Author - ozanarello

Subsecretaría de Cultura de AMR

Dos atractivas obras se verán el martes. A las 20 hs., un tremendo film independiente de ciencia ficción. A las 22 hs. vuelve la Sección Maestros del Animé con otra gran película de Kon Satoshi.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

---

A las 20 hs.: "THE ARTIFICE GIRL"

"The Artifice Girl"
Estados Unidos, 2022. 93'. Dir. Franklin Ritch.

La imagen popular de la ciencia ficción o ficción especulativa, suele estar llena de artilugios fantásticos, coches voladores, formas futuristas y luces de neón que iluminan un mundo distópico por venir. Aunque esto es sólo la vidriera de un género siempre lleno de posibilidades. Aquí es donde The Artifice Girl del actor/director Franklin Ritch, realmente comprende la naturaleza de la historia que busca contar; una historia simple y contenida, de buenas intenciones que se desvían; donde la historia y las relaciones entre los personajes se convierte en la estrella, que brilla mucho más que cualquier espada láser.
La película trata sobre una entidad de inteligencia artificial que se utiliza para rastrear y procesar a los delincuentes depredadores de niñxs y lo que sucede cuando la inteligencia de la herramienta supera la inteligencia del usuario. Es una mirada fascinante a las preguntas que ya nos estamos planteando, con la aguda capacidad de centrar estos enigmas de modos simples, pero a golpes de brillantez de una película no sólo muy inteligente, sino también desafiante, tanto para los protagonistas como para los espectadores.
No hay nada en The Artifice Girl que la ubique visualmente en un paisaje futuro, se da a entender en una estructura de tres actos muy original que explora el estado de los personajes en distintos puntos del recorrido vital, permitiendo al espectador imaginar el cambiante mundo exterior. El diseño de producción es tan mínimo como efectivo, no necesitamos hologramas ni muebles extravagantes que referencien un futuro, todo se dice y muestra a través de lo que ocurre entre los actuantes; podríamos hablar quizás de una película "de Cámara" con un relato de fuerte concentración.
Las vidas de los cuatro protagonistas principales evolucionan con la película, y todos comienzan a cuestionar no sólo sus motivos personales y su humanidad, sino también lo que significa 'humanidad'. Hay una interacción que además de inquietar involucra al espectador en la conversación y sus derivas.
The Artifice Girl es un tremendo ejemplo de ciencia ficción independiente bien hecha. Una película pequeña con ideas muy grandes y potente atracción dramática, que explora las profundidades de la conciencia, el consentimiento, las leyes de la robótica y dónde se rompen; la profundidad del trauma de abuso, sus efectos en el comportamiento futuro y las controversias morales. Temas profundos abordados desde el cine, con matices sorprendentes y una inteligencia emocional que sustituye elegantemente el tipo de imágenes hiperactivas que suelen identificar el estándar de ciencia ficción.

---

A las 22 hs.: "TOKYO GODFATHERS"

"Tokyo Godfathers"
Japón, 2003. 92'. Dir. Kon Satoshi.

Guión: Kon Satoshi y Nobumoto Keiko. Diseño de personajes: Kon Satoshi y Konishi Ken'ichi. Música: Moonriders y Suzuki Kei'ichi. Dirección de arte: Ike Nobutaka Animación: Madhouse. Dirección de animación: Andou Masashi, Inoue Toshiyuki y Konishi Kenichi.
Premio a la excelencia otorgado por el Festival de Arte de Japón.
Es noche buena; tres homeless tokiotas realizan una búsqueda navideña en la basura y se cruzan con un infante a la deriva, en un pesebre de bolsas de consorcio (una comedia a la Kon). Una llave, un puñado de pistas y estos personajes que se aventuran a la búsqueda de los padres de esta pequeña abandonada recorriendo las calles, callejones, subtes, barrios y barcitos de una Tokyo por momentos cruel y despiadada. En la capital japonesa que retrata Satoshi Kon los momentos luminosos y cálidos brotan de los personajes que la van transitando, de nuestros protagonistas a la deriva, y de sus historias inconclusas.
Inspirada en su premisa inicial por el film de John Ford 3 Godfathers (1948) protagonizada por John Wayne, el guión de Kon y Nobumoto se mete en el universo de la marginalidad, de la gente que queda afuera, allí en el primer mundo, no tantas veces visitado en la animación, en esta ocasión en clave tragicomedia (como toda comedia). Kon despliega en Tokyo Godfathers la posibilidad nuevamente de superponer mundos, ya no oníricos, ficciones narrativas o aterradoras visiones paranoicas, sino la convivencia de diferentes realidades habitando el día a día cotidiano.

