Author - ozanarello

Subsecretaría de Cultura de AMR
El próximo martes 15 el Cine Club tiene dos propuestas bien diferentes. A las 20, un falso documental de los mismos guionistas de Spinal Tap, desopilante retrato de los concursos de perros en Estados Unidos. A las 22, una nueva entrega de la Sección Guillermo Del Toro Inicios, una fantasía oscura y visceral durante la posguerra bajo el régimen franquista.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "EL PERRO GANADOR"


"El perro ganador"
Estados Unidos, 2000. 80'. Dir. Christopher Guest.

Asociación de Críticos Norteamericanos: Premio mención especial; Asociación de Críticos de Boston: Mejor actor de reparto (Fred Willard).
Gerry y Cookie Fleck son una pareja de Florida cuyo perrito terrier es el centro de su vida;
Hamilton y Meg Swan, abogados yuppies de Nueva York son tan neuróticos y controladores como su atigrado Weimaraner, hasta tienen el mismo peinado; Scott Donlan y Stefan Vanderhoof tienen una relación casi de igual a igual con su Shih Tzu; Harlan Pepper es un solitario y peculiar vendedor de una tienda de cebos para pescar de Carolina del Norte que viaja con su sabueso para participar en el concurso; Sherri Ann Cabot y su marido, un anciano multimillonario presentan a su perro con la sofisticación y el glamour artificial que les caracteriza.
Todos estos personajes, y sus perros, se encuentran en el prestigioso concurso canino de Mayflower en Filadelfia. Todos ven en su mascota la oportunidad de alcanzar la gloria y el reconocimiento que creen merecer, y están dispuestos a hacer lo que sea necesario para ganar, a pesar de sus propios complejos y obsesiones, más notables que los de sus perros.
Perros caprichosos, con nombres estrafalarios y convenientemente adiestrados que saben controlarse para satisfacción de sus dueños. Entrevistas a los personajes que narran sus historias directamente a la cámara, y tomas cámara en mano que simulan la urgencia y espontaneidad de una producción. Este falso documental sigue a todos estos peculiares personajes de las exposiciones caninas.
Guest y Eugene Levy escribieron un guión detallado de la trama pero no un guión con diálogos fijos. Los actores improvisan sus diálogos en cada escena, lo que da a la película un tono muy natural y auténtico.
Maestro del género del falso documental, Christopher Guest, fue uno de los guionistas de la película pionera en el género, This Is Spinal Tap (1984), proyectada en Cine Club Rosario.

A las 22 hs.: "EL LABERINTO DEL FAUNO"


"El laberinto del fauno"
España, 2006. 112'. Dir. Guillermo del Toro.

Oscar: Mejor fotografía (Guillermo Navarro), Mejor diseño de producción (Eugenio Caballero, Pilar Revuelta), Mejor maquillaje y peluquería (David Martí, Montse Ribé); Premios Goya: Mejor guion original (Guillermo del Toro), Mejor fotografía (Guillermo Navarro), Mejor montaje (Bernat Vilaplana), Mejor actriz revelación (Ivana Baquero), Mejor maquillaje y peluquería (José Quetglás, Blanca Sánchez), Mejor sonido (Martín Hernández, Miguel Ángel Polo), Mejores efectos especiales (David Martí, Emilio Ruiz del Río, Everett Burrell, Montse Ribé, Reyes Abades, Edward Irastorza); BAFTA: Mejor película en habla no inglesa, Mejor diseño de vestuario (Lala Huete), Mejor maquillaje y peluquería (José Quetglás, Blanca Sánchez); Asociación de Críticos de Boston: Mejor fotografía (Guillermo Navarro), Mejor película en habla no inglesa; National Society of Film Critics: Mejor película;
España 1944, cinco años después del fin de la Guerra Civil, durante la posguerra bajo el régimen franquista, Ofelia, una niña de 13 años, viaja con su mamá embarazada hasta un molino en medio del bosque. Allí se reunirán con el nuevo esposo de su madre, el Capitán Vidal, un cruel oficial del ejército franquista cuya misión es acabar con los últimos focos de resistencia republicana que se esconden en la zona.
Perdida en ese entorno hostil y brutal, una noche, Ofelia sigue a una especie de hada que la guía hasta las ruinas de un antiguo laberinto. En su centro se encuentra con una criatura mítica que le revela un secreto: ella no es una niña cualquiera, sino la princesa Moanna de un reino subterráneo. Mientras la violencia y el peligro del mundo real se intensifican a su alrededor Ofelia deberá superar tres difíciles pruebas antes de la luna llena, para poder volver a su hogar y recuperar su identidad.
Fantasía oscura y visceral, casi terrorífica, sigue las convenciones del cuento de hadas clásico, y su "regla del tres": tres pruebas, tres visitas al laberinto, tres hadas, para construir el arco de transformación de la heroína. El mundo mágico no es un escape de la realidad, sino la manera en que Ofelia y el espectador pueden comprender y enfrentar los horrores de la guerra.
Considerada su obra cumbre, El laberinto del fauno forma parte de la trilogía de películas centradas en niños en contextos históricos difíciles, junto a Cronos (1993) y El espinazo del diablo (2001), film que cerrará la sección GUILLERMO DEL TORO Inicios.

