Subsecretaría de Cultura de AMR
El martes 8, a las 20, un film a medio camino entre una aproximación documental y una ficción sobre la vida de una asistente de vuelo. A las 22, en la SECCIÓN OUTBACK, una obra significativa en la cinematografía australiana que aborda con sensibilidad e impacto la historia de los pueblos indígenas y su relación con los colonizadores.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "RIEN À FOUTRE"


"Rien à foutre" (Zero Fucks Given / Low Cost)
Bélgica, 2021. 110'. Dir. Emmanuel Marre y Julie Lecoustre.

Cassandra (Adèle Exarchopoulos) tiene 26 años, trabaja para una compañía aérea low cost con base en Lanzarote y, aunque el trabajo de asistente de vuelo puede parecer fascinante, las condiciones reales no lo son (“Debés guardar todas tus emociones, no pensar en tu vida personal, no pensar en nada que pueda perturbarte. Concentrate, no existe pasado ni futuro…”) Su vida, robótica y repetitiva, transcurre entre escalas, encuentros de citas ocasionales, boliches y momentos de profunda soledad hasta que…
A medio camino entre una aproximación documental al mundo de la precariedad del trabajo, con un acercamiento al estilo de los hermanos Dardenne y un estudio de personaje más intimista, “Rien à foutre”, su nombre original, o “Zero Fucks Given” (traducidos más o menos como “Me importa un Carajo” y “No te dan un Carajo” respectivamente) se presenta como un film que duda acerca de la dirección que pretende, propiamente como la misma protagonista.
Y si bien en la primera parte nos parecerá estar frente a una película de denuncia al estilo Ken Loach o los mismos Dardenne, en la cual la protagonista se bate contra un sistema de trabajo alienante, se ve que no es así cuando una de sus colegas, ante el pedido de un dirigente sindical, responde: “no tengo tiempo para la revolución “, palabras manifiesto de una generación.
Adèle Exarchopoulos, nominada por esta actuación al premio César a Mejor Actriz, rodeada de una compañía compuesta en parte por el verdadero personal de una empresa aérea (y filmada en situaciones de trabajo real), entrega al personaje una tremenda sinceridad que se refleja en su rostro donde conviven rasgos tanto infantiles como enigmáticos. Este oficio de la protagonista de andar continuamente en viaje lleva a la actriz a mostrarnos la despersonalización de quien busca esconder sus heridas. Después, para recomenzar desde cero, debe aceptar volver a sí misma y reconciliarse con los otros.
Itinerario que Lecoustre y Marre nos muestran en ésta, su ópera prima, sin moralismos ni eventos dramáticos; sino demorando el ritmo del relato en una estructura narrativa original tanto en su presentación como en la aceptación de los contrastes de la existencia.

A las 22 hs.: "THE TRACKER"


"The Tracker" (El Rastro)
Australia, 2002. 92'. Dir. Rolf de Heer.

Semana Internacional de Cine de Valladolid: Premio Especial del Jurado.
Un equipo formado por tres hombres blancos se adentran en el desierto australiano en busca de un aborigen fugitivo. Este equipo cuenta con la ayuda de un rastreador aborigen, conocido como The Tracker, quien aunque es un hombre libre, está bajo el control de los colonizadores blancos.
El rastreador guía al grupo por las tierras áridas de Australia, mientras que las tensiones raciales y de poder se intensifican. El racismo, el colonialismo y la relación entre los colonizadores blancos y los pueblos indígenas de Australia son parte central de esta narración que se desarrolla en el año 1922.
Con un innovador uso de las pinturas de Peter Coad para representar escenas de violencia en lugar de mostrar explícitamente la violencia en pantalla, Rolf de Heer logra un enfoque visual poético y reflexivo.
Obra significativa en la cinematografía australiana, que aborda con sensibilidad e impacto la historia de los pueblos indígenas y su relación con los colonizadores, The Tracker fue aclamada por la crítica y ganó varios premios, destacando especialmente la interpretación de David Gulpilil, quien fue elogiado por su trabajo como el rastreador.
Su banda sonora es otro de los elementos superlativos de este film, compuesta por Archie Roach, célebre músico aborigen, también reconocido por la crítica y el público.

