Author - ozanarello

Subsecretaría de Cultura de AMR
Este martes, dos grandes citas llegan a la pantalla. A las 20 h, con la presencia en sala de la productora argentina Anuk Taleb, Hijas del maíz, de Alfonso Gastiaburo, nos acerca a las historias de mujeres de comunidades originarias que encuentran en la maternidad, los saberes ancestrales y el acompañamiento colectivo una forma de sanar y resistir. Más tarde, a las 22, la sección James Whale nos lleva al terror clásico con una de las obras fundamentales del maestro del género.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 h: "HIJAS DEL MAÍZ"


"Hijas del maíz"
Argentina-México, 2023. 87'. Dir. Alfonso Gastiaburo.

Con la presencia en la sala de la productora argentina Anuk Taleb.
Una partera indígena y una educadora acompañan a mujeres de comunidades originarias que han sido expulsadas o han huido de sus hogares, muchas de ellas sobrevivientes de violencia de género. En las montañas del sur de México, en San Cristóbal de las Casas, Chiapas, existe este espacio llamado Yach'il Antzetic, "mujeres nuevas" en lengua maya.
El acto de parir, lejos de ser solo un proceso fisiológico, se convierte en una herramienta de sanación colectiva y reconstrucción de la comunidad. Juntas, la comadrona y la educadora, curan heridas del pasado y forjan un futuro para sus hijas e hijos.
La cotidianidad de este lugar se explora a través de valiosos testimonios y momentos íntimos.
Con un equipo integrado por varios rosarinos, el director, la productora y la camarógrafa, el documental explora las historias de las mujeres que llegan allí violentadas, que han perdido vínculos o que han sido rechazadas y se integra en la intimidad de las protagonistas, capturando los cuerpos, las respiraciones y los silencios sin buscar un dramatismo externo.
Sin una trama de ficción, el film muestra cómo el parto se transforma en un espacio de resistencia política y afectiva, donde se recuperan saberes ancestrales y se intenta romper el ciclo de violencia para criar a las nuevas generaciones de manera distinta.

A las 22 h: "EL HOMBRE INVISIBLE"


"El hombre invisible"
Estados Unidos, 1933. 71'. Dir. James Whale.

En la programación de Cine Club Rosario ya se ha homenajeado al director James Whale, uno de los primeros grandes inventores del cine fantástico y de terror en el naciente Hollywood, con sus dos títulos más reconocidos: Frankenstein y La novia de Frankenstein, y luego con el bello film de Bill Condon sobre la vejez de Whale: Dioses y Monstruos. Ahora en esta breve sección se rescatan otros dos títulos súper innovadores y entretenidos -en copias remasterizadas imperdibles-, El hombre Invisible y próximamente El Caserón de las sombras.
Un pequeño pueblo inglés es el escenario de esta historia, adaptación de una novela de H.G. Wells. El científico Jack Griffin llega a una posada de ese alejado pueblito con el rostro cubierto de vendas, lentes oscuros, sombrero, sobretodo y guantes.
Griffin, químico que experimenta con la óptica, descubrió una fórmula que lo volvió invisible, pero no puede revertir el proceso. Pronto su problema se agrava, aparecen los efectos secundarios que le desatan una progresiva inestabilidad mental y una peligrosa sed de poder.
Su cordura se deteriora y comienza a usar pérfidamente su ventaja invisible. Mientras, su prometida y un colega científico intentan detenerlo.
Hito técnico de la era iniciática de la Ciencia ficción, tiene efectos que aún hoy -en plena etapa de CGI y digitalizaciones— siguen siendo sorprendentes. Por ejemplo la simulación de invisibilidad, que fue lograda mediante un ingenioso sistema de doble exposición y sustituciones. La inventiva audaz y artesanía cinematográfica eficaz de Whale en 1932...
Acento en las sombras para potenciar el misterio, impresionante uso de la voz, que se vuelve el vehículo principal de la locura del personaje y del suspenso del relato.
James Whale, conocido por su ingenio, equilibra el horror con toques de comedia negra, siempre se divirtió filmando reacciones enloquecidas y derivaciones caóticas.
La invisibilidad no es solo un logro científico en la historia, sino una metáfora de la impunidad. Al no ser visto, Griffin se libera de las normas sociales y morales y asoma su carácter tiránico.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El próximo martes se proponen dos "paradas obligatorias" para los amantes del cine. A las 20 h, la mirada única de Yasujirō Ozu. Más tarde, a las 22, la sección Joe Dante se sumerge en el terror acuático.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "BUENOS DÍAS"


"Buenos días"
Japón, 1959. 94'. Dir. Yasujirō Ozu.