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El próximo martes, Juan Nemirovsky viene a presentar Tiempo de pagar, el film que protagoniza en la función de las 20 h. A las 22, en la nueva Sección Guillermo Del Toro Inicios, Cronos, con Federico Luppi. Su realización fue una auténtica odisea y es una de las grandes leyendas del cine independiente latinoamericano.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "TIEMPO DE PAGAR"


"Tiempo de pagar"
Argentina, 2024. 63' Dir. Felipe Wein.

Presentada por su protagonista Juan Nemirovsky.
Vive al día y siempre está metido en problemas financieros, Richard (Juan Nemirovsky) es un estafador de poca monta, mentiroso y mujeriego. Trabaja como "arbolito" en el microcentro porteño.
Acorralado por deudas con gente peligrosa, necesita conseguir la plata que debe. Tapa un agujero con otro y se ve envuelto en una serie de problemas que lo llevan a una maratónica odisea a contrarreloj.
Thriller de estafas, tiene un ritmo vertiginoso gracias a una cámara ágil e inquieta que transmite el nerviosismo y la falta de respiro del protagonista. Opera prima del director, su estilo remite a Nueve reinas y atrapa de principio a fin.
Nemirovsky es el motor del film, que lo tiene casi como su único protagonista. El guión fue ajustado durante el montaje, añadiendo secuencias clave para aumentar la tensión.

A las 22 hs.: "CRONOS"


"Cronos"
México, 1993. 92'. Dir. Guillermo del Toro.

Cannes: Semana de la Crítica - Gran Premio; Festival Internacional de Cinema de Catalunya - Sitges: Mejor actor (Federico Luppi), Mejor guion (Guillermo del Toro); Premios Ariel: Mejor película, Mejor director (Guillermo del Toro), Mejor actor de cuadro (Daniel Giménez Cacho), Mejor guión (Guillermo del Toro), Mejor argumento original (Guillermo del Toro), Mejor escenografía (Tolita Figueroa), Mejor ambientación (Brigitte Broch), Mejor efectos especiales (Laurencio Cordero), Mejor ópera prima (Guillermo del Toro); Festival de Fantasporto: Mejor película.
Jesús Gris (impresionante Federico Luppi), vive con su nieta Aurora en el México de los años 90. Un día en su anticuario, encuentra en el interior de una antigua estatua, un extraño artefacto dorado con forma de escarabajo, conocido como "Cronos" y por tener el supuesto poder de otorgar la vida eterna a quien lo use.
Creado por un alquimista medieval, en su interior se encuentra instalado un insecto, que se alimenta de sangre y tiene el poder de ofrecer la eterna juventud.
Jesús activa accidentalmente el mecanismo, se inyecta una aguja y extrae su sangre a cambio de devolverle la juventud y vitalidad. Pero pronto descubre el alto precio a pagar: desarrolla una sed de sangre insaciable. Esta transformación lo convierte en el objetivo de Dieter de la Guardia, un anciano millonario que está muriendo y hará lo que sea por poseer el artefacto para salvar su vida.
Lúgubre, barroco y decadente, ya se podía ver acá la fascinación del director por el cine de terror y las criaturas fantásticas. Los efectos especiales, creados artesanalmente por Del Toro y su equipo, son un punto clave y destacable. El mecanismo "Cronos" y las escenas de transformación del protagonista resultan plenamente cautivadoras.
Hacer la película fue una auténtica odisea y es una de las grandes leyendas del cine independiente latinoamericano. Con un presupuesto final de alrededor de 2 millones de dólares, una cifra muy alta para el cine mexicano de la época, dejó a Del Toro endeudado de forma extrema. Cronos ganó el premio en el Festival de Cine de Guadalajara, y el dinero del premio le permitió pagar las deudas. El director confesó que lloró de emoción y alivio, al recibir el cheque, que lo salvaba de la ruina. Así comenzaba una ruta de originales nuevos títulos en la primera etapa tan fructífera de un gran director que se rescata ahora en Cine Club Rosario, con esta nueva Sección Guillermo Del Toro Inicios, que continuará durante septiembre.

