Author - ozanarello

Subsecretaría de Cultura de AMR
El martes 30 el Cine Club propone dos grandes títulos de Peter Bogdanovich, polifacético director de obras que marcaron historia, y apasionado cinéfilo que nos legó libros indispensables sobre John Ford y Orson Welles entre otros.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "QUE PASA DOC"


"Que pasa Doc"
Estados Unidos, 1972. 94'. Dir. Peter Bogdanovich.

Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guión original comedia (Buck Henry, David Newman, Robert Benton).
“Howard” Bannister (Ryan O'Neal) es un despistado profesor de música que viaja a San Francisco con su novia para participar de una convención, presentar una revolucionaria investigación sobre el rock and roll en un concurso y obtener una beca de investigación. Allí conoce a Judy Maxwell (Barbra Streisand), una joven vital y despreocupada con la que vivirá las situaciones más disparatadas.
Judy es algo excéntrica, perspicaz y rápidamente se siente atraída por Howard. En su empeño por conquistarlo, desencadena una serie de malentendidos, persecuciones y situaciones desopilantes. Confusiones narrativas, caídas, golpes, persecuciones, y cruces románticos motorizan la película, con referencias en el cine de Buster Keaton, Harold Lloyd y claramente basada en las Screwball comedies de los ‘30, Qué pasa Doctor volvió a instalar en los ‘70 ese aire fresco de la comedia disparatada.
Con su estilo brillante y colorido Bogdanovich homenajea a las comedias de la época dorada de Hollywood, e imprime al relato ese ritmo vertiginoso y divertido de las obras de Howard Hawks como La adorable revoltosa que se vio hace poco en Cine Club, con diálogos llenos de réplicas ingeniosas y dobles sentidos, y la mirada cómplice de la Streissand.
Ver este film sin duda hará entender por qué se revisa la obra y se quiere a este gran director y guionista, que fue además un cinéfilo consecuente y biógrafo de John Ford y Orson Welles.

A las 22 hs.: "TARGETS"


"Targets"
Estados Unidos, 1968. 86'. Dir. Peter Bogdanovich.

Byron Orlok (Boris Karloff) es un veterano del cine de terror que, hastiado, anuncia su retiro. Orlok considera que el horror de sus películas ya no asusta comparado con la violencia real que se ve en las noticias. Por otro lado, Bobby Thompson (Tim O'Kelly), un joven veterano de Vietnam, que parece llevar una vida familiar tranquila y conservadora, cometerá actos de violencia inusitados hasta entonces. El joven y ambicioso director Sammy Michaels, interpretado por el mismo Bogdanovich, convence al actor para interpretar un último papel distinto a los habituales. Orlok acepta participar del film como su retirada del mundo del cine.
Mientras Thompson se convierte en ‘francotirador social’, un caso de esos tremendos en los que la realidad supera largamente a la ficción cinematográfica. El destino de ambos los encuentra paradójicamente en un autocine; el horror de la ficción se encuentra con el terror real y moderno, obviamente más espeluznante. El monstruo cinematográfico tendrá que enfrentarse al monstruo real.
Bogdanovich recibió el dinero para hacer la película de Roger Corman, quien también le permitió usar extensas imágenes de la película de Corman sobre Poe The Terror en las secuencias en el autocine, donde tiene lugar una de las secuencias antológicas de este film. El resultado es una exploración sobre la relación entre el mundo interior de la imaginación y el mundo exterior de la violencia y la paranoia, que siguen siendo relevantes en los traumas estadounidenses contemporáneos.
Opera prima de Bogdanovich, impactante por la violencia representada en Targets, especialmente el tiroteo masivo, adquirió una relevancia escalofriante ya que se estrenó poco después de los asesinatos de Martin Luther King Jr. y Robert Kennedy. El mito destructivo del imperio continúa hasta nuestros días, y esta película podría ser una especie de declaración moral sobre el control de armas, lo que le da un plus valor premonitorio a este gran film de Bogdanovich.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El martes 23 se verán dos films bien diferentes. A las 20, una historia que narra la violencia poéticamente. A las 22, la segunda de la Sección Warhol en el Cine, dirigida por Paul Morrisey, que equilibra lo sórdido con lo bello.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "NOCHE DE FUEGO"


"Noche de fuego"
México, 2021. 110'. Dir. Tatiana Huezo.