Subsecretaría de Cultura de AMR
Empieza octubre con doble función. A las 20, una de las mejores comedias de terror, con Nico Cage. A las 22 comienza la sección OUTBACK, La explosión del nuevo cine australiano, con un film de Peter Weir.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "DREAM SCENARIO"


"Dream Scenario"
Estados Unidos, 2023. 96'. Dir. Kristoffer Borgli.

Paul Matthews (Nico Cage) es un académico común y corriente. Se convierte en una sensación mundial cuando comienza a aparecer en los sueños de millones de personas en todo el mundo. A pesar de no hacer nada fuera de lo ordinario, las personas empiezan a tener sueños extraños con él, lo que lo convierte en una celebridad involuntaria. Lo que comienza como algo fascinante y positivo, rápidamente toma un giro oscuro cuando los sueños empiezan a volverse inquietantes y aterradores.
Dirigida por Kristoffer Borgli, explora temas como la fama, la vida cotidiana y la cultura contemporánea a través de una historia peculiar y surrealista. Elogiado por su actuación, Cage aporta su característica y peculiar energía al papel.
Con tono satírico y un humor que sorprende desnuda la fama y la viralidad en la era digital, y abre preguntas sobre el impacto de ser una figura pública y cómo se perciben las personas que, de repente, están bajo los reflectores.
Borgli logra un perfecto equilibrio entre humor absurdo y ciencia ficción, con un toque surrealista que añade otra capa de profundidad a la historia.

A las 22 hs.: "PICNIC EN HANGING ROCK"


"Picnic en Hanging Rock"
Australia, 1975. 110'. Dir. Peter Weir.

BAFTA. Premios de la academia de cine británica: Mejor fotografía (Russell Boyd). Una de las mejores películas australianas de todos los tiempos.
En pleno Día de San Valentín en 1900, un grupo de estudiantes y una profesora de un internado femenino, desaparecen inexplicablemente durante una excursión a Hanging Rock, un lugar real en el estado de Victoria, Australia.
Basada en la novela homónima de Joan Lindsay (1967), la película es un clásico del cine australiano y una obra fundamental dentro del cine de misterio y suspenso. La relación entre los personajes y el paisaje natural, que adquiere un papel casi místico y amenazante, es parte central de la trama de este film que genera una sensación de intriga persistente.
Peter Weir con un estilo visual lírico, con tomas que se extienden con la languidez del paisaje y una cinematografía etérea crea una atmósfera de ensueño y misterio. El uso de luz natural y la música, que incluye partituras clásicas, contribuyen a dar a la película un tono hipnótico y desconcertante.
Éxito tanto de crítica como de público, es reconocida por haber ayudado a impulsar la llamada "Nueva Ola Australiana" en cine desde mediados de los años 70.

Subsecretaría de Cultura de AMR
La propuesta de este martes: Proyección de Cortometrajes + Actuación Banda SONOFILMICA + Brindis.
Desde Asociación Médica hacemos nuestras estas palabras: "Hace dos años la post pandemia y la Comisión de Cultura de la AMR, permitieron que pudiéramos reactivar este Cine Club Rosario y continuar la tradición del más antiguo Cine Club del país, con nuevos bríos, ideas y renovados criterios de programación. POR LO QUE ESTÁN INVITADOS A CELEBRAR que, en estas tremendas condiciones de obligado retroceso social, podamos sostener estos martes de calidad cinéfila".

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "PROYECCIÓN DE DOCUMENTALES"


Se proyectarán dos cortometrajes deliciosos, especialmente elegidos.

Luego: actuación de SONOFILMICA y Brindis de Aniversario


Esta talentosa banda nos brindará un recorrido de canciones de películas diverso y de gran nivel musical.

Terminado el recital, se brindará en el foyer del Auditorio por el Cine como espacio de creatividad y resistencia cultural. Será un encuentro cinéfilo y de Celebración.