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El martes 1/9 se verán dos films de los geniales hermanos Coen. A las 20, un guionista viaja a Los Ángeles para escribir un guión de una película de clase B sobre lucha libre y sufre un agudo bloqueo creativo que no lo deja avanzar. A las 22, un torpe y reincidente ladrón de tiendas se enamora y se casa con la policía que le toma las fotografías cada vez que es arrestado y juntos quieren formar una gran familia, pero sus planes no son tan fáciles de llevar a cabo.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "BARTON FINK"


"Barton Fink"
Estados Unidos, 1991. 113'. Dir. Hnos. Coen.

Cannes: Palma de Oro: Mejor película, Mejor dirección (Joel Coen), Mejor actor (John Turturro); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actriz de reparto (Judy Davis), Mejor fotografía (Roger Deakins); National Society of Film Critics: Mejor fotografía (Roger Deakins); Asociación de Críticos de Los Ángeles: Mejor actor secundario (Michael Lerner), Mejor fotografía (Roger Deakins); Asociación de Críticos de Chicago: Mejor fotografía (Roger Deakins).
Tras el triunfo de su última obra en Broadway, Barton Fink (John Turturro) es tentado por un estudio de Hollywood para ir a California y escribir guiones para el cine, una tarea que considera por debajo de su talento. Es 1941 y viaja a Los Ángeles para escribir un guión de una película de clase B sobre lucha libre para la estrella de esa disciplina, Wallace Beery.
Instalado, o atrapado, en su claustrofóbica habitación del Hotel Earle, Fink sufre un agudo bloqueo creativo. Su vecino de habitación, el peculiar Charlie Meadows (John Goodman), trata de ayudarlo, pero una serie de circunstancias adversas hacen que se sienta cada vez más incapaz de afrontar su trabajo.
Los pasillos interminables y el empapelado que se despega, crean una atmósfera de inquietante amenaza que envuelve a Barton y difumina la línea entre la realidad y su propia mente atormentada. Influenciados por Roman Polanski, en particular películas como Repulsión (1965) o El inquilino (1976) -proyectadas en CCR–, donde el espacio doméstico se vuelve una prisión psicológica, Ethan y Joel Coen, dupla creativa de este film, logran aquí combinar drama psicológico con momentos de terror casi sobrenatural, en una comedia negra con su sello.

A las 22 hs.: "EDUCANDO A ARIZONA"


"Educando a Arizona"
Estados Unidos, 1987. 93'. Dir. Hnos. Coen.