Festival de Cannes: Un Certain Regard: Mención Especial del Jurado. Festival de San Sebastián: Premio Horizontes (Mejor película latinoamericana), Premio Cooperación Española, Premio TVE "Otra mirada"; Asociación de Críticos de Los Ángeles (LAFCA): Premio Nueva generación (Tatiana Huezo); XXVII Premios Forqué: Mejor película latinoamericana; Festival Internacional de Chicago: Mención honorífica; Premios Ariel Academia Mexicana: Mejor película, Mejor coactuación femenina (Mayra Batalla), Mejor guión adaptado (Tatiana Huezo), Mejor fotografía (Dariela Ludlow), Mejor sonido (Lena Esquenazi, Federico G. Jordan, Paulo Gama) Mejor efectos especiales (Ricardo Arvizu Jr.).
Aisladas, en las montañas de México, una zona donde el control lo ejerce el narcotráfico y la ley es prácticamente inexistente, viven Ana y sus dos mejores amigas, Paula y María, junto a sus familias. En este entorno hostil, las madres de las chicas tienen el terror constante de que sus hijas sean secuestradas. Para protegerlas, adoptan medidas drásticas como cortarles el cabello y vestirlas como niños para ocultar su feminidad.
La trama se centra en su día a día, sus juegos, sus sueños y la pérdida de su niñez, todo ello bajo la sombra de una amenaza que nunca se muestra de manera explícita, pero que se siente en cada silencio y en cada mirada de sus madres. La infancia y la inocencia son quebradas por la violencia que las rodea.
Primera película de ficción de la reconocida documentalista salvadoreña Tatiana Huezo, está basada libremente en la novela "Prayers for the Stolen (Ladydi)" de Jennifer Clement. La cámara se detiene en los campos de amapolas rojas, los atardeceres, la inmensidad de la montaña para mostrarnos la cotidianidad de las chicas y contar un entorno violento de manera poética.

A las 22 hs.: "BLOOD FOR DRACULA"


"Blood For Dracula"
Italia, 1974. 103'. Dir. Paul Morrisey.

Volvemos a encontrarnos con el genial Udo Kier, esta vez como el Conde Drácula, un enfermizo y decadente vampiro que necesita desesperadamente sangre de jóvenes vírgenes para no permanecer eternamente en su ataúd. Antón, su asistente, le sugiere que viaje a Italia, país muy católico donde le será más fácil encontrar vírgenes. El conde emprende viaje desde Rumania hasta la Italia prefascista de los años 20.
Allí conoce a una familia con cuatro hijas en edad de casarse, pero no resultan ser tan puras como parecían. Mientras, Mario Balato (Joe Dallesandro), un apuesto sirviente de ideas comunistas, sospecha del Conde y lo vigila, Drácula tendrá que averiguar cuál de las chicas es realmente virgen antes de que se le acabe el tiempo.
Morrissey se define por una puesta en escena provocadora que mezcla lo sórdido con lo bello. El conflicto no es entre el bien y el mal, sino entre un mundo viejo que se extingue y uno nuevo que emerge de forma igualmente brutal.
Rodada con un presupuesto muy reducido, la película se hizo de forma muy rápida y aprovechó el mismo equipo y elenco principal que Flesh for Frankenstein (que se proyectó recientemente en Cine Club). Producida por Andy Warhol y Carlo Ponti, el erotismo y el morbo se presentan en múltiples escenas lo que la convirtió en una película transgresora para su época. Hoy es considerada un clásico de culto del cine de terror independiente.