Son los años 50 en un suburbio de Tokio. Minoru e Isamu, están obsesionados con la televisión después de ver combates de sumo en la casa de unos vecinos. El padre, extenuado por su trabajo y las exigencias que impone la educación de sus hijos, se niega a comprarles una tv. Los chicos deciden declararse en huelga de silencio hasta conseguirla.
La madre hace malabares para administrar los ingresos familiares y solucionar las complicaciones de la vida doméstica. Mientras tanto los hermanos se ratean en la escuela para ver la tele en casa de los vecinos.
Casas idénticas, calles estrechas, el colegio y el bar. Los adultos se reúnen para comentar los chismes del día y el barrio funciona como un micromundo donde lo privado y lo público se estrechan, a través de las miradas y los rumores.
La huelga de silencio funciona como una crítica irónica a la banalidad del lenguaje cotidiano. El silencio de los niños pone en evidencia que las conversaciones adultas son formales y vacías: "buenos días", "qué buen tiempo". La televisión, símbolo de la influencia norteamericana, entra en los hogares japoneses e idealiza el deseo de lo nuevo, mientras los padres encarnan la resistencia y la tradición, aunque de forma ambigua y poco convincente. La guerra y la colonización están cambiando todo el arraigo.
Segunda película en color de Ozu, donde vuelve a emplear su característico plano fijo a la altura del tatami, es decir la cámara ubicada casi a ras de suelo, con encuadres compuestos cuidadosamente, elipsis narrativas y escenas en tono sereno y humor sutil.
Cineasta meticuloso y disciplinado, Ozu es uno de los grandes maestros del cine clásico japonés, junto a Kurosawa y Mizoguchi. Su obra retrata con una sencillez sólo aparente lo cotidiano en las familias japonesas, los vínculos paterno filiales, el paso de las generaciones y los cambios sociales en la familia. En la dura posguerra del Japón, fue poniendo el acento en la invasión cultural y de consumo, así como en la disolución y recreación de los lazos afectivos.

A las 22 hs.: "PIRANHA"


"Piranha"
Estados Unidos, 1978. 90'. Dir. Joe Dante.

Premios Saturn: Mejor montaje (Joe Dante, Mark Goldblatt)
Dos jóvenes desaparecen tras bañarse en una piscina abandonada en una instalación militar, la investigadora de seguros, Maggie McKeown, es enviada a buscarlos y convence al texano Paul Grogan, un lugareño solitario y experto en la zona, que la guíe.
Mientras buscan a los jóvenes descubren que es un experimento secreto del ejército: pirañas genéticamente modificadas para resistir agua dulce y salada, creadas como arma biológica. Al vaciar accidentalmente el depósito donde estaban contenidas, las pirañas escapan al río y se dirigen hacia un campamento de verano y un complejo turístico recién inaugurado en plena temporada de verano.
En una carrera contrarreloj intentan advertir a las autoridades locales pero el sheriff además de ser un incompetente, es un promotor turístico sin escrúpulos. Mientras tanto las pirañas asesinas avanzan hacia el campamento infantil donde está la hija de Paul.
Humor negro y crítica jocosa a la burocracia militar y al turismo depredador, el guión de John Sayles se burla indirectamente de Tiburón de Spielberg, en tono de serie B totalmente consciente, al que Dante siempre es afecto. Y claro con un presupuesto de unos 600.000 dólares y filmada en 30 días, desplegaron la verdadera creatividad cinéfila. Las pirañas son mecanismos simples pero Dante y su equipo, entre ellos el futuro maestro de efectos Phil Tippett, supieron disimular las limitaciones filmando los ataques con planos rápidos, agua enturbiada y un montaje ágil que sugiere más de lo que muestra. El efecto visual y sonoro es contundente y el remate del film, apoteótico.
⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠El cine tiene su ‘Dante’, es Joe el mordaz, cinéfilo y gran narrador cinematográfico.

Subsecretaría de Cultura de AMR
Nuevamente se propone un martes muy interesante. A las 20 h, el film consagratorio de la joven directora hindú Payal Kapadia. Y a las 22 h, Gremlins 2 en la sección Joe Dante.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "LA LUZ QUE IMAGINAMOS"


"La luz que imaginamos"
RIndia, 2024. 118'. Dir. Payal Kapadia.

Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado; Festival de San Sebastián: Premio TVE "Otra mirada"; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera; Gotham Independent Film Awards: Mejor película internacional; Asociación de Críticos de Chicago: Mejor película extranjera; Asian Film Awards: Mejor película; Premios APRECI: Mejor película internacional.
Atención a las nuevas directoras internacionales, he aquí la película consagratoria de la joven directora india Payal Kapadia, que articula una comprometida ficción con esta trama.
En un hospital de Mumbai trabajan Prabha, la enfermera cuyo esposo lleva más de un año en Alemania y no da señales de vida; Anu, otra enfermera que comparte piso con Prabha y mantiene una relación secreta con un joven musulmán, en contra de las expectativas de su familia hindú; y Parvaty, una viuda que trabaja como cocinera en el hospital y que está cerca de jubilarse.
La rutina de las tres se ve alterada, Prabha recibe un regalo inesperado de su marido, Anu intenta en vano encontrar un lugar seguro en la ciudad para tener intimidad con su novio y Parvaty se enfrenta al desalojo porque no tiene documentos que acrediten su derecho sobre la vivienda. Juntas emprenden un viaje a una ciudad costera para alejarse del ruido y la multitud. Esta quietud les permite encontrar un espacio para que sus deseos se manifiesten y allí se enfrentan a sus propios sentimientos.
Cual observación antropológica, algunas escenas callejeras de Bombay fueron rodadas de forma encubierta, utilizando cámaras pequeñas para capturar el caos real de la multitud. La directora, que afirma estar "obsesionada con la luz", plantea la primera mitad en Bombay, durante la temporada de monzones, dominada por una tonalidad azul-grisácea y la segunda mitad en la costa, donde los colores se tornan más cálidos y la luz más nítida, sugiriendo una apertura del espacio interior.
La elección de las enfermeras como protagonistas no es casual, la enfermería es una de las pocas profesiones en la India que permite a las mujeres migrar entre estados de ese país continente y obtener autonomía económica e independencia.
Payal Kapadia se graduó en la Escuela de Cine y Televisión de la India (FTII). Su primera película, Una noche sin saber nada de 2021, ganó el premio al Mejor Documental en Cannes. La luz que imaginamos es su primera película de ficción en donde reafirma su visión cinematográfica personal y obtiene el Gran Premio del Festival de Cannes.

A las 22 hs.: "GREMLINS 2"


"Gremlins 2"
Estados Unidos, 1990. 114'. Dir. Joe Dante.

La cinefilia es uno de los rasgos centrales del estilo de Dante, sus films están llenos de guiños a monstruos y producciones de distintas épocas. Esos homenajes forman parte de una mirada celebratoria de la imaginación del cine de género, y a la vez se ríe de sus exageraciones. Su puesta en escena siempre dinámica, poblada de detalles cómicos y personajes tan reales como estrafalarios, encuentra humor entre momentos de locura y peligro.
En Gremlins 2 el cuidador de Gizmo -el bichito más simpático-, murió y él quedó atrapado en un rascacielos de Nueva York propiedad del magnate de los medios Daniel Clamp. Billy Peltzer y Kate Beringer, que ahora trabajan en ese mismo edificio, descubren que Gizmo está allí y un accidente provoca lo indeseable que ya nos advirtió Gremlins 1.
La criatura se moja y se multiplica en temibles clones maléficos que se apoderan del rascacielos más moderno de Nueva York. Encerrados en un laboratorio de experimentos científicos comienza a mutar en versiones aún más temibles y asquerosas. Mientras todo se sale de control Billy, Kate y Gizmo intentan contener el caos antes de que los gremlins escapen a la ciudad.
El rascacielos inteligente es prácticamente el único escenario de este film, secuela de la película del 84 inaugurada por Dante. Ante los temores de los directivos por los excesos en el presupuesto, el director no se amilanó y adaptó el equipo de efectos especiales y planteó el único escenario que funciona como un mini cosmos lleno de oficinas, un laboratorio genético, una red de televisión por cable, conductos de ventilación y un enorme vestíbulo. Todo sucede en la ciudad sin salir del rascacielos.
Sátira de su ya mordaz antecesora, Gremlins 2 se ríe de sus propias convenciones y retuerce historias y personajes, rimando al lenguaje de la animación clásica tan efectiva de la Warner Bros, con esos ‘dantescos’ tonos de comedia física y humor descabellado.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El CCR propone un "martes gótico". A las 20 h, una de Jack Clayton con Débora Kerr y a las 22 h, una gran película de Ken Russell.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "THE INNOCENTS"


"The Innocents"
Reino Unido, 1961. 99'. Dir. Jack Clayton.