Subsecretaría de Cultura de AMR
El martes 17/9 se verán dos propuestas bien distintas. A las 20 h. un documental de ciencia ficción del gran Werner Herzog. A las 22 h. en la Sección Nico Cage, otra de sus grandes actuaciones, que le valió un galardón a su director.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "THE WILD BLUE YONDER"


"The Wild Blue Yonder"
Alemania, 2005. 81'. Dir. Werner Herzog.

Un alienígena relata la historia de su civilización que intentó colonizar la Tierra tras el fracaso de su propio planeta. Dirigido por Werner Herzog, combina imágenes de archivo de la NASA con una narrativa imaginativa y poética.
Entre imágenes del espacio, tomadas por astronautas y escenas submarinas en la Antártida, Herzog representa un nuevo planeta que los humanos exploran tras huir de la Tierra debido a un desastre ecológico. Cualquier parecido con la actualidad no es mera coincidencia.
Documental de ciencia ficción que desafía las convenciones de ambos géneros, explora temas como la colonización espacial, el destino de la humanidad, y la fragilidad de nuestro planeta.
Surrealista y experimental, invita a reflexionar sobre nuestro lugar en el universo, con el característico toque de Herzog, que siempre tiene un enfoque único sobre la humanidad y su relación con la naturaleza y el cosmos.

A las 22 hs.: "MANDY"


"Mandy"
Estados Unidos, 2018. 121'. Dir. Panos Cosmatos.

Festival Internacional de Cinema de Catalunya - Sitges: Mejor dirección (Panos Cosmatos); Premios Saturn: Mejor film independiente.
Red Miller (Cage) es un hombre que vive una vida tranquila con su novia Mandy (Andrea Riseborough) en un entorno aislado y pacífico en 1983. Su vida se desmorona cuando una secta religiosa liderada por Jeremiah Sand (Linus Roache) irrumpe en sus vidas y secuestra a Mandy. La situación toma un giro trágico y Red se embarca en una misión violenta y llena de venganza.
Panos Cosmatos dirige esta película de terror y acción con un estilo visual impresionante, con elementos de horror psicológico, fantasía oscura y venganza, conocida por su narrativa intensa y su atmósfera psicodélica.
Con una banda sonora hipnótica compuesta por el aclamado Jóhann Jóhannsson y un singular estilo visual lleno de colores saturados y escenas surrealistas, la película equilibra momentos de lirismo visual con una brutalidad extrema.
Nicolas Cage se destaca dando vida a un personaje atormentado por el dolor y la ira y Cosmatos nos propone un viaje psicodélico de acción frenética. Una experiencia cinematográfica emocional imperdible, de lo mejor del cine de horror contemporáneo.

Subsecretaría de Cultura de AMR
Este martes 10/9 a las 20 se proyecta una gran película de Clint Eastwood. Y a las 22 habrá una nueva entrega de la flamante sección Nico Cage, con otro film en el que destaca su actuación, basado en un cuento de H. P. Lovecraft.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "CAZADOR BLANCO, CORAZÓN NEGRO"


"Cazador blanco, corazón negro"
Estados Unidos, 1990. 110'. Dir. Clint Eastwood.

Clint Eastwood es John Wilson, un director de cine obsesionado con cazar un elefante en África, justo antes de comenzar el rodaje de una película importante. Claramente inspirada en los conflictos y los eventos reales del rodaje de La Reina Africana de John Huston, que proyectamos el pasado 3/9, la película se centra en la exploración de la psicología del director y aborda temas como el colonialismo, la arrogancia, y las tensiones entre la creación artística y la ética personal de Huston.
Basada en la novela homónima de Peter Viertel, que a su vez se inspiró en las experiencias reales de Viertel trabajando con el famoso director de La reina africana (1951), es una de las películas más personales de Eastwood, con un enfoque introspectivo y menos convencional para el género de aventuras.
A lo largo de la película, Wilson lucha con su propia conciencia, especialmente cuando su búsqueda de emociones pone en peligro a los demás. Aunque es un film sobre el cine y sus excesos, también reflexiona sobre cómo las personas intentan capturar la verdad a través del arte, y los sacrificios que se hacen en el proceso.
Elogiado por su rol como director, Clint Eastwood también se destacó en esta actuación en la que interpretó al mismísimo protagonista, quien no es un héroe clásico como acostumbra, sino un hombre con defectos cuestionables, y un cineasta genial.