Este martes se podrá ver una atrapante película italiana -siciliana- hasta la médula, dirigida por Marco Bellocchio.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): 20 hs.

"IL TRADITORE" (El traidor de la Mafia)

Italia, 2019. 145'. Dir. Marco Bellocchio.

Festival de Cannes: Sección oficial; Premios David di Donatello: Mejor película; Mejor director: Marco Bellocchio; Mejor actor (Pierfrancesco Favino); Festival de Sevilla: Mejor actor: Pierfrancesco Favino; Mejor actor secundario (Luigi Lo Cascio); Mejor guión; Mejor montaje.
Recorrer la trayectoria cinematográfica de Bellochio es recorrer la historia de la Italia contemporánea, en más de 50 obras de distintos metrajes. En 1965 estrenó su brillante ópera prima I pugni in tasca, sátira corrosiva sobre la burguesía de las provincias, pasando por otros grandes títulos como En el nombre del padre, La hora de la religión, hasta la aguda mirada sobre la transformación de Mussolini en un líder fascista en Vincere. Amplísima y extraordinaria filmografía que incluye películas de todo tipo.
En IL TRADITORE, el largometraje con el presupuesto más alto de su carrera, y a sus 80 años, Bellochio se mete con la mafia siciliana, en una obra ambiciosa en todo sentido, comparable a El padrino de Coppola o lo mejor gangsteril de Scorsese, donde resignifica desde un punto de vista político el caso de Tommaso Buscetta, “la primera garganta profunda de la mafia”.
En los años 80’ se había desatado una guerra entre clanes mafiosos por controlar el multimillonario negocio a escala mundial del tráfico de drogas que incluía asesinar a cualquiera –incluidos niños— que tuviera lazos de sangre con una familia rival. Pero hubo un caso que dio vuelta la historia y se mostró en un juicio público de gran impacto, vinculaciones políticas y consecuencias sociales. Ese juicio que se le hizo a varios capos de la mafia siciliana es también el centro de este relato del veterano director italiano que cuenta dos décadas en la vida de la Cosa Nostra de manera clásica, entretenida y vital.
Las tres partes del relato conforman una película muy dinámica, que avanza y retrocede a balazos y traiciones en el tiempo, realizada con una solidez narrativa contundente.
Epica, operística, italiana -siciliana- hasta la médula, Il traditore expone sin concesiones, un capítulo importante de la historia de su país al dejar estampado que altos funcionarios políticos estuvieron durante mucho tiempo implicados en los negocios sucios de la mafia. Al mismo tiempo Bellocchio incursiona en el thriller judicial, en el melodrama y en el cine de acción con absoluta naturalidad, y con un clasicismo narrativo potente que se disfruta y agradece siempre.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Dos filmes imperdibles. A las 20 hs., para muchos la mejor comedia española de todos los tiempos. A las 22 hs. se inaugura la Sección Maestros del Animé con una hermosa película de Kon Satoshi.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

---

A las 20 hs.: "EL VERDUGO"

"El Verdugo"
España, 1963. 90'. Dir. Luis García Berlanga.