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Este martes 9/6 empieza a las 20 con la Sección “Una comedia por favor!”; se verá una película que marcó un hito en el cine de humor. A las 22, una versión del mito de Frankenstein que es un viaje extremo de horror gore con comedia camp.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "LA ADORABLE REVOLTOSA"


"La Adorable Revoltosa"
Estados Unidos, 1938. 102'. Dir. Howard Hawks.

El doctor David Huxley (Cary Grant) es un paleontólogo tranquilo y algo despistado que está a punto de terminar de reconstruir el esqueleto de un brontosaurio, sólo le falta una clavícula intercostal. También está a punto de casarse con su eficiente secretaria. Ocupado en la búsqueda de un mecenas para el museo, tiene la suerte o maldición de conocer a la encantadora, alocada y absolutamente impredecible Susan Vance (Katharine Hepburn).
La metódica vida del paleontólogo se desmorona, entre malentendidos catastróficos, caprichos de ricos, perros, huesos y hasta un leopardo.
Planteada como una constante batalla de los sexos que impulsa la acción, la mujer como el total caos y el hombre intentando mantener el control, la película que marcó un hito en el cine de humor, se despliega a ritmo entre gags desopilantes, diálogos rápidos y brillantes.
Maestro de múltiples géneros, desde el gánster y el western hasta el musical, Hawks es uno de los más grandes cineastas de la edad de oro de Hollywood. A pesar del fracaso inicial en las taquillas la película fue redescubierta por los críticos cinéfilos en los 50 y es considerada un clásico indiscutible, emblema de las Screwball comedies.

A las 22 hs.: "FLESH FOR FRANKESTEIN"


"Flesh for Frankestein"
Italia, 1973. 95'. Dir. Paul Morrissey.

Obra cumbre del Cinema della Transgressione (Cine de la Transgresión) de los ‘70. Esta versión del mito de Frankenstein es un viaje extremo de horror gore con comedia camp. Udo Kier con su mirada penetrante es el Barón Frankenstein, un científico loco casado con su hermana. Más emparentado con Mengele, está empeñado en crear una raza de humanos a partir de trozos de cadáveres mutilados y cosidos. Quiere crear al hombre perfecto y a la mujer perfecta, que se reproduzcan y den origen a una "raza superior" que le obedezca a él.
Junto a su sumiso ayudante Otto "cosechan" las partes necesarias para su experimento: un torso, una cabeza, extremidades. El problema surge con la cabeza para su Adán, pues por error toman el cerebro de un hombre que iba a convertirse en monje en lugar de la de un "súper-amante" (Vale marcar que este Frankestein se hizo dos años antes de la joya de Mel Brooks…). Y claro, aquí la criatura masculina muestra nulo interés en cumplir con sus deberes hetero de "procreación" con la magnífica Eva que le han creado para 'matchar'. Y por si faltaba algún sendero tenebroso, la esposa del Barón tiene un hambre sexual insaciable, acaba fijándose en la criatura y todo deriva a un sangriento pandemonium.
Violencia extrema y gore explícito, lanzamiento de vísceras, cabezas cortadas, chorros de sangre, bordan un estilo único entre registro seco y a la vez estetizado y grotesco. Rodada íntegramente en Spacevision 3-D, una rareza en la época, unas pocas veces se pudo proyectar en 3D, y se difundió mucho tiempo una versión recortada, hasta que se reconstruyó y restauró.
Este film y otro como Blood for Drácula son parte de la incursión de Morrissey en Italia con la producción de Carlo Ponti. Continuaba la participación de Warhol como productor ejecutivo que tendió el puente. Morrissey era su director cómplice con su propio juego creativo y había descubierto a Joe D'Alessandro que se transformó en la Superstar preferida de la Factoría Warhol.

