Subsecretaría de Cultura de AMR
Este martes 10/9 a las 20 se proyecta una gran película de Clint Eastwood. Y a las 22 habrá una nueva entrega de la flamante sección Nico Cage, con otro film en el que destaca su actuación, basado en un cuento de H. P. Lovecraft.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

A las 20 hs.: "CAZADOR BLANCO, CORAZÓN NEGRO"


"Cazador blanco, corazón negro"
Estados Unidos, 1990. 110'. Dir. Clint Eastwood.

Clint Eastwood es John Wilson, un director de cine obsesionado con cazar un elefante en África, justo antes de comenzar el rodaje de una película importante. Claramente inspirada en los conflictos y los eventos reales del rodaje de La Reina Africana de John Huston, que proyectamos el pasado 3/9, la película se centra en la exploración de la psicología del director y aborda temas como el colonialismo, la arrogancia, y las tensiones entre la creación artística y la ética personal de Huston.
Basada en la novela homónima de Peter Viertel, que a su vez se inspiró en las experiencias reales de Viertel trabajando con el famoso director de La reina africana (1951), es una de las películas más personales de Eastwood, con un enfoque introspectivo y menos convencional para el género de aventuras.
A lo largo de la película, Wilson lucha con su propia conciencia, especialmente cuando su búsqueda de emociones pone en peligro a los demás. Aunque es un film sobre el cine y sus excesos, también reflexiona sobre cómo las personas intentan capturar la verdad a través del arte, y los sacrificios que se hacen en el proceso.
Elogiado por su rol como director, Clint Eastwood también se destacó en esta actuación en la que interpretó al mismísimo protagonista, quien no es un héroe clásico como acostumbra, sino un hombre con defectos cuestionables, y un cineasta genial.

A las 22 hs.: "COLOR OUT OF SPACE"


"Color Out of Space"
Estados Unidos, 2019. 111'. Dir. Richard Stanley.

Podremos disfrutar de este maravilloso film, que la crítica mundial y público afecto al género de terror empezó a catalogarlo desde su estreno como «película de culto«. Por un lado por la reaparición de Richard Stanley, el director que fue despedido en medio del rodaje de LA ISLA DEL DR. MOREAU, tras estar casi tres décadas sin haber estrenado un largometraje de ficción (técnicamente su último film es DUST DEVILS, de 1992); tiene a Nicolas Cage como protagonista en uno de sus roles más desatados y se trata de una novedosa adaptación del clásico de clásicos de la literatura de horror y ciencia ficción como es el cuento EL COLOR QUE CAYO DEL CIELO, de H.P. Lovecraft de 1927. Datos que conjugan una midnight movie para pelear por el título mundial.
La familia Gardner se muda a una granja escapando del bullicio de la ciudad. Su vida cambia cuando un meteorito cae cerca de su propiedad y libera un misterioso y brillante color que afecta a todo a su alrededor. El extraño fenómeno comienza a alterar la realidad, deformando el entorno ecologista y la vida pacífica que están construyendo los Gardner, incluidos los miembros de la familia.
Este color que cayó del cosmos, estas ‘fuerzas del cielo’ que trascienden la comprensión humana, características de la literatura de Lovecraft, llevan a la desintegración familiar y el aislamiento conduce a un espiral descendente hacia la locura.
Nicolas Cage como el patriarca de la familia, se destaca por su interpretación intensa y profunda. Stanley logra en esta adaptación capturar la sensación de lo "inexplicable", se nota que le importa transmitirnos el horror y el misterio de un mundo que se deforma, se torna irreconocible y se vuelve en contra nuestra. Un miedo existencial, primario e incomprensible, pero también real.

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Septiembre comienza con dos grandes títulos. A las 20, un gran clásico de John Huston, con el que Humphrey Bogart levantó el Oscar de Mejor Actor. A la 22, empieza una nueva sección: Nico Cage, con uno de los films donde el gran actor mostró su versatilidad.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "LA REINA AFRICANA"

"La Reina Africana"
Estados Unidos, 1951. 106'. Dir. John Huston.