Asociación de Críticos Norteamericanos: Mejor dirección (Jack Clayton).
La arquitectura creó los escenarios; la literatura los argumentos; el cine hizo visible las atmósferas enigmáticas, los personajes sórdidos, los eventos sobrenaturales. Mientras académicos discuten si es un género, un subgénero, o elementos de estilo, el cine hace reaparecer misteriosa, periódicamente, el Gótico en notables films que sacuden la cartelera y las emociones de los espectadores. De hecho en la programación del Cine Club Rosario 'aparecen' esos títulos como Marama, Nadja, Abismos de pasión, Near Dark. Así que este martes 13, se invita al Doblete Gótico con dos ejemplares de alto nivel.
En The Innocents, un caballero frío y distante contrata a la joven institutriz Giddens para educar y cuidar a sus sobrinos pequeños, Flora y Miles, en una remota casa de campo en la Inglaterra victoriana. Allí también trabaja la evasiva ama de llaves, la señora Grose.
La señorita Giddens -interpretación genial de Débora Kerr— comienza a notar que los niños, aparentemente inocentes, se comportan de maneras extrañas, muy maduros para la edad que tienen. Los fantasmas de la anterior institutriz, la señorita Jessel, y del criado Peter Quint, muertos hace tiempo, parecen estar aún en la mansión y la señorita Giddens cree que esos espíritus están intentando controlar a los niños para prolongar su existencia.
Basada en la novela de Henry James "Otra vuelta de tuerca", con guión de Truman Capote, esta es una obra maestra del terror psicológico. Sin recurrir a la sangre o a los sustos inesperados, Clayton hace que el miedo filtre lentamente a través del lenguaje visual, la ambigüedad narrativa y un subtexto psicoanalítico, que dicen fue aporte de Capote.
Filmada en blanco y negro y en formato CinemaScope, Freddie Francis, legendario director de fotografía, generaba una especie de "visión tubular" paranoica para inducir al espectador en el punto de vista de la atormentada protagonista.
Clayton fue un perfeccionista del cine. Impulsor del realismo de la "Nueva Ola" británica con Room at the Top (1959), dirigió siete largometrajes y siempre mantuvo un perfil personal en su obra, especializándose en la opresión psicológica. Se describía a sí mismo como "ex católico", lo que quizá explique su sensibilidad hacia la culpa puritana y la represión sexual.

A las 22 hs.: "GOTHIC"


"Gothic"
Reino Unido, 1986. 87'. Dir. Ken Russell.

El poeta Lord Byron, su médico y amante John Polidori, el poeta Percy Shelley, su futura esposa Mary Wollstonecraft y la hermanastra Claire Clairmont, se reúnen en la Villa Diodati, a orillas del lago Ginebra en el verano de 1816. Una tormenta los encierra en la mansión. Para entretenerse Lord Byron propone un juego: cada uno escribirá la historia de terror más espeluznante.
Aislados se proponen sufrir el miedo en carne propia y aceptan los términos de la terrorífica velada de Lord Byron. Todo comienza como un ejercicio literario, consumen opio y otras sustancias alucinógenas. La noche avanza y la casa se convierte en un laberinto: pasillos que no llevan a ningún lado, espejos que devuelven reflejos distorsionados. Los miedos íntimos, obsesiones sexuales y fantasmas personales de cada uno emergen y toman forma física.
En este laberinto de espejos de parque de diversiones, brotan las semillas de Frankenstein, de M. Shelley, y El vampiro, de J. Polidori. Russell y su equipo construyen un interior de escaleras de caracol, candelabros amenazantes, caballos espectrales, cortinas que ocultan presencias. Entre el grotesco y el ensueño crea una atmósfera de terror sexualizado, inspirada directamente en La pesadilla de Henry Fuseli (1781).
La cámara movediza sigue a los personajes en sus desplazamientos erráticos para sugerir una desorientación constante, y el montaje fragmentario refleja la mente alterada de los protagonistas. El diseño y la banda sonora de Thomas Dolby son fundamentales: una música electrónica y envolvente que acentúa la sensación de viaje psicotrópico, muy en la línea estilística del irreverente Russell.

Subsecretaría de Cultura de AMR
La de este martes será una doble función dedicada al inconfundible John Woo. A las 20, persecuciones y acción sin respiro. Y a las 22, llega uno de los títulos fundamentales del cine de acción hongkonés. Balas, códigos de honor y tiroteos coreografiados como una danza. Dos películas, una misma firma y una noche para disfrutar a Woo en pantalla grande.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "HARD TARGET


"Hard Target"
Estados Unidos, 1993. 92'. Dir. John Woo.

Premios Saturn: Mejor actor (Lance Henriksen).
En las calles lluviosas y decadentes de Nueva Orleans, una organización criminal dirigida por el siniestro Emil Fouchon (Lance Henriksen) opera un negocio clandestino de cacería humana. Junto a su socio organizan siniestros torneos en los que enfrentan a sus asesinos a sueldo con veteranos de guerra, a quienes prometen 10.000 dólares si logran sobrevivir. Ninguno lo ha conseguido jamás.
Natasha Binder llega a la ciudad buscando a su padre desaparecido. En su búsqueda conoce a Chance Boudreaux (Jean-Claude Van Damme), un marinero mercante sin trabajo que, tras defenderla de unos asaltantes, acepta ayudarla por una módica suma de dinero. Chance no es un héroe noble y altruista, es un solitario "cajun" que solamente quiere cobrar los 217 dólares que necesita para saldar sus deudas con el sindicato de marineros mercantes.
Primera película en inglés de John Woo, contratado por los estudios de Hollywood dadas su repercusión y experiencia en su natal Hong Kong. Claro que los productores yankees lo obligaron a atenuar la violencia, pero siempre destaca la profundidad emocional y la coreografía de las luchas. La historia transcurre en Nueva Orleans donde es natural el acento francés de Van Damme, quien brinda toda su agilidad, ya no en bailes sino en la acción pura y magistral del estilo John Woo.