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El primer martes de junio, a las 20, una mordaz sátira que explora la degradación ética de la televisión y la peligrosa fusión entre el periodismo y el espectáculo. A las 22, la historia de un sociópata disfrazado de emprendedor sin escrúpulos, que descubre cómo ganar dinero en el mundo del periodismo criminalista, o sensacionalista.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "NETWORK"


"Network" (Poder que mata)
Estados Unidos, 1976. 121'. Dir. Sidney Lumet.

Oscar: Mejor guion original (Paddy Chayefsky), Mejor actriz principal (Faye Dunaway), Mejor actor principal (Peter Finch), Mejor actriz de reparto (Beatrice Straight); Globos de Oro: Mejor dirección (Sidney Lumet), Mejor actor principal - Drama (Peter Finch), Mejor actriz principal - Drama (Faye Dunaway), Mejor guión (Paddy Chayefsky); Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guion original drama (Paddy Chayefsky); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor guión (Paddy Chayefsky); Asociación de Críticos de Los Ángeles: Mejor película, Mejor dirección (Sidney Lumet), Mejor guión (Paddy Chayefsky).
Howard Beale, un veterano presentador de un informativo nocturno en decadencia, es despedido debido a la baja audiencia de su programa. Antes de abandonar el canal y su noticiero, desesperado y al borde de un colapso nervioso, Beale anuncia en vivo que se suicidará en pantalla durante su último programa.
El anuncio del presentador provoca un aumento masivo de la audiencia y los ejecutivos de la cadena UBS, liderados por la despiadada productora Diana Christensen, ven una oportunidad de oro. Transforman a Beale en el "profeta furioso de la ira televisiva" y le dan su propio programa para lanzar arengas contra el sistema.
Con estilo rústico y documental, el uso de la cámara en mano y la iluminación de alto contraste entre tonos fríos y azulados, reflejan la frialdad del mundo corporativo mediático y la inestabilidad mental de Beale. Con fragmentos que parecen sacados de un noticiero real o de un reality show, Lumet anticipa y desnuda la estética y manipulación de la televisión moderna.
Realizada en un contexto político particular, la derrota de EEUU en la Guerra de Vietnam, el caso Watergate que en 1974 develó la corrupción en las más altas esferas del poder y la crisis del petróleo, el film resultó ser profético. Una mordaz sátira que explora la degradación ética de la televisión y la peligrosa fusión entre el periodismo y el espectáculo, tan difícil de distinguir en la actualidad.

A las 22 hs.: "NIGHTCRAWLER"


"Nightcrawler"
Estados Unidos, 2014. Dir. Dan Gilroy.

Independent Spirit Awards: Mejor guión (Dan Gilroy), Mejor ópera prima; Asociación de Críticos de Boston: Mejor dirección novel (Dan Gilroy); Premios Saturn: Mejor actriz de reparto (René Russo); Satellite Awards (International Press Academy): Mejor guion original (Dan Gilroy).
Ser testigo de un accidente le dio a Lou Bloom, un joven desempleado y sin escrúpulos, la idea de como ganar dinero en el mundo del periodismo criminalista, o sensacionalista, de Los Ángeles. Venía desesperado y sobreviviendo al borde del crimen, hasta que una noche presencia un fatal accidente y descubre a un "nightcrawler", como se conoce a estos video periodistas, grabando la escena cruda para vender el material a un canal local.
La posibilidad de ganar dinero atrapa a Lou que rápidamente se compra una cámara de vídeo y una radio policial para recorrer las calles de Los Ángeles en busca de imágenes violentas. Sin límites morales se puede hacer cualquier cosa para subir el rating y las ganancias.
El canal comienza a exigirle material cada vez más explícito y brutal para aumentar la audiencia. La ambición de Lou se desborda, se vuelve más competitivo y peligroso. No le importan los sentimientos o las leyes. Hace lo que sea con tal de obtener las imágenes más truculentas, más "interesantes".
Robert Elswit, colaborador habitual de Paul Thomas Anderson, es el encargado de la fotografía y aporta una estética noir y estilizada de la noche en una Los Ángeles inusual, entre barrios bajos, avenidas desiertas llenas de homeless y personajes curiosos. La ciudad que es un ecosistema perfecto para depredadores como Lou, un sociópata disfrazado de emprendedor, que habla constantemente con frases hechas de autoayuda empresarial y cursos de superación personal para escalar en el mundo de los negocios.
Con una tensión creciente e implacable, es clave la transformación física y mental del personaje interpretado por Jake Gyllenhaal, como una presencia perturbadora que domina cada escena. Con el ritmo potente de una narración audaz y retorcida, que sumerge en un planteo inquietante de vigencia permanente.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El martes 26, el Cine Club propone un 'doblete' del genial Orson Welles. A las 20, la película que comienza con una de las tomas más virtuosas y famosas jamás hechas, un plano secuencia que anticipa lo laberíntico de la historia. A las 22, una de sus obras más influyentes y una precursora del ensayo cinematográfico moderno.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "SED DE MAL"