A las 22 hs.: "COLOR OUT OF SPACE"


"Color Out of Space"
Estados Unidos, 2019. 111'. Dir. Richard Stanley.

Podremos disfrutar de este maravilloso film, que la crítica mundial y público afecto al género de terror empezó a catalogarlo desde su estreno como «película de culto«. Por un lado por la reaparición de Richard Stanley, el director que fue despedido en medio del rodaje de LA ISLA DEL DR. MOREAU, tras estar casi tres décadas sin haber estrenado un largometraje de ficción (técnicamente su último film es DUST DEVILS, de 1992); tiene a Nicolas Cage como protagonista en uno de sus roles más desatados y se trata de una novedosa adaptación del clásico de clásicos de la literatura de horror y ciencia ficción como es el cuento EL COLOR QUE CAYO DEL CIELO, de H.P. Lovecraft de 1927. Datos que conjugan una midnight movie para pelear por el título mundial.
La familia Gardner se muda a una granja escapando del bullicio de la ciudad. Su vida cambia cuando un meteorito cae cerca de su propiedad y libera un misterioso y brillante color que afecta a todo a su alrededor. El extraño fenómeno comienza a alterar la realidad, deformando el entorno ecologista y la vida pacífica que están construyendo los Gardner, incluidos los miembros de la familia.
Este color que cayó del cosmos, estas ‘fuerzas del cielo’ que trascienden la comprensión humana, características de la literatura de Lovecraft, llevan a la desintegración familiar y el aislamiento conduce a un espiral descendente hacia la locura.
Nicolas Cage como el patriarca de la familia, se destaca por su interpretación intensa y profunda. Stanley logra en esta adaptación capturar la sensación de lo "inexplicable", se nota que le importa transmitirnos el horror y el misterio de un mundo que se deforma, se torna irreconocible y se vuelve en contra nuestra. Un miedo existencial, primario e incomprensible, pero también real.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Septiembre comienza con dos grandes títulos. A las 20, un gran clásico de John Huston, con el que Humphrey Bogart levantó el Oscar de Mejor Actor. A la 22, empieza una nueva sección: Nico Cage, con uno de los films donde el gran actor mostró su versatilidad.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "LA REINA AFRICANA"

"La Reina Africana"
Estados Unidos, 1951. 106'. Dir. John Huston.

Oscar: Mejor actor Humphrey Bogart.
Durante la Primera Guerra Mundial en África Oriental, Charlie Allnut, un rudo capitán de barco interpretado por Humphrey Bogart, transporta suministros por los ríos de la región a bordo del "The African Queen". Después de que una aldea es atacada por las tropas alemanas, Charlie acepta llevar a Rose Sayer, una estricta misionera en la piel de la excepcional Katharine Hepburn, cuyo hermano ha muerto en el ataque.
La relación de Charlie y Rose pasa de la desconfianza mutua al romance, mientras enfrentan los peligros de la selva, el río y el conflicto bélico. Rose convence a Charlie para usar el barco y atacar un buque alemán, esto les lleva a enfrentarse a múltiples adversidades.
El film le valió un Oscar a Humphrey Bogart en lo que fue una de sus interpretaciones más memorables. Katharine Hepburn también fue elogiada por su papel como Rose Sayer, demostrando su versatilidad y carisma en la pantalla.
Fue filmada en gran parte en locaciones naturales de África, lo que añadió autenticidad pero también muchas dificultades, como enfermedades y problemas técnicos. A pesar de estos desafíos, el rodaje en locaciones reales contribuyó al realismo y la atmósfera de la película.
John Huston, conocido por su habilidad para crear aventuras cinematográficas, logró combinar la acción, el humor y el romance en un entorno exótico, convirtiendo la película en un clásico del cine. La Reina Africana sigue siendo un hito en la historia del cine y un testimonio del poder de la narración cinematográfica clásica.
Próximamente se proyectará Cazador Blanco, Corazón Negro, la obra de Clint Eastwood basada justamente en las tremendas complicaciones del rodaje de La Reina Africana. Permitirá a los espectadores ingresar en la ruta creativa de grandes del cine, Huston, Bogart, Hepburn, Eastwood.