Oscar: Mejor actor Humphrey Bogart.
Durante la Primera Guerra Mundial en África Oriental, Charlie Allnut, un rudo capitán de barco interpretado por Humphrey Bogart, transporta suministros por los ríos de la región a bordo del "The African Queen". Después de que una aldea es atacada por las tropas alemanas, Charlie acepta llevar a Rose Sayer, una estricta misionera en la piel de la excepcional Katharine Hepburn, cuyo hermano ha muerto en el ataque.
La relación de Charlie y Rose pasa de la desconfianza mutua al romance, mientras enfrentan los peligros de la selva, el río y el conflicto bélico. Rose convence a Charlie para usar el barco y atacar un buque alemán, esto les lleva a enfrentarse a múltiples adversidades.
El film le valió un Oscar a Humphrey Bogart en lo que fue una de sus interpretaciones más memorables. Katharine Hepburn también fue elogiada por su papel como Rose Sayer, demostrando su versatilidad y carisma en la pantalla.
Fue filmada en gran parte en locaciones naturales de África, lo que añadió autenticidad pero también muchas dificultades, como enfermedades y problemas técnicos. A pesar de estos desafíos, el rodaje en locaciones reales contribuyó al realismo y la atmósfera de la película.
John Huston, conocido por su habilidad para crear aventuras cinematográficas, logró combinar la acción, el humor y el romance en un entorno exótico, convirtiendo la película en un clásico del cine. La Reina Africana sigue siendo un hito en la historia del cine y un testimonio del poder de la narración cinematográfica clásica.
Próximamente se proyectará Cazador Blanco, Corazón Negro, la obra de Clint Eastwood basada justamente en las tremendas complicaciones del rodaje de La Reina Africana. Permitirá a los espectadores ingresar en la ruta creativa de grandes del cine, Huston, Bogart, Hepburn, Eastwood.

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A las 22 hs.: "CORAZÓN SALVAJE"

"Corazón Salvaje"
Estados Unidos, 1990. 125'. Dir. David Lynch.

Festival de Cannes: Palma de Oro: Mejor película; Independent Spirit Awards: Mejor fotografía (Frederick Elmes).
Sailor Ripley (Nicolas Cage) y Lula Fortune (Laura Dern) son una pareja de jóvenes amantes que huyen a lo largo de los Estados Unidos para escapar de Marietta, la madre de Lula quien desaprueba la relación y está obsesionada con separar a la pareja y para eso contrata a un asesino a sueldo, interpretado por Willem Dafoe, para matar a Sailor.
Mientras viajan por el país enfrentan una serie de personajes extraños y situaciones bizarras que reflejan tanto el peligro externo como la turbulencia interna de sus vidas. Dirigida por David Lynch, es una combinación súper original de road movie, thriller, brujerías, mafia y romance, todo envuelto en el característico estilo surrealista y provocador del director de Twin Peaks y Mulholland Drive, entre otras joyas del cine.
Combina un tono de pesadilla con un enfoque en el glamour y el exceso de la cultura pop estadounidense. Con colores vibrantes, tomas oníricas, y una mezcla de violencia gráfica con humor absurdo, es una película que desafía las convenciones y empuja los límites de la narrativa cinematográfica tradicional. Obra esencial, polarizante, para sumergirse en el estilo audaz y transgresor de David Lynch y su enfoque único de la creación cinematográfica.
Claro que no es solo el genio de Lynch lo que prima, también destacan las actuaciones de Laura Dern, Willem Dafoe caracterizando al repugnante e inolvidable Bobby Perú, y el ya versátil Nicolas Cage, que supo protagonizar una especie de Elvis Presley del bajo fondo, hiper valiente y romántico a full.

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Este martes la doble función comienza a las 20 con un film fresco y luminoso, retrato de la juventud francesa de estos días. A las 22, un clásico de la animación de Japón.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "¡AL ABORDAJE!"

"¡Al abordaje!"
Francia, 2020. 95'. Dir. Guillaume Brac.