"Sed de mal"
Estados Unidos, 1958. 110'. Dir. Orson Welles.

"Quinlan: Vamos, léeme mi futuro. Adivinadora: No tienes ningún futuro. Q: ¿Qué quieres decir? A: Que tu futuro está agotado"… Este diálogo de Sed De Mal entre el jefe policial de frontera interpretado por Welles y la adivinadora personificada por Marlene Dietrich tuvo una triste resonancia, porque después de hacer esta oscura y atmosférica historia de crimen y corrupción policial, Welles nunca volvió a ser aceptado para dirigir en Hollywood.
Fue nombrada mejor película en la Feria Mundial de cine en Bruselas de 1958 con Godard y Truffaut en el jurado, pero en EEUU tuvo taquilla floja y eso puso fin a las perspectivas de Welles de trabajar dentro del sistema de estudio que ya lo venía resistiendo hacía años -y películas–.
Sin embargo, la película siempre ha sido una de las favoritas de los que disfrutan de la extravagancia visual y solidez dramática. Por ejemplo Peter Bogdanovich, gran director y biógrafo de O.Welles, explicaba que luego de ver 5 veces la película recién le prestó atención a la historia, subyugado por la dirección, por ese manejo magistral y tan original de Welles de las materias del cine en la construcción del film.
Ese podría ser el mejor enfoque para cualquiera que vea la película por primera o segunda vez: dejar de lado la enmarañada trama, y simplemente admirar lo que está fluyendo en la pantalla. Ya desde el comienzo de la película con una de las tomas más virtuosas y famosas jamás hechas, un plano secuencia que anticipa lo laberíntico de la historia -como siempre que hay cohecho y crimen-, así como el preciosismo expresivo con el que está contada. Y vale destacar claro, que esta es la primera gran historia de tráfico de drogas y corrupción policial en cine, dualidad tan inseparable como vigente en la realidad.
Hay, como en toda obra de Orson, una coreografía espacial donde cada movimiento de actores y posiciones de cámara y luces, conectan en un universo contundente. Como la secuencia del interrogatorio en la habitación estrecha, o una de las persecuciones de la calle a un ascensor, o quizás la genial del espionaje sonoro bajo el puente.
Welles y su director de fotografía Russel Metty componen en la imagen la imbricación que va ocurriendo entre los personajes, reafirmando un relato en bucles que se enredan más que en línea recta, rasgo autoral que siempre consideramos y destacamos en las películas que programamos en Cine Club. Aunque atención a la composición sonora de este film, que discurre como un afluente oscuro, lleno de claves de las intrigas que se traman; un mundo acústico quizás tan expresionista y vibrante como la imagen noir.
Algunos de esos bucles fueron eliminados por Universal Studios que ordenó reeditar varios momentos de la película original sin respetar ‘el patrón visual’ de Welles, por lo que durante años se comercializó una versión confusa de 95 minutos. Luego tardíamente y por lo reclamos de Welles, se lanzó una versión de 108 minutos que aún reflejaba la intromisión del estudio. Y finalmente las intenciones originales de Welles fueron respetadas en una versión restaurada de 1h 50 minutos, que contiene 50 cambios explicados en un memorando de 58 páginas que el director solicitó al estudio. Esta versión fue producida por Rick Schmidlin, editada por el gran montajista Walter Murch basándose también en un artículo crucial del crítico de Chicago Reader Jonathan Rosenbaum. Y es la versión que se proyectará este martes en CCR.