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A las 22 hs.: "CORAZÓN SALVAJE"

"Corazón Salvaje"
Estados Unidos, 1990. 125'. Dir. David Lynch.

Festival de Cannes: Palma de Oro: Mejor película; Independent Spirit Awards: Mejor fotografía (Frederick Elmes).
Sailor Ripley (Nicolas Cage) y Lula Fortune (Laura Dern) son una pareja de jóvenes amantes que huyen a lo largo de los Estados Unidos para escapar de Marietta, la madre de Lula quien desaprueba la relación y está obsesionada con separar a la pareja y para eso contrata a un asesino a sueldo, interpretado por Willem Dafoe, para matar a Sailor.
Mientras viajan por el país enfrentan una serie de personajes extraños y situaciones bizarras que reflejan tanto el peligro externo como la turbulencia interna de sus vidas. Dirigida por David Lynch, es una combinación súper original de road movie, thriller, brujerías, mafia y romance, todo envuelto en el característico estilo surrealista y provocador del director de Twin Peaks y Mulholland Drive, entre otras joyas del cine.
Combina un tono de pesadilla con un enfoque en el glamour y el exceso de la cultura pop estadounidense. Con colores vibrantes, tomas oníricas, y una mezcla de violencia gráfica con humor absurdo, es una película que desafía las convenciones y empuja los límites de la narrativa cinematográfica tradicional. Obra esencial, polarizante, para sumergirse en el estilo audaz y transgresor de David Lynch y su enfoque único de la creación cinematográfica.
Claro que no es solo el genio de Lynch lo que prima, también destacan las actuaciones de Laura Dern, Willem Dafoe caracterizando al repugnante e inolvidable Bobby Perú, y el ya versátil Nicolas Cage, que supo protagonizar una especie de Elvis Presley del bajo fondo, hiper valiente y romántico a full.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Este martes la doble función comienza a las 20 con un film fresco y luminoso, retrato de la juventud francesa de estos días. A las 22, un clásico de la animación de Japón.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "¡AL ABORDAJE!"

"¡Al abordaje!"
Francia, 2020. 95'. Dir. Guillaume Brac.

Un chico conoce a una chica de la misma edad, aunque no de la misma clase social. Félix trabaja y Alma se va de vacaciones al día siguiente. No importa. Félix decide ir a verla a la otra punta del país sin avisarle. Se lleva a su amigo Cherif y como no tienen auto viajan a través de "carpooling" con Edouard. Pero nada sale como se había previsto…
Retrato de la juventud francesa de estos días, representa en perspectiva transversal la capital y el suburbio frente a la provincia y las diferentes clases sociales que subyacen entre negros y blancos. Cuando Cineuropa le preguntó al director, en febrero de 2020, qué medios sociales quería representar, Guillaume Brac respondió: “Intenté encontrar este equilibrio sutil con los actores, teniendo en cuenta que no escribí los papeles antes del casting, sino al revés. Encontré a los actores y después escribí el guión para ellos. Todo parte de un encargo de la directora del Conservatorio Nacional de Arte Dramático: escribir para una promoción de actores jóvenes. Cuando los conocí, elegí 12 de los 30 y me sorprendió que esa promoción fuese casi una foto de la sociedad francesa actual”.
Guillaume Brac (París, 1977) es un director que alterna géneros y formatos. Luego de su corto El náufrago, 2009, y el mediometraje Un mundo sin mujeres, 2011, filma El Trueno (2013), en el cual abandona al verano como su estación predilecta para adentrarse en un invernal film noir. En Cuentos de Julio (2017) muestra las aventuras en un taller de comediantes.
Después del documental en el que describe los suburbios de París La isla del tesoro, 2018, Brac borda, en clave de ficción, Al abordaje, que no es una de piratas, sino la crónica de un verano de camping frente al río.
Un film fresco y luminoso, que llevará a Horacio Bernades, el crítico de Página 12, que considera a Brac un cineasta claramente “rohmeriano”, a decir: “En épocas de encierro material y figurado, de oscuridad y solipsismo, de odio y angustia, Al abordaje constituye un hecho definitivamente anómalo. Hay personajes libres de ataduras de guión, planos de suficiente tamaño como para que varios de ellos entren en el encuadre (el de Rohmer y el de Brac es un cine de relaciones), hay un ritmo narrativo sin urgencias ni accidentes bruscos. Como el Río Drôme, Al Abordaje fluye sereno y continuo.