Festival de Venecia: Premio FIPRESCI - Jurado de la Crítica Internacional.
Aunque sus proyectos a menudo fueron detenidos y cortados por la censura durante la dictadura, Berlanga logró desafiar el mito de Franco a través de la comedia, ridiculizando las debilidades españolas con farsas caóticas y chistes visuales extravagantes. La propia historia personal de Berlanga es emblemática de las cambiantes complejidades de la política española. Se describía a sí mismo como “un cristiano, pero creativamente anarquista y políticamente liberal”.
Cuarenta años después de haber triunfado en el Festival de Venecia, El Verdugo sigue siendo votada por la crítica de su país como la mejor película española de todos los tiempos, la brillante comedia negra de Berlanga sobre el peculiar horror de la condena al ‘garrote’, no ha perdido su fuerza con el paso de los años.
Amadeo es verdugo profesional de la Audiencia de Madrid. José Luis es empleado en una funeraria y no encuentra novia: todas las chicas huyen de él cuando se enteran de su trabajo. La hija de Amadeo, Carmen, tampoco encuentra novio ya que todos sus pretendientes escapan al enterarse de que su padre es verdugo.
Los jóvenes se conocen y comienzan una relación. José Luis sueña con emigrar a Alemania y trabajar como mecánico, pero el peculiar suegro tiene otros planes…
Llena de agudas e inquietantes ideas sobre el mundo dictatorial y corrupto engendrado por la mentalidad franquista, y a pesar de los recortes de la censura, El Verdugo es la feroz e hilarante sátira perenne de Berlanga. Filmada por el director de fotografía de Sergio Leone y Pasolini, el gran Tonino Delli Colli, es una poderosa condena de la pena capital y de los mitos franquistas del deber y el patriotismo.

---

A las 22 hs.: "MILLENNIUM ACTRESS"

"Millennium Actress" (Sennen Joyuu)
Japón, 2001. 87'. Dir. Kon Satoshi.

Guión: Kon Satoshi y Murai Sadayuki. Diseño de personajes: Kon Satoshi y Honda Takeshi. Música: Hirasawa Susumu. Co-producción de: Genco y Madhouse.
Inspirada en la vida de las actrices Hara Setsuko (1920 - 2015) y Takamine Hideko (1924 - 2010). Recibió innumerables premios, incluido el Gran Premio en el Festival de Artes y Medios de la Agencia Japonesa de Asuntos Culturales, que compartió con Spirited Away de Hayao Miyazaki, MILLENNIUM ACTRESS es un ‘must-see’ para los fanáticos del animé de todas las edades.
Un estudio cinematográfico cierra. Mientras se derrumban viejos galpones y sets de filmación, un cinéfilo y su cameraman se preparan para entrevistar a una vieja estrella, retirada y recluida, quien misteriosamente se alejó de las cámaras en la cima de su fama. Un memento que desata una narración. Narración de una vida, de una carrera (quizás contra el tiempo mismo).
En Millennium Actress el flashback es tiempo presente. Los personajes no solo transitan, sino que viven el recuerdo narrado. Les golpea en la cara, les quema, los pone en peligro, los apura hacia adelante. Hay salto, hay corte (gritan ¡corte!). Las cámaras de ficción siguen el movimiento real, mientras los personajes de ficción son el espectáculo de los personajes reales. Esa mezcla, ese juego es el ojo de Kon, su seña. Esa línea sinuosa entre realidad y ficción es el gesto de su autoría.
Kon es un cinéfilo. Siempre se supo. La forma en la que se ocupa de retratar una puesta en escena, de dibujar la cocina fílmica da cuenta de esto. Cómo se crea una fantasía, cómo se construye una ficción, cómo caemos perdidos delante y dentro de ella, y como de ella nacen esas figuras casi míticas que se transforman en parte de nuestras vidas por un ratito en el momento que la luz se apaga y empieza la función.
Kon amó el cine…. Y nos dejó pruebas de ello.

Este martes conoceremos la interesante y satírica mirada del director Jia Zhangke sobre el corazón oscuro de la China moderna.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): 20 hs.