A las 22 hs.: "F FOR FAKE"


"F for fake"
Francia, 1973. 85'. Dir. Orson Welles.

Collage que Orson Welles teje a partir de imágenes reales y recreaciones para explorar la delgada línea entre la verdad y la mentira. "Documental" sobre el arte del engaño sin un narrador confiable.
El relato sigue la historia de Elmyr de Hory, célebre falsificador de arte y Clifford Irving, su biógrafo. Al mismo tiempo que escribe sobre la falsificación de arte, Irving orquesta uno de los mayores fraudes literarios del siglo XX: una falsa autobiografía del excéntrico multimillonario Howard Hughes que luego presentó como auténtica.
A partir de montajes ingeniosos y anécdotas autobiográficas, que incluyen su famoso radioteatro de La Guerra de los Mundos, Welles nos mete en un laberinto de espejos donde nada es lo que parece, y juega constantemente con la complicidad del espectador.
El montaje es prácticamente un protagonista. Vertiginoso y aparentemente caótico, salta sin avisar entre temas, épocas y lugares; Ibiza, París, Hollywood. Mediante asociaciones libres obliga al espectador a estar en constante y gozoso estado de alerta.
Considerado uno de los más grandes cineastas de la historia, Welles realizó esta película en uno de los momentos más complicados de su carrera. Tras décadas luchando contra los estudios de Hollywood para financiar sus proyectos, vivía exiliado en Europa, actuando en películas ajenas para recaudar dinero y filmar las suyas.
Durante mucho tiempo F for Fake fue considerada una rareza menor en su filmografía. Con el tiempo, la crítica la reivindicó como una de sus obras más influyentes y una precursora del ensayo cinematográfico moderno. Welles, gran inventor del arte cinematográfico moderno, siempre experimentando en libertad, modesta en recursos, exuberante en creatividad.

Subsecretaría de Cultura de AMR
Para el martes 19 el Cine Club propone una doble función en espejo temático. A las 20, la opera prima de Alex Garland, un director con preocupaciones filosóficas. A las 22, una aguda y oscura fábula sobre el abuso de poder y la servidumbre tecnológica.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "EX MACHINA"


"Ex Machina"
Reino Unido, 2014. 101'. Dir. Alex Garland.