Segundo film de los hermanos Coen después de su gran comienzo con Simplemente Sangre (que ya se proyectó en Cine Club Rosario), virando a la comedia desopilante. Un torpe y reincidente ladrón de tiendas, H.I. "Hi" McDunnough (Nicolas Cage), y Edwina "Ed" (Holly Hunter), una policía que le toma las fotografías cada vez que el loco de Hi es arrestado, se enamoran y contra todo pronóstico se casan. Hi promete reformarse para llevar una vida “recta”, su sueño es formar una familia numerosa.
Pronto se enteran que no pueden tener hijos de manera natural y tampoco es posible adoptar por el prontuario de “Hi”, pero están dispuestos a formar una familia cueste lo que cueste.
Desesperados, ven la solución cuando un millonario local, Nathan Arizona, tiene quintillizos…
A partir de ese momento su vida se convierte en un caos. Mientras intentan ocultar su secreto secuestro, se enfrentan a la llegada de los ex-compañeros de celda de Hi (John Goodman y William Forsythe) que acaban de fugarse de la cárcel y se instalan en su remolque.
Como si fuera un capítulo de los Looney Tunes de la Warner Bros, los Coen crean una versión "pop" y artificial del desierto de Arizona. La fotografía, con una iluminación casi fluorescente (del gran Barry Sonenfeld), le da a este mundo de los hermanos una apariencia hiperrealista y a la vez de dibujito animado.
Con una trama hilarante de caricaturas y situaciones desopilantes, como su gloriosa escena de persecución en el supermercado, los disparos y los golpes son brutales pero inofensivos y absurdos, casi como en un capítulo de "El Coyote y el Correcaminos". La banda sonora y los efectos de sonido son fundamentales para el tono cómico del film. Los efectos especiales, usados de modo deliberadamente exagerado, enfatizan el ritmo caótico y divertido de esta tierna y enloquecida road movie.

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El martes 25/8 a las 20 h, John Cassavetes junto a su musa inspiradora, Gena Rowlands. A las 22 h., un thriller de suspenso gótico ‘anticolonial’.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "GLORIA"


"Gloria"
Estados Unidos, 1980. 116'. Dir. John Cassavetes.

Festival de Venecia: León de Oro - Mejor película; Asociación de Críticos de Boston: Mejor actriz (Gena Rowlands).
Una familia puertorriqueña fue masacrada por la mafia. Phil, un niño, el único sobreviviente, posee información crucial que los gánsteres quieren recuperar. Gloria ‘Swenson’ (Gena Rowlands) es la ex pareja de un gánster y se ve forzada a proteger a Phil, hijo de sus vecinos.
De la noche a la mañana, Gloria y el chico se convierten en objetivo principal de los mafiosos y se ven obligados a huir por las calles de Nueva York. En la huida no solo se enfrenta a sus antiguos conocidos sino a una red criminal como las que actualmente nos rodean.
Lejos del glamour de Hollywood como estilaba siempre Cassavetes, ambienta la historia en una ciudad de callejones y apartamentos pequeños que reflejan la vulnerabilidad de los protagonistas. Los exteriores de Nueva York funcionan como protagonistas urbanos de una crudeza inquietante.
Gena Rowlands, lleva el peso central del relato con su poderoso personaje, en este uno de los films de mayor repercusión comercial de Cassavetes. La esposa del director (y su musa creativa), ofrece una actuación memorable, que la hizo merecedora de justos reconocimientos.

A las 22 hs.: "MÄRAMA"


"Märama"
Nueva Zelanda, 2025. 89'. Dir. Toa Stappard.Una joven maorí viaja desde Nueva Zelanda hasta los páramos desolados de North Yorkshire para investigar sus orígenes familiares. Tras la muerte del hombre que la había citado, Mary Stevens se ve atrapada en la remota mansión Hawkser Manor.
En los sombríos pasillos de la mansión aparecen visiones ancestrales que revelan un misterio aterrador. Mary, pronto descubre que su linaje está entrelazado con la historia de explotación y brutalidad de su anfitrión.
Con una atmósfera clásica de terror gótico pero atravesado por la cosmovisión y las tradiciones maoríes, el film prioriza la construcción de una atmósfera de tensión y el desarrollo psicológico sobre las sustos fáciles o la acción trepidante.
Mediante elementos sobrenaturales, como las visiones de la protagonista, explora el trauma intergeneracional y conecta con una crítica más profunda sobre la apropiación cultural.
Opera prima del director neozelandés quien declaró que su inspiración proviene en parte de las películas de Jordan Peele, como Get Out (Déjame salir), buscando crear un cine de terror con un fuerte componente social y político.