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A las 22 hs.: "COWBOY BEBOP: KNOCKIN' ON HEAVEN'S DOOR"

"Cowboy Bebop: Knockin' on Heaven's Door"
Japón, 2001. 115'. Dir. Shinichiro Watanabe.

Un grupo de cazarrecompensas espaciales buscan conseguir una valiosa y escurridiza presa: un enigmático terrorista que tiene bajo amenaza a la población de una ciudad marciana.
Watanabe vuelve a visitar a nuestros queridos cowboys espaciales en este largometraje que es un auténtico concentrado de los elementos que han hecho de esta serie y este film un clásico inoxidable.
El mundo de Cowboy Bebop es un auténtico y delicioso guiso de referencias que hierve sobre el fuego de una narración precisa y veloz cual disparo. La potencia sonora del trabajo de Yoko Kanno y The Seatbelts es una guía que marca el ritmo de este film.
¿Pero por qué Bebop? El bebop es el resultado de la experimentación que llevaron adelante músicos de jazz de la comunidad negra norteamericana en los 40 como respuesta al swing un género típicamente comercial, blanco y podríamos agregar conformista. El bebop es desafiante, veloz, atrevido; quiebra las reglas existentes para crear nuevas. Es juego, rebeldía, mezcla. Los elementos sonoros, técnicos y musicales con los que estos talentosísimos músicos convivían cotidianamente trabajando en las orquestas de los ballrooms más famosos de la época, se transforman en herramientas plásticas, estéticas, visuales para producir una nueva experiencia sonora. El bebop es apropiarse de lo existente reinventándolo y creando algo nuevo.
Cowboy Bebop es un homenaje a este gesto y produce así lo que podríamos pensar como un mixtape, un compilado hecho con el amor y la pasión de la cual solo un grupo de cinéfilos y melómanos generosos pueden hacer gala.
Cowboy Bebop es una fiesta que al terminar nos saluda desde la puerta diciéndonos que nos vamos a volver a encontrar pronto.
Idea original: Hajime Yatate. Guión: Keiko Nobumoto. Música: Yōko Kanno & The Seatbelts. Animación: BONES.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Este Martes 20 la propuesta es muy atractiva: ¡dos funciones y tres grandes films! A las 20, una función con dos mediometrajes imperdibles. A las 22, sigue la sección Kino Comic con otra gran película.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "SIMÓN DEL DESIERTO"

"Simón del Desierto"
México, 1965. 47'. Dir. Luis Buñuel.

Festival de Venecia: Premio Especial del Jurado; Premio FIPRESCI - Jurado de la Crítica Internacional.
Simón es un asceta cristiano del siglo IV que decide pasar sus días en oración y penitencia en lo alto de una columna en el desierto. En un intento de acercarse a Dios y alejarse de las tentaciones mundanas, Simón enfrenta diversas pruebas, especialmente la constante tentación del Diablo, que adopta varias formas para intentar hacerlo caer en el pecado.
Inspirada en la historia real de San Simón Estilita, un santo cristiano que vivió en lo alto de una columna durante 37 años en la actual Siria, es esta una obra única dentro del fructífero período mexicano del maestro Luis Buñuel, caracterizada por su estilo surrealista y humor desopilante.
Buñuel observa la rigidez del fanatismo religioso y la imposibilidad de alcanzar la santidad en un mundo lleno de hipocresía y contradicciones. El original estilo buñuealiano destaca en los milagros, la naciente jerarquía eclesiástica, sobre todo en las apariciones del Diablo, que cambia, tienta y transporta a Simón a lugares desconcertantes. El centro de la película, como de muchas religiones, está en la lucha interna entre el deseo humano y la búsqueda espiritual.