A las 22 hs.: "THE KILLER"


"The Killer"
Hong Kong, 1989. 111'. Dir. John Woo.

Un sicario profesional trabaja para las tríadas de Hong Kong. Durante lo que él espera sea su último trabajo en un club nocturno, un disparo accidental deja ciega a Jennie, una cantante que actuaba esa noche. Consumido por la culpa quiere ayudarla a conseguir el dinero para el trasplante de córnea y decide aceptar un peligroso y arriesgado encargo final.
El detective Li Ying investiga una serie de asesinatos y comienza a obsesionarse con la figura de este asesino a quien le reconoce un código de honor que lo distingue de los criminales comunes. Sus caminos se cruzan repetidamente y desarrollan una fascinación mutua que trasciende la ley.
Woo creció en la pobreza en Hong Kong y se refugiaba en las salas de cine para escapar de su entorno. Antes de The Killer, ya había dirigido A Better Tomorrow (1986), la película más taquillera de la historia de Hong Kong hasta ese momento que lo consagró como el gran renovador del cine de acción.
Pensada como un homenaje a Scorsese y Jean-Pierre Melville, también hace honor a sus raíces en la tradición del wuxia pian, cine de caballería marcial, de los años 60, específicamente en las películas de Chang Cheh, mentor de Woo, que ya exploraban intensamente los vínculos masculinos y la muerte violenta.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El próximo será otro martes de propuestas imperdibles. A las 20, una gran película de Godard con Brigitte Bardot y a la 22, un gran film japonés de Kaneto Shindô.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "EL DESPRECIO


"El desprecio"
Francia, 1963. 102'. Dir. Jean-Luc Godard.

Con M. Piccoli, B. Bardot y Fritz Lang.
Paul, un dramaturgo francés, acepta el encargo del productor estadounidense Prokosch de reescribir el guión de La Odisea, que el mismísimo Fritz Lang está rodando en Capri. Viaja con su bella mujer Camille (B. Bardot) al encuentro con el arrogante productor que lo contrató (Jack Palance). Tras el encuentro Camille se va en auto con Prokosch, desde ese momento, la actitud de Camille hacia su esposo cambia.
Mientras el equipo rueda la adaptación de la Odisea de Homero, Paul intenta entender por qué su esposa siente tal "desprecio" hacia él y se ve inmerso en una dolorosa crisis matrimonial. El triángulo de poder y deseo de La Odisea entre Ulises, Penélope y Poseidón, Godard lo presenta en triángulo real entre Paul, Camille y Prokosch. Quién es "Ulises" y quién el "cíclope" se convierte en una pregunta sin respuesta que recorre todo el film.
Con este film Godard, desde las filas de la revulsiva "Nouvelle Vague", reflexiona sobre el cine clásico y sobre el cine mismo como medio. Plantea una película dentro de la película donde lo importante no es contar la ruptura de un matrimonio, sino diseccionarla bajo la presión de la industria cinematográfica, la lógica del capital y el drama la épica clásica.
Fritz Lang, maestro del expresionismo alemán y del cine negro, se interpreta a sí mismo y representa al autor europeo aplastado por el poder del productor. Godard homenajea a Lang en vida y filmando frente al azul mediterráneo, infinito escenario de mitos, entre proclamas sobre la esencia del cine y con las formas fragmentarias de la Nouvelle Vague.
Con un ritmo que se construye sobre la discontinuidad, cambios de color, desfasajes juguetones entre sonido e imagen, encuadres desbordantes de formas sensuales, el director confronta la quietud bella y estática de Bardot frente a la inquietud pusilánime de Piccoli, la brutalidad de poder de Palance frente a la serenidad creativa de Lang, que se yuxtaponen para producir y complejizar sentido en un film de exultante belleza.

A las 22 hs.: "EL GATO NEGRO"


"El gato negro"
Japón. 1968. 99'. Dir. Kaneto Shindô.