Subsecretaría de Cultura de AMR
En el próximo encuentro, a las 20, una imagen vívida de las batallas diarias que enfrenta la fuerza laboral invisible que mantiene la maquinaria urbana en funcionamiento, la vida de un mensajero de bicicleta indocumentado en París. A las 22 se verá la última de la sesión ANIME, una historia que enfatiza el trabajo artesanal y la búsqueda de la realización personal por encima de lo material.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "LA HISTORIA DE SOULEYMANE"


"La historia de Souleymane"
Francia, 2024. 92'. Dir.: Boris Lojkine.

Cannes: Un Certain Regard: Premio del Jurado, Un Certain Regard: Mejor actor (Abou Sangare); Premios César: Mejor actriz secundaria (Nina Meurisse), Mejor actor revelación (Abou Sangare), Mejor guión original (Boris Lojkine, Delphine Agut), Mejor montaje (Xavier Sirven); Premios del Cine Europeo EFA: Mejor actor (Abou Sangare), Mejor sonido (Marc-Olivier Brullé, Pierre Bariaud, Charlotte Butrak, Samuel Aïchoun, Rodrigo Diaz); Premios Image: Mejor película internacional.
El director francés Boris Lojkine revela una historia de lucha y supervivencia en su nueva película, combinando a la perfección el realismo social con la tensión de un thriller de alta frecuencia, ambientada en la vibrante metrópolis de París.
La película profundiza en la vida de un mensajero de bicicleta indocumentado, con un retrato de gran octanaje y resiliencia urbana. A través del implacable pedaleo de Souleymane en la ‘ciudad de las luces’, Lojkine pinta una imagen vívida de las batallas diarias que enfrenta la fuerza laboral invisible que mantiene la maquinaria urbana en funcionamiento.
La historia de Souleymane comienza con el protagonista, Souleymane (Abou Sangare), esperando nervioso su entrevista de asilo como refugiado. La ansiedad y la anticipación preparan el escenario para un flashback que rastrea sus peripecias dos días antes.
Souleymane, como muchos de sus compañeros, está atrapado en el dominio implacable de la economía ‘independiente’, trabajando para una aplicación de entrega de alimentos bajo otra identidad debido a su estado de indocumentado. Esta situación lo deja vulnerable a la superexplotación y atrapado en un esquema Ponzi humano, perpetuando un ciclo de dependencia y abuso.
Lojkine toma un drama social realista de refugiados y lo rediseña como un thriller sobre dos ruedas. Este ritmo implacable y el peligro constante amplifican la tensión de la película, convirtiendo la vida cotidiana de Souleymane en una carrera contra el tiempo y las circunstancias.
Lojkine decidió elegir al actor no profesional Abou Sangare de 23 años, que, al igual que su personaje, había solicitado asilo en Francia. El elenco de reparto de la película, compuesto principalmente por verdaderos trabajadores de plataformas, afirma aún más la narrativa en la realidad, ofreciendo una mirada sin filtros al submundo de la precariedad. Esta elección suma ecos de experiencias genuinas y hace de esta pequeña gran película, una representación poderosa y cruda de la vida en los márgenes.

A las 22 hs.: "SUSURROS DEL CORAZÓN"


"Susurros del corazón"
Japón, 1995. 111'. Dir. Yoshifumi Kondô.
Guion: Hayao Miyazaki. Manga: Aoi Hîragi. Studio Ghibli.