"TIAN ZHU DING" (Un toque de violencia)

China, 2013. 130'. Dir. Jia Zhangke.

Festival de Cannes: Ganadora Mejor guión (Jia Zhangke).
Cuatro personajes, cuatro provincias, una reflexión sobre la China contemporánea: una sociedad con un desarrollo económico colosal que convive con una enorme violencia.
Dahai, un minero furioso por la corrupción de los dirigentes de su pueblo, decide pasar a la acción.
San'er, un emigrante, descubre las infinitas posibilidades que le ofrece su arma. Xiaoyu, recepcionista en una sauna, no soporta más el acoso de un cliente rico. Xiaohui pasa de un trabajo a otro en condiciones cada vez más degradantes.
El cineasta chino Jia Zhang-ke, conocido hasta ese momento por su realismo documental en la película de 2006 Still Life, sobre comunidades que se preparan para ahogarse al servicio de la represa hidroeléctrica de las Tres Gargantas de China, hace en Un toque de violencia su propia Pulp Fiction. Una película descarada, atrevida y a menudo ultraviolenta, inspirada abiertamente en las películas de artes marciales wuxia del Rey Hu, y los riffs de Sergio Leone y Tarantino en este mismo género.
China es un actor de poder económico globalizado que sufre una nueva y violenta Revolución Cultural de culto al dinero, o al menos así lo ve Jia Zhang-ke. La élite clientelista se ha vuelto súper rica en la liquidación de activos estatales, creando una envidia venenosa en los desposeídos que escuchan todo sobre la riqueza de otros en Internet, y se supone que deben mirar aspiracionalmente todo esto en las redes sociales.
No es simplemente una aventura sobre la explotación, es una arremetida furiosa, dolorosa y satírica del corazón oscuro de la China moderna, un intento del director de representar esto a las audiencias de otras partes del mundo.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Hay dos muy interesantes propuestas el próximo martes. A las 20 hs., un drama sobre la persecución a los homosexuales en la Alemania de post guerra. A las 22 hs., un film sobre el aislamiento donde unos perversos padres mantienen a sus hijos "presos" en su casa.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

---

A las 20 hs.: "GREAT FREEDOM"

"Great Freedom" (Gran Libertad)
Austria, 2021. 116'. Dir. Sebastian Meise.

Festival de Cannes: Un Certain Regard: Premio del Jurado; Premios del Cine Europeo EFA: Mejor fotografía (Crystel Fournier) Mejor música (Nils Petter Molvær, Peter Brötzmann); Festival de Sevilla de cine europeo: Giraldillo de Oro - Mejor película, Mejor actor (Franz Rogowski); Premios del cine alemán: 3ª mejor película, Mejor maquillaje (Heiko Schmidt, Kerstin Gaecklein, Roman Braunhofer).
Gran Libertad es un estudio psicológico que contempla los efectos de la represión y, más allá, cuenta una historia de amor poco convencional; tierna, pero no sentimental.
Hans Hoffmann (Franz Rogowski), es condenado a 24 meses por "prácticas desviadas" sin posibilidad de libertad condicional. Mientras cose sábanas en el taller de la cárcel llama la atención de un recluso mayor, Viktor (Georg Friedrich), y rápidamente comprenden que los dos tienen una historia, que se remonta a su época como compañeros de celda en 1945.
En el 2000 Rob Epstein y Jeffrey Friedman realizaron el documental Párrafo 175. El párrafo 175 era el artículo del Código Penal alemán que tipificaba como delito los actos homosexuales entre varones. Introducido bajo el Imperio Alemán en 1872, permaneció durante la era nazi y la República Federal que siguió. Fue derogada recién en 1994, cinco años después de la caída del Muro de Berlín.
En 1969 la ley fue atenuada por la introducción de una edad de consentimiento. Antes de esto más de mil hombres fueron encarcelados bajo las disposiciones de la cláusula cada año. Muchos perdieron sus trabajos y hubo decenas de suicidios.
El director austríaco Sebastian Meise centra su atención en lo que sucedió en este período en una sociedad supuestamente abierta y democrática. Rastrea cuidadosamente la persecución de la homosexualidad en Alemania a lo largo de las décadas y lo hace en un drama a fuego lento que se niega a tomar el camino fácil de la manipulación de emociones. Es una dura historia, pero también un drama que brilla con una belleza desoladora.