Oscar: Mejores efectos visuales (Andrew Whitehurst, Paul Norris, Sara Bennett); British Independent Film Awards: Mejor película británica independiente, Mejor dirección (Alex Garland), Mejor guion (Alex Garland), Premio a la contribución artística (Andrew Whitehurst (VFX)); Asociación de Críticos de Boston: Mejor dirección novel (Alex Garland); Asociación de Críticos de Chicago: Mejor actriz secundaria (Alicia Vikander), Mejor dirección novel (Alex Garland); Critics Choice Awards: Mejor película de ciencia-ficción/terror; Directors Guild of America (DGA): Mejor dirección novel (Alex Garland); Asociación de Críticos de Los Ángeles: Mejor actriz secundaria (Alicia Vikander).
Tras ganar un concurso interno para un ‘desarrollo’ novedoso, Caleb, un joven empleado en una importante empresa de tecnología high tech, es invitado a pasar una semana en la remota y lujosa residencia de montaña del enigmático director ejecutivo de la compañía. No es la mansión de Thiel en Argentina, ni el castillo de Elon Musk, la película no está claramente datada ni localizada, aunque es claramente contemporánea.
Al llegar el protagonista a destino, descubre que el premio no son solo unas vacaciones. El jefe le revela que ha estado trabajando en un proyecto revolucionario: la primera inteligencia artificial consciente, alojada en el cuerpo de un androide de aspecto humano llamado Ava. La misión de Caleb es interactuar durante siete días con Ava para determinar si ella posee una conciencia genuina y emociones reales, o si solo simula ser humana.
Las sesiones avanzan y la relación entre los personajes se vuelve cada vez más compleja y tensa, pues la divisoria entre la confianza, la manipulación y la supervivencia se diluye.
Una pieza digna de la soberbia de títulos revulsivos como Under the Skin (de J. Glazer que se proyectó ya en Cine Club Rosario). Y con esa especie de actitud cinematográfica de examinar lo que constituye la identidad humana, y femenina en particular. Todo eso en una pieza de cámara elegante, estilizada, de sorprendente sofisticación narrativa.
Opera prima de un director con preocupaciones filosóficas, Ex Machina es un 'Frankenstein' soft de la era digital, remodelado como una batalla de los sexos, que explora la mirada masculina sobre lo femenino, la ética de la creación y la ya mítica rebelión de la tecnología informática.

A las 22 hs.: "COMPANION"


"Companion"
Estados Unidos, 2025. 97'. Dir. Drew Hancock.

Se propone un hermoso desafío para los amantes del género de terror con esta función de Compañera Perfecta, como se conoció en Latinoamérica a la segunda película del joven director Drew Hancock. Como en toda buena película, sus valores van mucho más allá de la trama, aunque este entrelazamiento de acontecimientos e intrigas también atrae.
Iris y Josh son una joven pareja enamorada que junto a un grupo de amigos van a pasar un fin de semana de ensueño en una lujosa y remota casa de campo, propiedad de un multimillonario ruso. La escapada idílica se desmorona con una muerte inesperada y salen a la luz secretos y motivaciones ocultas entre los miembros del grupo. La situación se vuelve cada vez más peligrosa. Iris se ve obligada a luchar por sobrevivir, atrapada en una compleja red de mentiras, manipulación y un macabro plan oculto.
Companion brinda muchos elementos para disfrutar, desde el ritmo fluido y los retorcimientos de trama a los refinados efectos visuales, hasta la asombrosa interpretación de la protagonista, inolvidable Sophie Thatcher.
Entre la comedia romántica, la ciencia ficción, el slasher, el thriller psicológico con un toque gore y la comedia negra, Hancock plantea una aguda y oscura fábula sobre el abuso de poder en las relaciones de pareja, la cosificación y la búsqueda de la independencia emocional.
Aunque lo sutilmente estremecedor por debajo de lo divertido y agradable del relato, es la pregunta, soterrada entre risas y no tan fácil de responder, de si un robot victimizado es inherentemente mejor que un humano tóxico y adinerado que pretende utilizarlo como nueva servidumbre tecnológica.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El próximo martes es a pedido del público. A las 20 h, iniciando la Sección “¡Una comedia por favor!”, un clásico desopilante del italiano Mario Monicelli. A las 22 h, la pequeña gran obra de culto de Saura de los ‘80.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "LA ARMADA BRANCALEONE"


"La Armada Brancaleone"
Italia, 1966. 114'. Dir. Mario Monicelli.