En el Japón de las guerras civiles, Yae y su nuera Sekine sobreviven juntas en una choza entre bambúes. Un grupo de samuráis errantes y derrotados irrumpen, las violan, las asesinan y prenden fuego su casa. Un gato negro aparece entre las cenizas y lame sus cuerpos.
Desde ese momento los samuráis desaparecen o mueren de forma extraña: gargantas desgarradas, sangre drenada. El señor feudal envía a investigar a un joven samurái, Gintoki, recién vuelto del campo de batalla. Al llegar al lugar donde estaba la choza, encuentra a dos mujeres misteriosas cuyo rostro recuerda al de su madre y su esposa.
Adaptación de la leyenda popular japonesa del bakeneko o gato monstruo, Shindō no se conforma con repetir el relato de fantasmas y usa el marco de la venganza sobrenatural para desplegar una crítica social.
Con muy poco diálogo y una potente visualidad y expresiva corporeidad, su ritmo narrativo es casi suspendido contribuyendo al tono fantasmal. Desde el bambú que se mece y el tambor lejano del inicio, pasando por la violencia del asalto a la choza, hasta las mujeres fantasma que esperan a los samuráis en la niebla para ejecutarlos, como en una "ceremonia del té", todo avanza con una calma implacable.
Compacta narración con elementos del teatro tradicional japonés, como los movimientos de la madre fantasma basada en la danza nō; el "flotar" y los saltos de los fantasmas (que usan el chūnori del kabuki, técnica para hacer ‘volar’ a los personajes); y el uso de la niebla para ambientar apariciones. El genial T. Shindô combina la temática de la tragedia del destino, con lo mejor del terror japonés.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El próximo martes 15 el Cine Club tiene dos propuestas bien diferentes. A las 20, un falso documental de los mismos guionistas de Spinal Tap, desopilante retrato de los concursos de perros en Estados Unidos. A las 22, una nueva entrega de la Sección Guillermo Del Toro Inicios, una fantasía oscura y visceral durante la posguerra bajo el régimen franquista.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "EL PERRO GANADOR"


"El perro ganador"
Estados Unidos, 2000. 80'. Dir. Christopher Guest.

Asociación de Críticos Norteamericanos: Premio mención especial; Asociación de Críticos de Boston: Mejor actor de reparto (Fred Willard).
Gerry y Cookie Fleck son una pareja de Florida cuyo perrito terrier es el centro de su vida;
Hamilton y Meg Swan, abogados yuppies de Nueva York son tan neuróticos y controladores como su atigrado Weimaraner, hasta tienen el mismo peinado; Scott Donlan y Stefan Vanderhoof tienen una relación casi de igual a igual con su Shih Tzu; Harlan Pepper es un solitario y peculiar vendedor de una tienda de cebos para pescar de Carolina del Norte que viaja con su sabueso para participar en el concurso; Sherri Ann Cabot y su marido, un anciano multimillonario presentan a su perro con la sofisticación y el glamour artificial que les caracteriza.
Todos estos personajes, y sus perros, se encuentran en el prestigioso concurso canino de Mayflower en Filadelfia. Todos ven en su mascota la oportunidad de alcanzar la gloria y el reconocimiento que creen merecer, y están dispuestos a hacer lo que sea necesario para ganar, a pesar de sus propios complejos y obsesiones, más notables que los de sus perros.
Perros caprichosos, con nombres estrafalarios y convenientemente adiestrados que saben controlarse para satisfacción de sus dueños. Entrevistas a los personajes que narran sus historias directamente a la cámara, y tomas cámara en mano que simulan la urgencia y espontaneidad de una producción. Este falso documental sigue a todos estos peculiares personajes de las exposiciones caninas.
Guest y Eugene Levy escribieron un guión detallado de la trama pero no un guión con diálogos fijos. Los actores improvisan sus diálogos en cada escena, lo que da a la película un tono muy natural y auténtico.
Maestro del género del falso documental, Christopher Guest, fue uno de los guionistas de la película pionera en el género, This Is Spinal Tap (1984), proyectada en Cine Club Rosario.

A las 22 hs.: "EL LABERINTO DEL FAUNO"


"El laberinto del fauno"
España, 2006. 112'. Dir. Guillermo del Toro.