---

A las 22 hs.: "KYNÓDONTAS (DOGTOOTH)"

"Kynódontas (Dogtooth)" (Canino)
Grecia, 2009. 94'. Dir. Yorgos Lanthimos.

Festival de Cannes: Un Certain Regard: Mejor película.
La madre, el padre, la hija mayor, la hija menor y el hijo viven en una cómoda casa suburbana grande y acomodada, con una piscina en el patio trasero. No tienen nombre, o no se los nombra más que con sus roles dentro de la familia. Viven detrás de un muro muy alto y una puerta, que siempre está cerrada con llave. Sólo el padre sale para trabajar en la fábrica de la que es dueño.
El televisor se usa sólo para ver videos caseros de la familia. Los chicos no tienen idea del mundo exterior, les dicen que afuera deambulan gatos devoradores de hombres, que se comieron a un hermano que nunca conocieron, que Fly Me to the Moon de Frank Sinatra es cantada por su difunto abuelo y que abandonar la casa los puede llevar a la muerte.
Una fantasía extraña que lleva el concepto de educación en el hogar a extremos retorcidos. Algunos padres tratan de limitar lo que sus hijos pueden aprender, y otros intentan ampliarlo. En este film los padres han pasado mucho más allá de esas categorías. Son unos psicópatas que hacen que sus hijos caminen en cuatro patas, les enseñan a ladrar y les dicen que no pueden irse hasta que se les caigan los dientes de perro, los caninos.
Lanthimos tiene un sentido del humor burlón, absurdo e improvisado. A medida que el mundo ficticio comienza a desmoronarse, las consecuencias se aceleran demasiado rápido para que puedan hacerle frente. La verdad va de la mano de un sentimiento de pánico ciego. Es una experiencia estimulante e impredecible, y no es fácil de sacudir. Una parábola brillante del aislamiento.

Este martes disfrutaremos de un imperdible documental de arqueología cinematográfica, poético y sonoro, desde las glorias del cine mudo.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): 20 hs.

"DAWSON CITY: FROZEN TIME"

Estados Unidos, 2016. 120'. Dir. Bill Morrison.

Asociación de Críticos de Boston: Ganadora Mejor documental.
El director rescata películas realizadas en un remoto pueblo que sufrió la fiebre del oro a principios del siglo XX. El descubrimiento de cientos de films mudos enterrados en la helada región del Yukón, algunos en permafrost, se transforma en este maravilloso documental que deleita a los cinéfilos con imágenes de películas que se creían perdidas para siempre.
Desde su nacimiento el cine desafía el paso del tiempo, antes la vida quedaba plasmada en el celuloide, hoy en píxeles. Desafortunadamente eso no pasó con las películas hechas durante el período mudo, más del 75 % se perdieron para siempre. Además de necesitar grandes lugares para guardarlas, ya que los rollos ocupaban muchísimo lugar, nadie pensaba que podían tener un valor histórico perdurable. El celuloide era altamente inflamable, por lo que muchas también se habrán perdido en el fuego.
Todas estas particularidades hacen que esta sea una reivindicación y un poema cinematográfico dedicado a las glorias del cine mudo. Por el parpadeo de las imágenes silenciosas que Dawson City: Frozen Time rescata, 533 películas producidas en Canadá en 1910, 1920, pasan artistas de la pantalla muda como Charlie Chaplin, Fatty Arbuckle y William Desmond Taylor. Figuras históricas, eventos como la infame Serie Mundial de 1919 o el origen de la fortuna de la familia Trump, resultan en un fascinante baile de fantasmas al ritmo melancólico de Sigur Rós.
Es curiosa visual y narrativamente. Plasma la historia del cine y plantea un paralelismo con la historia del pueblo donde encuentra los films. Tanto el pueblo con la fiebre del oro, como el cine mudo con sus grandes estrellas, tuvieron su auge y su decadencia. En el documental de Morrison renacen para el disfrute del publico cinéfilo.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Nos complace anunciarles la doble función del martes 3 de octubre. A las 20 hs. una white trash black comedy de Estados Unidos y a las 22 hs. una británica de culto para la Sección de Terror.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