En sus vacaciones de verano, Shizuku Tsukishima, una estudiante de secundaria de 14 años, soñadora y amante de los libros, descubre que un misterioso chico llamado Seiji Amasawa ha leído todos los mismos libros que ella, mucho antes de que ella los tomara prestados.
Intrigada, comienza una búsqueda para conocerlo. Cuando descubre quién es Seiji, un joven que está aprendiendo el arte de fabricar violines, comienza un viaje de autodescubrimiento que la impulsa a encontrar su propio talento y propósito en la vida escribiendo una historia.
El proceso creativo y la búsqueda de la propia voz de Shizuku son el motor de la historia totalmente alejado de los clichés del género. Uno de los films más singulares de Studio Ghibli, ambientado en un mundo completamente realista y contemporáneo, sin elementos de fantasía en su trama principal.
Famosa por su detallada animación de pequeños gestos y movimientos que aportan un gran realismo y densidad a los personajes, su equipo de animación fue liderado por el director Kondô y el guión y storyboard fueron de Hayao Miyazaki. Los fondos y entornos son extraordinariamente ricos y detallados y evocan una atmósfera casi palpable.
Producida en un momento clave para Ghibli y Japón, está basada en el manga homónimo de Aoi Hiiragi, publicado en 1989. En su estreno resonó profundamente con el público japonés que comenzaba a sentir el fin de la burbuja económica. La historia enfatiza el trabajo artesanal y la búsqueda de la realización personal por encima de lo material, trasluce además un sutil aprecio por lo cotidiano en momentos de incertidumbre.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El próximo martes se podrán ver dos films muy interesantes. A las 20, uno de los más importantes del ganador del Oscar W. Friedkin. A las 22, en la sección ANIME, un thriller oscuro y erótico de Kawajiri.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "VIVIR Y MORIR EN L.A."


"Vivir y morir en L.A."
Estados Unidos, 1985. 105'. Dir. William Friedkin.

Richard Chance (William Petersen), un agente del Servicio Secreto de Los Ángeles inicia una cruzada personal y obsesiva para capturar a Rick Masters (Willem Dafoe), un brillante y frío falsificador de dinero que asesinó a su antiguo mentor.
Junto a su nuevo y metódico compañero, John Vukovich, Chance se adentra en una peligrosa cacería por la ciudad de Los Ángeles, dispuesto a saltarse todas las reglas para conseguir su objetivo. En esta persecución incansable, la línea que separa a los "buenos" de los "malos" se vuelve borrosa. Los métodos del agente secreto son cada vez más cuestionables y llega a poner en peligro su propia integridad y la de su compañero.
Las zonas marginales y decadentes de Los Ángeles bajo un sol abrasador, muestran un paisaje muy alejado de los íconos de la ciudad de las estrellas. Basada en la novela homónima de Gerald Petievich, un ex agente del Servicio Secreto, Friedkin construye su magistral narrativa a través de la acción misma y la puesta en escena precisa en la que destaca unas de sus especialidades, la escena de persecución en coches impresionante y brillantemente montada, otro de los muchos placeres de esta elegante película criminal. Y oscura también claro, donde hay agentes secretos, hay infamias, conspiraciones soterradas, etcétera; la gran diferencia es cómo las relata Friedkin.
W. Friedkin, aclamado director responsable de clásicos como El Exorcista (1973) y Contacto en Francia, de quien ya se proyectó Killer Joe en CCR, logra acá una radiografía de la cínica era Reagan, donde el dinero lo es todo, el engaño aplasta los sentimientos y la moral se vuelve un concepto difuso.

A las 22 hs.: "WICKED CITY"


"Wicked city"
Japón, 1987. 82'. Dir. Yoshiaki Kawajiri.

En un futuro cercano, en las sombras de un Tokio futurista, la humanidad coexiste en secreto con criaturas demoníacas del "Mundo Negro", una dimensión paralela. Mantienen una frágil paz gracias a un tratado centenario que está a punto de renovarse. Pero una facción radical demoníaca lo quiere sabotear a cualquier precio.
Para mantener la paz entre ambos mundos, existe una organización de agentes secretos llamada la Guardia Negra. Renzaburo Taki, uno de sus mejores agentes, es asignado a una misión crítica: proteger al anciano y excéntrico Dr. Giuseppe Mayart, quien debe firmar un nuevo tratado de paz.
Taki, junto a su compañera Makie, una seductora agente del otro lado deberán enfrentarse a una facción radical del Mundo Negro que planea sabotear el acuerdo y desatar el caos en el mundo humano.
Entre mutaciones grotescas, tradiciones sangrientas y una química peligrosa, enfrentan asesinos multidimensionales en una carrera contrarreloj por evitar una guerra total.
Ejemplo fundamental del cyberpunk y el neo-noir en el anime de los 80, Wicked City es además un thriller erótico, de horror visceral y visualmente original al estilo Kawajiri.

