brigadas Rojas comparten el mismo fanatismo de los principios absolutos. Se actúa hasta el mismo asesinato en un caso y otro en nombre de una idea irrefutable, de un dios. No se mata o se secuestra a una persona, se mata o secuestra una idea. El mecanismo es el mismo”, dice Bellocchio.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Este martes será de función doble, dedicada a James Whale. A las 20, vida y muerte del director del clásico Frankenstein y a las 22 una de sus grandes creaciones.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "DIOSES Y MONSTRUOS"

"Dioses y Monstruos"
Estados Unidos, 1998. 105'. Dir. Bill Condon.

Oscar: Mejor guión adaptado (Bill Condon); Globos de Oro: Mejor actriz de reparto (Lynn Redgrave); Festival San Sebastián: Premio Especial del Jurado, Concha de Plata - Mejor actor (Ian McKellen); Independent Spirit Awards: Mejor película, Mejor actor (Ian McKellen), Mejor actriz secundaria (Lynn Redgrave); Asociación de Críticos Norteamericanos: Mejor película, Mejor actor (Ian McKellan); Asociación de Críticos de Los Ángeles: Mejor actor (Ian McKellen); Critics Choice Awards: Mejor actor (Ian McKellen); Asociación de Críticos de Chicago: Mejor actor (Ian McKellen); British Independent Film Awards: Mejor actor (Ian McKellen).
Ian McKellen interpreta brillantemente a James Whale, director y actor británico, autor de películas como El doctor Frankenstein, La novia de Frankenstein, El hombre invisible, La casa de las sombras, entre tantos otros títulos. Dos décadas después, Whale escribió una nota de suicidio y posteriormente fue encontrado muerto en su piscina de Hollywood.
El film nos ubica en los últimos días de vida de Whale con su única compañía, una conservadora ama de llaves, hasta que entabla una relación con su nuevo jardinero, un apuesto y torpe joven (Brendan Fraser) al que llegará a confiarle su historia en el Hollywood de los años 30.
Ambientada en ese tiempo posterior al apogeo de Whale, Dioses y Monstruos muestra al director como un pulcro y delicado hombre de pelo blanco, afecto a la pintura y con demasiadas voces del pasado en su cabeza. Flashbacks de sus películas, recuerdos de su empobrecida infancia en Dudley y las memorias de su amor perdido, un joven soldado que murió en las trincheras de la Primera Guerra Mundial, forman parte de este film que más que un homenaje solemne, es un monumento irónico a la grandeza y la miseria del viejo Hollywood. Esas empresas que esquilmaban a los grandes artistas que contrataban y luego los desechaba, en el caso de Whale por su “imprudencia sexual/profesional”, coartándole una carrera excepcional.

A las 22 hs.: "LA NOVIA DE FRANKENSTEIN"

"La novia de Frankenstein"
Estados Unidos, 1935. 75'. Dir. James Whale.

Clásico de terror de todos los tiempos. IMPERDIBLE.
Cuando el monstruo creado por el doctor Frankenstein huye perseguido por la turba matando inocentes; el siniestro Dr. Pretorius le propone crear una nueva criatura, una mujer para que lo traiga de vuelta y sea la compañera del monstruo.
Boris Karloff, en la piel del “monstruo”, es un perfecto, torpe y ansioso amante de Elsa Lanchester que encarna a “la novia de…”, cuyo creador dotó de virginidad y actitud.
Después del enorme éxito de Frankenstein en 1931, Whale no estaba dispuesto a agregar un segundo capítulo a su historia. Pero logra que esta secuela sea infinitamente superior a su fuente. Una pequeña obra maestra perfecta, no exenta de lástima, terror y sátira de los romances clásicos. De hecho comienza con un imaginado diálogo entre Mary Shelley y Lord Byron.
La novia de Frankenstein es quizás la mejor de las películas de Frankenstein, basadas en los textos de Mary Shelley. Astuta y subversiva, pasa de contrabando, esquivando inteligentemente la censura, material impactante y reflexivo disfrazado con símbolos de terror.
Hay películas que envejecen, otras que maduran. Este film es más sorprendente hoy que cuando se hizo. El público actual, más alerta a los indicios escondidos de homosexualidad, necrofilia y sacrilegio, los descubre a simple vista. Pero no es necesario deconstruirla para disfrutarla, quedan en nuestra memoria luego de la proyección, la desesperada búsqueda de amor del monstruo, la locura cientificista y la potente e irónica iconografía creada por James Whale.