Un grupo de avaros, pícaros y ladrones de poca monta son liderados por un caballero muy astuto que descubre por casualidad un pergamino que concede la posesión de un feudo en el sur de Italia: Aurocastro. El caballero no tiene los títulos nobiliarios ni la formación necesaria para reclamarlo, por eso junto a estos maleantes buscan a un "señor" que pueda encabezar la empresa.
Brancaleone da Norcia, interpretado por Vittorio Gassman, es un caballero pobre y torpe pero que se toma muy en serio su código de honor. El grupo de inadaptados y parias encuentra en Brancaleone el caballero que necesitan para reclamar el feudo, y junto a él inician una épica peregrinación hacia Aurocastro.
El viaje está repleto de aventuras delirantes en las que el idealismo de su líder choca constantemente con la terrible y caótica realidad del mundo medieval que los rodea. Obstáculos, traiciones y personajes aún más estrafalarios que ellos, se cruzan en el camino en busca de la riqueza prometida.
Con una estructura de sketches, cada aventura que la pandilla vive es una lección de supervivencia en una película de ritmo ágil que explora múltiples parodias de los tópicos medievales, como los saqueos de una villa o el miedo a la peste mortal.
Totalmente innovadora y arriesgada, la película está hablada en un ingenioso idioma inventado. Mezcla grotesca de italiano antiguo, latín, dialectos, palabras inventadas y frases pomposas, suena a como imaginamos que hablaba la gente de aquella época y es una fuente inagotable de humor.
Feroz crítica social, destaca la hipocresía de la Iglesia con un monje cuyo fanatismo lo lleva al desastre, la codicia de los mercaderes y la idiota superficialidad de la nobleza. Una comedia inteligente sobre la condición humana que se convirtió en una película de culto. Y hasta en una expresión: "es un Brancaleone" se usa en Italia para describir a un grupo de personas chapuceras y mal organizadas. Y por nuestras pampas, muchos replican aún el estribillo: “Branca, Branca, Branca…” y no es para pedir un fernet.

A las 22 hs.: "DEPRISA DEPRISA"


"Deprisa Deprisa"
España, 1981. 98'. Dir. Carlos Saura.

Festival Internacional de Berlín: Oso de Oro - Mejor película.
Extendemos la ruta abierta por BADLANDS -primer gran film de T. Malick que se proyectó el martes pasado, con la pequeña gran obra de culto de Saura de los ‘80, protagonizada por jóvenes delincuentes en la España posfranquista. !Joya total!
Pablo, "el Meca", "el Sebas", y Ángela son cuatro jóvenes que quieren escapar del ambiente marginal en el que viven. Son los últimos años de la década del 70 en los suburbios de Madrid y no están dispuestos a trabajar durante años para poder ahorrar unos pocos morlacos. Ellos solo piensan en conseguir dinero rápidamente y vivir deprisa.
Para ellos trabajar como sus padres es "de pringados", por eso forman una banda de delincuentes. Viven al límite, robando para conseguir dinero, consumir heroína y huir de una realidad sin futuro ni expectativas laborales. Su única ambición es vivir deprisa, sabiendo que su destino probable es la cárcel o la muerte.
Lo que empieza como pequeños golpes se va intensificando hasta convertirse en asaltos cada vez más arriesgados. Con la “caballo” como condimento del desastre, corren entre relaciones amorosas tumultuosas y una desesperada huida hacia ningún lugar.
En una España saliendo de la represiva dictadura franquista, la película se ubica en esa transición con el legado de profunda crisis económica y pobreza, paros masivos y la llegada de la libertad, también de la plaga de la heroína que arrasó hasta en los barrios obreros.
Los protagonistas que elige Saura, son hijos del éxodo rural que viven en ranchos maltrechos y monoblocks básicos en las afueras madrileñas sin esperanza alguna en el futuro, y efectivamente delincuentes verdaderos que rodaban en permisos penitenciarios.
En un acto totalmente radical el director de La Caza y Criacuervos, elige trabajar con protagonistas reales y escoge literalmente a jóvenes de “la calle”. Algunos de ellos incluso murieron trágicamente poco después, difuminando la línea entre la ficción y la realidad.
La música es de Los Chunguitos.