Un chico conoce a una chica de la misma edad, aunque no de la misma clase social. Félix trabaja y Alma se va de vacaciones al día siguiente. No importa. Félix decide ir a verla a la otra punta del país sin avisarle. Se lleva a su amigo Cherif y como no tienen auto viajan a través de "carpooling" con Edouard. Pero nada sale como se había previsto…
Retrato de la juventud francesa de estos días, representa en perspectiva transversal la capital y el suburbio frente a la provincia y las diferentes clases sociales que subyacen entre negros y blancos. Cuando Cineuropa le preguntó al director, en febrero de 2020, qué medios sociales quería representar, Guillaume Brac respondió: “Intenté encontrar este equilibrio sutil con los actores, teniendo en cuenta que no escribí los papeles antes del casting, sino al revés. Encontré a los actores y después escribí el guión para ellos. Todo parte de un encargo de la directora del Conservatorio Nacional de Arte Dramático: escribir para una promoción de actores jóvenes. Cuando los conocí, elegí 12 de los 30 y me sorprendió que esa promoción fuese casi una foto de la sociedad francesa actual”.
Guillaume Brac (París, 1977) es un director que alterna géneros y formatos. Luego de su corto El náufrago, 2009, y el mediometraje Un mundo sin mujeres, 2011, filma El Trueno (2013), en el cual abandona al verano como su estación predilecta para adentrarse en un invernal film noir. En Cuentos de Julio (2017) muestra las aventuras en un taller de comediantes.
Después del documental en el que describe los suburbios de París La isla del tesoro, 2018, Brac borda, en clave de ficción, Al abordaje, que no es una de piratas, sino la crónica de un verano de camping frente al río.
Un film fresco y luminoso, que llevará a Horacio Bernades, el crítico de Página 12, que considera a Brac un cineasta claramente “rohmeriano”, a decir: “En épocas de encierro material y figurado, de oscuridad y solipsismo, de odio y angustia, Al abordaje constituye un hecho definitivamente anómalo. Hay personajes libres de ataduras de guión, planos de suficiente tamaño como para que varios de ellos entren en el encuadre (el de Rohmer y el de Brac es un cine de relaciones), hay un ritmo narrativo sin urgencias ni accidentes bruscos. Como el Río Drôme, Al Abordaje fluye sereno y continuo.

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A las 22 hs.: "COWBOY BEBOP: KNOCKIN' ON HEAVEN'S DOOR"

"Cowboy Bebop: Knockin' on Heaven's Door"
Japón, 2001. 115'. Dir. Shinichiro Watanabe.

Un grupo de cazarrecompensas espaciales buscan conseguir una valiosa y escurridiza presa: un enigmático terrorista que tiene bajo amenaza a la población de una ciudad marciana.
Watanabe vuelve a visitar a nuestros queridos cowboys espaciales en este largometraje que es un auténtico concentrado de los elementos que han hecho de esta serie y este film un clásico inoxidable.
El mundo de Cowboy Bebop es un auténtico y delicioso guiso de referencias que hierve sobre el fuego de una narración precisa y veloz cual disparo. La potencia sonora del trabajo de Yoko Kanno y The Seatbelts es una guía que marca el ritmo de este film.
¿Pero por qué Bebop? El bebop es el resultado de la experimentación que llevaron adelante músicos de jazz de la comunidad negra norteamericana en los 40 como respuesta al swing un género típicamente comercial, blanco y podríamos agregar conformista. El bebop es desafiante, veloz, atrevido; quiebra las reglas existentes para crear nuevas. Es juego, rebeldía, mezcla. Los elementos sonoros, técnicos y musicales con los que estos talentosísimos músicos convivían cotidianamente trabajando en las orquestas de los ballrooms más famosos de la época, se transforman en herramientas plásticas, estéticas, visuales para producir una nueva experiencia sonora. El bebop es apropiarse de lo existente reinventándolo y creando algo nuevo.
Cowboy Bebop es un homenaje a este gesto y produce así lo que podríamos pensar como un mixtape, un compilado hecho con el amor y la pasión de la cual solo un grupo de cinéfilos y melómanos generosos pueden hacer gala.
Cowboy Bebop es una fiesta que al terminar nos saluda desde la puerta diciéndonos que nos vamos a volver a encontrar pronto.
Idea original: Hajime Yatate. Guión: Keiko Nobumoto. Música: Yōko Kanno & The Seatbelts. Animación: BONES.

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Este Martes 20 la propuesta es muy atractiva: ¡dos funciones y tres grandes films! A las 20, una función con dos mediometrajes imperdibles. A las 22, sigue la sección Kino Comic con otra gran película.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "SIMÓN DEL DESIERTO"

"Simón del Desierto"
México, 1965. 47'. Dir. Luis Buñuel.

Festival de Venecia: Premio Especial del Jurado; Premio FIPRESCI - Jurado de la Crítica Internacional.
Simón es un asceta cristiano del siglo IV que decide pasar sus días en oración y penitencia en lo alto de una columna en el desierto. En un intento de acercarse a Dios y alejarse de las tentaciones mundanas, Simón enfrenta diversas pruebas, especialmente la constante tentación del Diablo, que adopta varias formas para intentar hacerlo caer en el pecado.
Inspirada en la historia real de San Simón Estilita, un santo cristiano que vivió en lo alto de una columna durante 37 años en la actual Siria, es esta una obra única dentro del fructífero período mexicano del maestro Luis Buñuel, caracterizada por su estilo surrealista y humor desopilante.
Buñuel observa la rigidez del fanatismo religioso y la imposibilidad de alcanzar la santidad en un mundo lleno de hipocresía y contradicciones. El original estilo buñuealiano destaca en los milagros, la naciente jerarquía eclesiástica, sobre todo en las apariciones del Diablo, que cambia, tienta y transporta a Simón a lugares desconcertantes. El centro de la película, como de muchas religiones, está en la lucha interna entre el deseo humano y la búsqueda espiritual.