---

A las 20 hs.: "KILLER JOE"

"Killer Joe" (Killer Joe: Asesino por encargo)
Estados Unidos, 2011. 103'. Dir. William Friedkin.

Festival de Venecia: Nominada Mejor Película; Independent Spirit Awards: Nominado Mejor actor Matthew McConaughey.
Killer Joe es una «white trash black comedy», definición que sintetiza esta película basada en una obra teatral acerca de una familia de clase baja, texana, bien de cerveza, TV y pollo frito. Esos personajes se mueven por instinto brutales, viven en una caravana en los bajos fondos de Texas dejados de la mano de Dios, en medio de una suciedad tanto física como psíquica.
Todos luchan a su manera para sobrevivir en una jungla urbana donde solo el más fuerte sobrevive. Tenemos así a un hijo capaz de mandar a matar a su madre para conseguir el dinero que lo salve, un padre que canjea a su propia hija y a un agente de la ley… sicario. Si algo queda claro desde los primeros minutos es que de Killer Joe no dejará precisamente indiferente a quién acepte adentrarse en su microcosmos cínico y chocante.
Aunque la película se inserta con naturalidad en los códigos del cine negro, rompe cualquier esquema. Inicialmente impactan las estridencias, las fealdades y anomalías, pero luego se revelarán como parte de esa gran broma sobre el sueño del ascenso social y económico, de la estructura familiar clásica.
Friedkin ha mantenido en el cine de algún modo aquel rumbo oscuro y denso que marcaron escritores como Poe y Bierce, para delatar ‘las disgresiones morales’ norteamericanas. Aquí, con una dirección elegante y sencilla y una actuación memorable de Matthew McConaughey, pone en jaque el concepto de buenos y malos, incluso de los grises medios. Cuando el sicario Joe muestre su costado perverso, y a regañadientes padre y hermano acepten las condiciones, la película entrará en una espiral de hechos cada vez más violentos y bizarros. La última parte, será en la casa de estos Simpsons texanos, y las situaciones se volverán cada vez más densas y cómicas, ya que Friedkin plantea toda la situación con una puesta en escena y manejo actoral que lleva a la parodia.
Una secuencia tanto de desenlace en el sentido clásico como de ampliación hasta cotas casi surrealistas de la perversión que late en el relato. Es, al fin y al cabo, donde queda claro que se ha asistido a una auténtica descomposición de las tensiones y los impulsos humanos.
Entre violencia y desbordes morales varios, Friedkin inserta momentos de un humor incómodo que roza lo absurdo, pero una vez que se ingresa en el tono, ayudan a decodificar este universo y descomprimir lo sofocante y delirante, aunque verosímil de la trama. Despiadado humor negro que el realizador utiliza para describir también algunas de las consecuencias de la lujuria, la avaricia, la mediocridad o el miedo.

---

A las 22 hs.: "AN AMERICAN WEREWOLF IN LONDON"

"An American Werewolf in London" (Un Hombre Lobo Americano en Londres)
Reino Unido, 1981. 97'. Dir. John Landis.