Oscar: Mejor fotografía (Guillermo Navarro), Mejor diseño de producción (Eugenio Caballero, Pilar Revuelta), Mejor maquillaje y peluquería (David Martí, Montse Ribé); Premios Goya: Mejor guion original (Guillermo del Toro), Mejor fotografía (Guillermo Navarro), Mejor montaje (Bernat Vilaplana), Mejor actriz revelación (Ivana Baquero), Mejor maquillaje y peluquería (José Quetglás, Blanca Sánchez), Mejor sonido (Martín Hernández, Miguel Ángel Polo), Mejores efectos especiales (David Martí, Emilio Ruiz del Río, Everett Burrell, Montse Ribé, Reyes Abades, Edward Irastorza); BAFTA: Mejor película en habla no inglesa, Mejor diseño de vestuario (Lala Huete), Mejor maquillaje y peluquería (José Quetglás, Blanca Sánchez); Asociación de Críticos de Boston: Mejor fotografía (Guillermo Navarro), Mejor película en habla no inglesa; National Society of Film Critics: Mejor película;
España 1944, cinco años después del fin de la Guerra Civil, durante la posguerra bajo el régimen franquista, Ofelia, una niña de 13 años, viaja con su mamá embarazada hasta un molino en medio del bosque. Allí se reunirán con el nuevo esposo de su madre, el Capitán Vidal, un cruel oficial del ejército franquista cuya misión es acabar con los últimos focos de resistencia republicana que se esconden en la zona.
Perdida en ese entorno hostil y brutal, una noche, Ofelia sigue a una especie de hada que la guía hasta las ruinas de un antiguo laberinto. En su centro se encuentra con una criatura mítica que le revela un secreto: ella no es una niña cualquiera, sino la princesa Moanna de un reino subterráneo. Mientras la violencia y el peligro del mundo real se intensifican a su alrededor Ofelia deberá superar tres difíciles pruebas antes de la luna llena, para poder volver a su hogar y recuperar su identidad.
Fantasía oscura y visceral, casi terrorífica, sigue las convenciones del cuento de hadas clásico, y su "regla del tres": tres pruebas, tres visitas al laberinto, tres hadas, para construir el arco de transformación de la heroína. El mundo mágico no es un escape de la realidad, sino la manera en que Ofelia y el espectador pueden comprender y enfrentar los horrores de la guerra.
Considerada su obra cumbre, El laberinto del fauno forma parte de la trilogía de películas centradas en niños en contextos históricos difíciles, junto a Cronos (1993) y El espinazo del diablo (2001), film que cerrará la sección GUILLERMO DEL TORO Inicios.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El próximo martes, Juan Nemirovsky viene a presentar Tiempo de pagar, el film que protagoniza en la función de las 20 h. A las 22, en la nueva Sección Guillermo Del Toro Inicios, Cronos, con Federico Luppi. Su realización fue una auténtica odisea y es una de las grandes leyendas del cine independiente latinoamericano.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "TIEMPO DE PAGAR"


"Tiempo de pagar"
Argentina, 2024. 63' Dir. Felipe Wein.

Presentada por su protagonista Juan Nemirovsky.
Vive al día y siempre está metido en problemas financieros, Richard (Juan Nemirovsky) es un estafador de poca monta, mentiroso y mujeriego. Trabaja como "arbolito" en el microcentro porteño.
Acorralado por deudas con gente peligrosa, necesita conseguir la plata que debe. Tapa un agujero con otro y se ve envuelto en una serie de problemas que lo llevan a una maratónica odisea a contrarreloj.
Thriller de estafas, tiene un ritmo vertiginoso gracias a una cámara ágil e inquieta que transmite el nerviosismo y la falta de respiro del protagonista. Opera prima del director, su estilo remite a Nueve reinas y atrapa de principio a fin.
Nemirovsky es el motor del film, que lo tiene casi como su único protagonista. El guión fue ajustado durante el montaje, añadiendo secuencias clave para aumentar la tensión.

A las 22 hs.: "CRONOS"


"Cronos"
México, 1993. 92'. Dir. Guillermo del Toro.

Cannes: Semana de la Crítica - Gran Premio; Festival Internacional de Cinema de Catalunya - Sitges: Mejor actor (Federico Luppi), Mejor guion (Guillermo del Toro); Premios Ariel: Mejor película, Mejor director (Guillermo del Toro), Mejor actor de cuadro (Daniel Giménez Cacho), Mejor guión (Guillermo del Toro), Mejor argumento original (Guillermo del Toro), Mejor escenografía (Tolita Figueroa), Mejor ambientación (Brigitte Broch), Mejor efectos especiales (Laurencio Cordero), Mejor ópera prima (Guillermo del Toro); Festival de Fantasporto: Mejor película.
Jesús Gris (impresionante Federico Luppi), vive con su nieta Aurora en el México de los años 90. Un día en su anticuario, encuentra en el interior de una antigua estatua, un extraño artefacto dorado con forma de escarabajo, conocido como "Cronos" y por tener el supuesto poder de otorgar la vida eterna a quien lo use.
Creado por un alquimista medieval, en su interior se encuentra instalado un insecto, que se alimenta de sangre y tiene el poder de ofrecer la eterna juventud.
Jesús activa accidentalmente el mecanismo, se inyecta una aguja y extrae su sangre a cambio de devolverle la juventud y vitalidad. Pero pronto descubre el alto precio a pagar: desarrolla una sed de sangre insaciable. Esta transformación lo convierte en el objetivo de Dieter de la Guardia, un anciano millonario que está muriendo y hará lo que sea por poseer el artefacto para salvar su vida.
Lúgubre, barroco y decadente, ya se podía ver acá la fascinación del director por el cine de terror y las criaturas fantásticas. Los efectos especiales, creados artesanalmente por Del Toro y su equipo, son un punto clave y destacable. El mecanismo "Cronos" y las escenas de transformación del protagonista resultan plenamente cautivadoras.
Hacer la película fue una auténtica odisea y es una de las grandes leyendas del cine independiente latinoamericano. Con un presupuesto final de alrededor de 2 millones de dólares, una cifra muy alta para el cine mexicano de la época, dejó a Del Toro endeudado de forma extrema. Cronos ganó el premio en el Festival de Cine de Guadalajara, y el dinero del premio le permitió pagar las deudas. El director confesó que lloró de emoción y alivio, al recibir el cheque, que lo salvaba de la ruina. Así comenzaba una ruta de originales nuevos títulos en la primera etapa tan fructífera de un gran director que se rescata ahora en Cine Club Rosario, con esta nueva Sección Guillermo Del Toro Inicios, que continuará durante septiembre.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El martes 1/9 se verán dos films de los geniales hermanos Coen. A las 20, un guionista viaja a Los Ángeles para escribir un guión de una película de clase B sobre lucha libre y sufre un agudo bloqueo creativo que no lo deja avanzar. A las 22, un torpe y reincidente ladrón de tiendas se enamora y se casa con la policía que le toma las fotografías cada vez que es arrestado y juntos quieren formar una gran familia, pero sus planes no son tan fáciles de llevar a cabo.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "BARTON FINK"