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A las 20 hs.: "LE PUPILLE"

"Le Pupille"
Italia, 2022. 38'. Dir. Alice Rohrwacher.

Un film sobre los deseos puros y los deseos interesados, sobre la libertad y la devoción, sobre la anarquía que, en el interior de un rígido colegio, puede florecer en la mente de alguna niña.
Producida por Alfonso Cuarón, aquí Alba Rohrwacher libera todas sus notas poéticas; las que ya habíamos encontrado en Las Maravillas, Lázaro Felice y Cuerpo Celeste. La historia parte de una carta que la escritora Elsa Morante envía a su amigo escritor Goffredo Fofi, para desearle una feliz navidad.
En apenas 40 minutos, filmados en película de 35 mm y Super 16, se crea una atmósfera tierna en los pliegues de una época de guerra y escasez, mientras los rostros de las niñas pupilas son protagonistas de la cámara de la directora y de la luz de la fotografía de Hélène Louvart, quien vuelve a colaborar con la Rohrwacher luego del júbilo de Lazaro Felice.
En roles también inolvidables vemos a una madre superiora, a cargo de la hermana de la directora, Alba Rohrwacher; y a una rica señora que lleva una inmensa torta (“zuppa inglese”) para pedir a las niñas que rueguen por el retorno de su amor perdido: Valeria Bruni Tedeschi.
Entrevistada por la Rolling Stone, luego de que este corto fuera nominado al Oscar, la directora dice “… estaba esperanzada, pero en realidad, no me lo esperaba…por otra parte, como dijo nuestra diseñadora de vestuario, Loredana Buscemi, Le pupille es un mini colosal, en el que hemos trabajado como si fuera un largometraje… creo que este cuidado se ve. Es una historia de Navidad que se revela en toda su calidad de parábola. Tal vez, en el mundo, sea éste el momento en el que las “niñas malas” hagan escuchar su voz”; y dedica esta nominación “a todas las niñas, a las niñas rebeldes que puedan cambiar el mundo, que puedan romper la torta para compartirla…”.
Inesperada historia de navidad que será capaz de hacer sonreír a nuestras pupilas… y a nuestro corazón.

A las 22 hs.: "AMERICAN SPLENDOR"

"American Splendor"
Estados Unidos, 2003. 100'. Dir. Robert Pulcini, Shari Springer Berman.

Festival de Cannes: Premio FIPRESCI -Un Certain Regard-; Festival de Sundance:
Gran Premio del Jurado - Mejor película USA; Sindicato de Guionistas (WGA) Mejor guión adaptado (Robert Pulcini, Shari Springer Berman); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor ópera prima, Mejor actriz (Hope Davis); Asociación de Críticos Norteamericanos: Mejor actor revelación (Paul Giamatti), Premio mención especial; Asociación de Críticos de Los Ángeles: Mejor película, Mejor guión.
Harvey Pekar, un archivista de hospital en Cleveland se convierte en un inesperado icono cultural gracias a su serie de cómics autobiográficos, "American Splendor". Mezcla única de biopic, documental y adaptación de cómic, está basada en la vida y obra de este escritor de cómics underground.
A través de una narrativa no lineal, la película explora la vida cotidiana de Pekar, su lucha con la depresión, su matrimonio con Joyce Brabner, y su amistad con el artista del cómic Robert Crumb, quien lo ayudó a llevar sus historias a las páginas de los cómics.
Paul Giamatti interpreta a Harvey Pekar, mientras que el propio Pekar aparece en escenas intercaladas, comentando su vida y esta adaptación, entre segmentos animados que recrean los cómics de Pekar. Una verdadera joya. Retrato fiel y afectuoso de un hombre que, con honestidad y agudeza, transformó la percepción de lo que los cómics podían ser.
Es una meditación sobre la identidad, la creación artística y la búsqueda de sentido en lo mundano. Muestra cómo las vidas "ordinarias" pueden ser extraordinarias y dignas de ser contadas. Giamatti en una actuación aclamada por la crítica, captura la complejidad del carácter y la personalidad de Pekar.