Una de las mejores comedias de terror de todos los tiempos.
Premios Oscar: Mejor maquillaje y peluquera (Rick Baker).
Dos jóvenes estadounidenses deciden pasar tres meses recorriendo Europa. En una zona rural desolada de Inglaterra la gente les da unos consejos escalofriantes: "no se aparten del camino, no se acerquen a los páramos y cuidado con la luna".
Los jóvenes emprenden marcha en la oscuridad, pero no saben que los persigue una bestia legendaria sedienta de sangre. Sus víctimas se convierten en muertos vivientes que deben vagar por la Tierra eternamente, quienes escapan con vida tienen reservado un destino diferente.
El director, que venía de dirigir The Blues Brothers, se divierte e inventa un nuevo género, el de reírse del terror. Combina este género con comedia adolescente, música de Creedence y los efectos especiales de Rick Baker, que se luce en su rol dentro del film.
Landis, responsable del cinematográfico y revolucionario video Thriller de Michael Jackson, logra realizar una película divertida y aterradora al mismo tiempo. Hoy un clásico de culto.

Este martes se proyectará una obra representativa del cine francés dirigida por François Truffaut.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): 20 hs.

"JULES ET JIM"

Francia, 1962. 104'. Dir. François Truffaut.

Obra representativa del cine francés. Premios Bafta: Nominada a Mejor Película, Mejor actriz extranjera -Jeanne Moreau-
Jules y Jim son amigos inseparables, tan inseparables que se enamoran de la misma mujer, Catherine.
Jules es alemán, Jim es francés. Encuentran placer en sus intercambios casuales de chicas, hasta que conocen a una joven que se convierte en algo más que una amiga pasajera. Ella pasa a ser el punto focal de sus vidas. A partir de aquí, el drama, su carácter y su tono, se vuelven reflexivos, filosóficos, extrañamente resignados y tristes.
Francois Truffaut encuentra algo muy diferente en esta, su tercera película. Su primer film, Los 400 golpes, es un estudio fuerte y sensible de la rebelión de un niño, y un primer impulso poderoso de la “nueva ola” francesa. Jules y Jim es un estudio artístico de las perversidades y la paciencia del ser humano.
Jeanne Moreau ofrece una actuación llena de alegría y encanto, sin encarnar un maniquí de cabeza vacía. El observador comprende que ésta es una mujer extraordinaria a quien ambos hombres adoran. Es posiblemente el retrato más completo de un personaje femenino en todo el universo de la Nueva Ola y convirtió a la actriz en una estrella internacional.
Adaptación de la novela de Henri-Pierre Roché de 1953, Jules et Jim es un glorioso drama que resume las ideas y estrategias cinematográficas de Truffaut. Obra representativa del cine francés de los sesenta; esta película constituye un canto al amor y la pasión.
Con Oskar Werner, Henri Serre, Jeanne Moreau y Marie Dubois.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Nuevamente tendremos una doble función este martes 19 de septiembre. Desde Corea del Sur nos llega un impactante thriller y luego, en nuestra Sección "de Terror", una de las mejores películas del género del 2022.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

---

A las 20 hs.: "MOK-GYEOK-JA"

"Mok-gyeok-ja" (El Testigo)
Corea del Sur, 2018. 111'. Dir. Kyu-Jang Cho.

Sang-hoon acaba de mudarse a un departamento con su esposa y su hijita. Una noche. tras volver a casa a altas horas, escucha un grito desde afuera. Mira por la ventana y es testigo de cómo un hombre ataca a una mujer justo enfrente de su edificio. Su esposa se despierta y enciende la luz: el asesino se da cuenta de que alguien podría haberlo visto.
La policía investiga el caso y el detective Jang sospecha que algo anda mal, pero los vecinos de los departamentos afirman no haber visto nada. Sang-hoon guarda silencio porque quiere proteger a su familia, pero está convencido de que el asesino lo vigila.
El film ofrece un aspecto que lo diferencia de thrillers similares: critica nuestra sociedad, en la que cada uno vive para sí mismo, y la gente sólo se preocupa por su propio bienestar. Inspirada en un evento de la vida real en Nueva York en 1964, tiene el toque especial del director que plantea el temor de los vecinos a que el valor de su propiedad pueda disminuir, algo muy específico de Corea.
Kyu-Jang Cho arroja luz sobre la falta de coraje moral y el “efecto espectador”, lo que significa que las personas sólo se preocupan por sus propios problemas y fingen no notar nada más, incluso si las cosas suceden frente a sus narices.