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A las 20 hs.: "LE PUPILLE"

"Le Pupille"
Italia, 2022. 38'. Dir. Alice Rohrwacher.

Un film sobre los deseos puros y los deseos interesados, sobre la libertad y la devoción, sobre la anarquía que, en el interior de un rígido colegio, puede florecer en la mente de alguna niña.
Producida por Alfonso Cuarón, aquí Alba Rohrwacher libera todas sus notas poéticas; las que ya habíamos encontrado en Las Maravillas, Lázaro Felice y Cuerpo Celeste. La historia parte de una carta que la escritora Elsa Morante envía a su amigo escritor Goffredo Fofi, para desearle una feliz navidad.
En apenas 40 minutos, filmados en película de 35 mm y Super 16, se crea una atmósfera tierna en los pliegues de una época de guerra y escasez, mientras los rostros de las niñas pupilas son protagonistas de la cámara de la directora y de la luz de la fotografía de Hélène Louvart, quien vuelve a colaborar con la Rohrwacher luego del júbilo de Lazaro Felice.
En roles también inolvidables vemos a una madre superiora, a cargo de la hermana de la directora, Alba Rohrwacher; y a una rica señora que lleva una inmensa torta (“zuppa inglese”) para pedir a las niñas que rueguen por el retorno de su amor perdido: Valeria Bruni Tedeschi.
Entrevistada por la Rolling Stone, luego de que este corto fuera nominado al Oscar, la directora dice “… estaba esperanzada, pero en realidad, no me lo esperaba…por otra parte, como dijo nuestra diseñadora de vestuario, Loredana Buscemi, Le pupille es un mini colosal, en el que hemos trabajado como si fuera un largometraje… creo que este cuidado se ve. Es una historia de Navidad que se revela en toda su calidad de parábola. Tal vez, en el mundo, sea éste el momento en el que las “niñas malas” hagan escuchar su voz”; y dedica esta nominación “a todas las niñas, a las niñas rebeldes que puedan cambiar el mundo, que puedan romper la torta para compartirla…”.
Inesperada historia de navidad que será capaz de hacer sonreír a nuestras pupilas… y a nuestro corazón.

A las 22 hs.: "AMERICAN SPLENDOR"

"American Splendor"
Estados Unidos, 2003. 100'. Dir. Robert Pulcini, Shari Springer Berman.

Festival de Cannes: Premio FIPRESCI -Un Certain Regard-; Festival de Sundance:
Gran Premio del Jurado - Mejor película USA; Sindicato de Guionistas (WGA) Mejor guión adaptado (Robert Pulcini, Shari Springer Berman); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor ópera prima, Mejor actriz (Hope Davis); Asociación de Críticos Norteamericanos: Mejor actor revelación (Paul Giamatti), Premio mención especial; Asociación de Críticos de Los Ángeles: Mejor película, Mejor guión.
Harvey Pekar, un archivista de hospital en Cleveland se convierte en un inesperado icono cultural gracias a su serie de cómics autobiográficos, "American Splendor". Mezcla única de biopic, documental y adaptación de cómic, está basada en la vida y obra de este escritor de cómics underground.
A través de una narrativa no lineal, la película explora la vida cotidiana de Pekar, su lucha con la depresión, su matrimonio con Joyce Brabner, y su amistad con el artista del cómic Robert Crumb, quien lo ayudó a llevar sus historias a las páginas de los cómics.
Paul Giamatti interpreta a Harvey Pekar, mientras que el propio Pekar aparece en escenas intercaladas, comentando su vida y esta adaptación, entre segmentos animados que recrean los cómics de Pekar. Una verdadera joya. Retrato fiel y afectuoso de un hombre que, con honestidad y agudeza, transformó la percepción de lo que los cómics podían ser.
Es una meditación sobre la identidad, la creación artística y la búsqueda de sentido en lo mundano. Muestra cómo las vidas "ordinarias" pueden ser extraordinarias y dignas de ser contadas. Giamatti en una actuación aclamada por la crítica, captura la complejidad del carácter y la personalidad de Pekar.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Cine Club propone un nuevo programa doble este martes. A las 20, una historia de amor y una crítica al patriarcado que ganó el Hugo de Oro en 2019. A las 22, continúa la Sección KINO-COMIC con un documental sobre el genial dibujante Robert Crumb, ícono del comic underground.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS"