"Barton Fink"
Estados Unidos, 1991. 113'. Dir. Hnos. Coen.

Cannes: Palma de Oro: Mejor película, Mejor dirección (Joel Coen), Mejor actor (John Turturro); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actriz de reparto (Judy Davis), Mejor fotografía (Roger Deakins); National Society of Film Critics: Mejor fotografía (Roger Deakins); Asociación de Críticos de Los Ángeles: Mejor actor secundario (Michael Lerner), Mejor fotografía (Roger Deakins); Asociación de Críticos de Chicago: Mejor fotografía (Roger Deakins).
Tras el triunfo de su última obra en Broadway, Barton Fink (John Turturro) es tentado por un estudio de Hollywood para ir a California y escribir guiones para el cine, una tarea que considera por debajo de su talento. Es 1941 y viaja a Los Ángeles para escribir un guión de una película de clase B sobre lucha libre para la estrella de esa disciplina, Wallace Beery.
Instalado, o atrapado, en su claustrofóbica habitación del Hotel Earle, Fink sufre un agudo bloqueo creativo. Su vecino de habitación, el peculiar Charlie Meadows (John Goodman), trata de ayudarlo, pero una serie de circunstancias adversas hacen que se sienta cada vez más incapaz de afrontar su trabajo.
Los pasillos interminables y el empapelado que se despega, crean una atmósfera de inquietante amenaza que envuelve a Barton y difumina la línea entre la realidad y su propia mente atormentada. Influenciados por Roman Polanski, en particular películas como Repulsión (1965) o El inquilino (1976) -proyectadas en CCR–, donde el espacio doméstico se vuelve una prisión psicológica, Ethan y Joel Coen, dupla creativa de este film, logran aquí combinar drama psicológico con momentos de terror casi sobrenatural, en una comedia negra con su sello.

A las 22 hs.: "EDUCANDO A ARIZONA"


"Educando a Arizona"
Estados Unidos, 1987. 93'. Dir. Hnos. Coen.

Segundo film de los hermanos Coen después de su gran comienzo con Simplemente Sangre (que ya se proyectó en Cine Club Rosario), virando a la comedia desopilante. Un torpe y reincidente ladrón de tiendas, H.I. "Hi" McDunnough (Nicolas Cage), y Edwina "Ed" (Holly Hunter), una policía que le toma las fotografías cada vez que el loco de Hi es arrestado, se enamoran y contra todo pronóstico se casan. Hi promete reformarse para llevar una vida “recta”, su sueño es formar una familia numerosa.
Pronto se enteran que no pueden tener hijos de manera natural y tampoco es posible adoptar por el prontuario de “Hi”, pero están dispuestos a formar una familia cueste lo que cueste.
Desesperados, ven la solución cuando un millonario local, Nathan Arizona, tiene quintillizos…
A partir de ese momento su vida se convierte en un caos. Mientras intentan ocultar su secreto secuestro, se enfrentan a la llegada de los ex-compañeros de celda de Hi (John Goodman y William Forsythe) que acaban de fugarse de la cárcel y se instalan en su remolque.
Como si fuera un capítulo de los Looney Tunes de la Warner Bros, los Coen crean una versión "pop" y artificial del desierto de Arizona. La fotografía, con una iluminación casi fluorescente (del gran Barry Sonenfeld), le da a este mundo de los hermanos una apariencia hiperrealista y a la vez de dibujito animado.
Con una trama hilarante de caricaturas y situaciones desopilantes, como su gloriosa escena de persecución en el supermercado, los disparos y los golpes son brutales pero inofensivos y absurdos, casi como en un capítulo de "El Coyote y el Correcaminos". La banda sonora y los efectos de sonido son fundamentales para el tono cómico del film. Los efectos especiales, usados de modo deliberadamente exagerado, enfatizan el ritmo caótico y divertido de esta tierna y enloquecida road movie.