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El próximo martes la propuesta es variada. A las 20, el film de uno de los cineastas palestinos más singulares y reconocidos del cine mundial. A las 22, sigue la cuarta Sección ANIMÉ con una obra de Yoshiaki Kawajiri.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "INTERVENCIÓN DIVINA"


"Intervención Divina"
Palestina, 2002. 92'. Dir. Elía Suleiman.

Cannes: Premio del Jurado, Premio FIPRESCI; Premios del Cine Europeo: Premio Screen International - Film no europeo. Festival de Chicago: Premio del Jurado.
Elia Suleiman (Nazaret, 1960) es uno de los cineastas palestinos más singulares y reconocidos del cine mundial. Autodidacta, salió de Palestina primero a Londres, donde el crítico y escritor John Berger marcó profundamente su mirada. En 1982 emigró ilegalmente a Nueva York, y fue allí donde el cine lo absorbió del todo, antes de regresar a Palestina para dar clases en la Universidad de Birzeit. Recibe de Ozu y Buster Keaton fuertes influencias: la observación sostenida, los conflictos generacionales y amorosos, el humor irónico.
Su cine es radicalmente personal: él mismo protagoniza sus películas encarnando a un alter ego silencioso, exiliado permanente, casi inmóvil, que observa el mundo con asombro y melancolía. No denuncia ni explica, sugiere con el absurdo como herramienta política y concibe un film conmovedor, provocativo, de maravillosa extrañeza.
Intervención Divina es parte de su trilogía sobre la identidad palestina en donde E.S., interpretado por el propio Suleiman, se enamora de una mujer palestina de Ramala. Su amor se desarrolla en los márgenes de un territorio fragmentado y se encuentran a escondidas en el estacionamiento de un control militar israelí que separa sus dos mundos.
Suleiman aborda la violencia y la opresión a través de lo cotidiano y narra a partir de viñetas y gags visuales la vida bajo la ocupación. Con humor surrealista logra contar un conflicto trágico; y una narrativa fragmentaria que refleja la naturaleza interrumpida y dislocada de la vida cotidiana bajo ocupación. Su cine explora la pertenencia y la experiencia palestina, siempre desde una perspectiva poética y cargada de un humor sutil y filoso.

A las 22 hs.: "NINJA SCROLL"


"Ninja Scroll"
Japón, 1993. 94'. Dir. Yoshiaki Kawajiri.

Jubei Kibagami es un hábil y cínico ninja sin amo, un ronin, y vaga por el Japón feudal vendiendo sus servicios como guerrero a sueldo. Su vida es relativamente sencilla pero todo cambia cuando decide defender a una joven muchacha de un grupo de humanos de origen demoníaco.
En uno de sus viajes se cruza con la masacre de un equipo de ninjas del clan Kōga en una aldea envenenada. La única superviviente es Kagero, una bella kunoichi, una ninja femenina cuyo cuerpo es letal al contacto debido a un entrenamiento con venenos. Jubei se ve obligado a protegerla y une fuerzas con un anciano monje espía del shogunato, Dakuan. Juntos se enfrentarán a los "Ocho Demonios de Kimon", un grupo de guerreros con poderes fabulosos que sirven al misterioso "Shogun de las Tinieblas".
Incluso al día de hoy Ninja Scroll sigue siendo la película que definió y consolidó el concepto de 'hiperviolencia', que marcó el rumbo para todas las obras basadas en ninjas que le siguieron. Con una estética dark ultra detallada, sus personajes son grotescos y monstruosos, en ámbitos muy diferentes a los pintorescos paisajes y escenarios típicos del Japón feudal.
Se presenta, en esta segunda función de la Sección, un verdadero clásico del animé para adultos del genial Yoshiaki Kawajiri, que remixa el género jidaigeki -o chanbara–, cine de samuráis con fantasías sobrenaturales y terroríficas.