"Retrato de una Mujer en Llamas"
Francia, 2019. 102'. Dir. Céline Sciamma.

Festival Internacional de Chicago: Mejor película - Hugo de oro; Festival de Cannes, Premios del Cine Europeo: Mejor guión (Céline Sciamma); Premios César Francia, Círculo de Críticos de Nueva York, National Society of Film Critics, Asociación de Críticos de Los Ángeles (LAFCA), Asociación de Críticos de Boston: Mejor fotografía (Claire Mathon).
Francia, 1770, una pintora llega a una casa señorial con el cometido de realizar el retrato de boda a una ex novicia. Héloïse acaba de dejar el convento y tiene serias dudas respecto a su próximo matrimonio. Marianne, contratada por la madre condesa de Heloise, tiene que retratarla sin su conocimiento, por lo que se dedica a investigarla a diario.
La película relata el surgimiento del amor entre esta joven aristócrata deprimida y la pintora que se instala en su casa para retratarla. La directora francesa Celine Sciamma que viene explorando la sexualidad femenina desde su ópera prima Water lillies y Tomboy, continúa en este su cuarto film, profundizando en la temática.
Haciendo gala de una asombrosa delicadeza, deja ver sentimientos sólo con miradas y silencios y reitera su habilidad para comunicar sensualidad a través de las imágenes. La imagen de un rostro, su representación pictórica, adquiere forma a la vez que la atracción se manifiesta.
Es un drama romántico de una sutileza única, que maneja un exquisito balance entre la discreción, el misterio y el romanticismo más potente en el que los sentimientos y emociones finalmente florecen. Es también una crítica contra el patriarcado, contra la sumisión femenina a lo largo de la historia, contra el tabú del aborto y un reflejo de las diferencias entre una mirada femenina y una masculina. Aunque no es una película que responde a un programa. Al contrario, la poesía sutil y potente del film fluye con naturalidad, y las dos actrices elevan el drama romántico aún más. Un film que tiene todo para transformarse en un clásico.
Una de las más hermosas historias de amor del cine reciente, por la forma cinematográfica que la transmite. La película es pura fibra sensible, y le brilla la piel cada vez que Adèle Haenel y Noémie Merlant, en excelentes interpretaciones, se miran a los ojos.

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A las 22 hs.: "CRUMB"

"Crumb"
Estados Unidos, 1994. 119'. Dir. Terry Zwigoff.

Imperdible documental sobre el genial dibujante, ícono del comic underground.
Este potente documental sigue los pasos de Robert Crumb adentrándose en su mundo familiar a través de capturar relatos de sus dos fascinantes hermanos, ex parejas, fanáticos, críticos y del mismo Crumb por supuesto.
Su obra tan revulsiva como vigente, sigue capturando nuestra atención, y aquí vemos cómo se inició ese universo tan desenfadadamente violento, sexual y delirante que la pluma de Crumb imprime sobre el papel de forma casi compulsiva. Explorar los rastros de la historia de Crumb y su arte a través de anécdotas, recuerdos, toneladas de dibujos y vinilos es la elección que hace Terry Zwigoff guiado por la devoción del fanático y la curiosidad del cineasta documentalista.
La película de Zwigoff no se queda en la mera fascinación, o en el simplón retrato sobre lo polémico en la obra de este dibujante icónico, sino que el director está siempre a la caza, en la búsqueda de esos recovecos donde piensa puede encontrar la semilla de la genialidad de Crumb, tan elusiva como toda genialidad.