---

A las 22 hs.: "BARBARIAN"

"Barbarian" (Bárbaro)
Estados Unidos, 2022. 102'. Dir. Zach Cregger.

Bárbaro es una película sorprendente. En los primeros minutos abre una intriga con una joven que en medio de una noche de tormenta llega a una casa en Detroit que ha alquilado por Airbnb. Tiene que quedarse allí porque al otro día tiene una entrevista laboral, pero al llegar descubre que un joven está en la casa, diciendo que él también la ha reservado. El barrio parece peligroso y mientras ella decide que hacer, acepta entrar a la casa. Todas las señales de peligro se activan y desactivan en esos minutos de suspenso abrumador. Es solo el principio de muchas de las capas que la película irá desplegando.
Las películas de terror son en su mayoría parecidas entre sí, cada una de ellas dentro de los diferentes subgéneros. Por eso cuando pasan algunos minutos y un largometraje no cae en los lugares comunes y las trampas, la euforia del espectador aumenta rápidamente. Cuánto más cine de terror se ha visto, más se valora una pequeña joya como Bárbaro. ¿El joven que está en la casa es un monstruo? No lo sabemos y esperamos ansiosos el momento en el cuál la película finalmente despliegue su juego. Pero no es solo eso, luego tiene dos movimientos de guión más que renuevan la curiosidad y el interés del espectador.
Pero en el medio, y esto es toque extra, se van desplegando temas de toda clase, conflictos sociales, sexuales, culturales, nunca subrayando nada, simplemente como pinceladas que con muy poco completan las historias de los pocos personajes que forman parte de la trama. Nunca es una bajada de línea, solo más material para que el espectador tenga su cabeza ocupada cuando las cosas finalmente ocurren.
Hasta el último minuto la historia resulta apasionante y no defrauda, porque, aunque llega un momento donde dudamos de los caminos que tomará, cuando tiene que ser una película de terror lo es de forma contundente y absoluta. Una maravilla dentro de un año donde no han faltado dos o tres buenas películas del género. (Santiago García).

Este martes nuestro auditorio nos espera con un film rumano, nominado a la Palma de Oro como Mejor Película, del director Cristian Mungiu.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): 20 hs.

"R.M.N"

Rumania, 2022. 125'. Dir. Cristian Mungiu.

Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro, Mejor película.
Tras dejar su trabajo en Alemania, Matthias vuelve a su pueblo natal, una localidad multiétnica de Transilvania. Su hijo ha crecido; ahora Matthias quiere implicarse más en la educación del niño, que ha pasado mucho tiempo a cargo de su madre. Matthias quiere ayudarlo a superar sus miedos irracionales.
La fábrica que dirige Csilla, una ex a la que quiere volver, decide contratar a empleados extranjeros. La paz de esta pequeña comunidad se ve perturbada: las frustraciones, los conflictos y las pasiones afloran. En una alegoría sobre la intolerancia en la pequeña ciudad, la xenofobia, el racismo y la desconfianza se desatan como una pandemia.
Mungiu, que ganó en Cannes 2007 la Palma de Plata con su drama sobre el aborto 4 meses, 3 semanas y 2 días y el “Mejor Director” en 2016 por Graduación, presenta acá un análisis sin prejuicios sobre las fuerzas motrices del comportamiento humano ante lo desconocido, sobre la forma en que percibimos al otro y sobre cómo nos relacionamos con un futuro inquietante.
R.M.N, que suena como la abreviatura de Rumania, es en realidad el acrónimo de la resonancia magnética nuclear que uno de los personajes recibe en la película, y que es un término adecuado para una película que escanea a gran escala a una nación acosada por múltiples conflictos raciales, sociales, políticos, nacionales, ecológicos y, al menos aquí, también emocionales.