Subsecretaría de Cultura de AMR
Este martes 14/7 el Cine Club propone dos films increíbles para no perderse. A las 20, Fellini con una de sus películas más personales y autobiográficas. A las 22, una de Carpenter, imperdible como toda su obra.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "ROMA"


"Roma"
Italia, 1972. 128'. Dir.: Federico Fellini.

Festival de Cannes: Premio Técnico (Federico Fellini); Premios del Sindicato de Críticos de Cine Franceses: Mejor film extranjero.
La construcción del metro de Roma deja al descubierto una casa llena de pinturas murales, una de ellas representa a una dama de la aristocracia romana, que organiza unos muy originales desfiles de moda en su casa. Los espectáculos de la noche romana, las casas de tolerancia de la época y los recuerdos llenos de Julio César y Nerón de los años de escuela del propio Fellini, arman el gran mosaico que es este film.
Sin una trama lineal convencional, se presenta como un viaje a través de los recuerdos y las experiencias de Fellini en Roma, desde su llegada como un joven pueblerino en 1938, hasta la época en que la película fue rodada, la década de 1970.
Viñetas, impresiones y secuencias capturan la esencia caótica y contradictoria de la ciudad. No hay un protagonista claro ni un conflicto. El personaje central es la propia Roma, con su grandeza histórica y su decadencia moderna, una mezcla de nostalgia, sátira y humor.
Con un estilo visual que combina registros aparentemente crudos con otros hiper estetizados, más la banda sonora compuesta por el colaborador habitual de Fellini, Nino Rota, crean la atmósfera onírica y burlesca a la vez que caracteriza a la película.
Retrato autobiográfico y de ensueño, después de 8 y medio, Roma es una de las películas más personales y autobiográficas de Fellini, donde el director vuelca su fascinación, su visión "amarga y humorística", por la ciudad que fue su hogar durante gran parte de su vida.

A las 22 hs.: "VAMPIROS"


"Vampiros"
Estados Unidos, 1998. 107'. Dir. John Carpenter.

Premios Saturn: Mejor actor (James Woods), Mejor música (John Carpenter), Mejor maquillaje (Robert Kurtzman, Greg Nicotero, Howard Berger).
Jack Crow, interpretado por James Woods, es un cazador y exterminador de vampiros financiado por el Vaticano. Para el mercenario estos seres lejos de ser románticos y atractivos son una amenaza bestial que debe ser eliminada. Luego de erradicar un “nido” en Nuevo México, el grupo celebra en un motel, pero son emboscados por Valek, un poderoso vampiro de 600 años.
Crow el exterminador, su socio Montoya y Katrina, una prostituta que ha sido mordida por Valek, son los únicos sobrevivientes. Utilizando el vínculo psíquico que une a Katrina con el vampiro, Crow planea encontrarlo y evitar así que Valek dé con un artefacto llamado la Cruz de Berziers, que le otorgaría a él y a toda su especie el poder de caminar bajo la luz del sol, haciéndolos prácticamente invencibles.
La visión del maestro del terror, sobre el mito del vampiro es un híbrido de terror, acción y western. Esa combinación tan particular de Carpenter, tiene también como en la mayoría de sus obras, a un protagonista antihéroe; Jack Crow es un personaje cínico, socarrón y duro, que vive en un mundo moralmente gris, haciéndolo estallar a cada paso.
Cierto tono spaghetti western pero en el desierto de Nuevo México, entre paisajes áridos, planos abiertos a lo Howard Hawks y una atmósfera de frontera salvaje, cubren en el film la habitual mirada gótica y romántica de los vampiros y nos ofrece una versión más brutal, gore y divertida.