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Cine Club propone un nuevo programa doble este martes. A las 20, una historia de amor y una crítica al patriarcado que ganó el Hugo de Oro en 2019. A las 22, continúa la Sección KINO-COMIC con un documental sobre el genial dibujante Robert Crumb, ícono del comic underground.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS"

"Retrato de una Mujer en Llamas"
Francia, 2019. 102'. Dir. Céline Sciamma.

Festival Internacional de Chicago: Mejor película - Hugo de oro; Festival de Cannes, Premios del Cine Europeo: Mejor guión (Céline Sciamma); Premios César Francia, Círculo de Críticos de Nueva York, National Society of Film Critics, Asociación de Críticos de Los Ángeles (LAFCA), Asociación de Críticos de Boston: Mejor fotografía (Claire Mathon).
Francia, 1770, una pintora llega a una casa señorial con el cometido de realizar el retrato de boda a una ex novicia. Héloïse acaba de dejar el convento y tiene serias dudas respecto a su próximo matrimonio. Marianne, contratada por la madre condesa de Heloise, tiene que retratarla sin su conocimiento, por lo que se dedica a investigarla a diario.
La película relata el surgimiento del amor entre esta joven aristócrata deprimida y la pintora que se instala en su casa para retratarla. La directora francesa Celine Sciamma que viene explorando la sexualidad femenina desde su ópera prima Water lillies y Tomboy, continúa en este su cuarto film, profundizando en la temática.
Haciendo gala de una asombrosa delicadeza, deja ver sentimientos sólo con miradas y silencios y reitera su habilidad para comunicar sensualidad a través de las imágenes. La imagen de un rostro, su representación pictórica, adquiere forma a la vez que la atracción se manifiesta.
Es un drama romántico de una sutileza única, que maneja un exquisito balance entre la discreción, el misterio y el romanticismo más potente en el que los sentimientos y emociones finalmente florecen. Es también una crítica contra el patriarcado, contra la sumisión femenina a lo largo de la historia, contra el tabú del aborto y un reflejo de las diferencias entre una mirada femenina y una masculina. Aunque no es una película que responde a un programa. Al contrario, la poesía sutil y potente del film fluye con naturalidad, y las dos actrices elevan el drama romántico aún más. Un film que tiene todo para transformarse en un clásico.
Una de las más hermosas historias de amor del cine reciente, por la forma cinematográfica que la transmite. La película es pura fibra sensible, y le brilla la piel cada vez que Adèle Haenel y Noémie Merlant, en excelentes interpretaciones, se miran a los ojos.

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A las 22 hs.: "CRUMB"

"Crumb"
Estados Unidos, 1994. 119'. Dir. Terry Zwigoff.

Imperdible documental sobre el genial dibujante, ícono del comic underground.
Este potente documental sigue los pasos de Robert Crumb adentrándose en su mundo familiar a través de capturar relatos de sus dos fascinantes hermanos, ex parejas, fanáticos, críticos y del mismo Crumb por supuesto.
Su obra tan revulsiva como vigente, sigue capturando nuestra atención, y aquí vemos cómo se inició ese universo tan desenfadadamente violento, sexual y delirante que la pluma de Crumb imprime sobre el papel de forma casi compulsiva. Explorar los rastros de la historia de Crumb y su arte a través de anécdotas, recuerdos, toneladas de dibujos y vinilos es la elección que hace Terry Zwigoff guiado por la devoción del fanático y la curiosidad del cineasta documentalista.
La película de Zwigoff no se queda en la mera fascinación, o en el simplón retrato sobre lo polémico en la obra de este dibujante icónico, sino que el director está siempre a la caza, en la búsqueda de esos recovecos donde piensa puede encontrar la semilla de la genialidad de Crumb, tan elusiva como toda genialidad.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Siguen las dobles funciones. A las 20, una de los mejores films del cine noir dirigida por el gran Hitchcock. A las 22, una atractiva película que inaugura la nueva sección Kino Comic.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "STRANGERS ON A TRAIN"

"Strangers on a Train" (Pacto Siniestro)
Estados Unidos, 1951. 101'. Dir. Alfred Hitchcock.

Guy Haines y Bruno Antony se encuentran casualmente en un tren. Bruno es un extraño excéntrico que le propone un intercambio de asesinatos: él matará a la esposa de Guy, un famoso tenista profesional, Miriam, a cambio de que él mate a su padre. Guy no toma en serio la propuesta, sin embargo, Bruno lleva a cabo su parte del trato y espera que Guy cumpla con su parte.
Dirigida por Alfred Hitchcock, basada en la novela homónima de Patricia Highsmith, la película es conocida por su intrigante trama y su exploración de la psicología del crimen. Un hombre común y corriente atrapado en una red de miedo cada vez más estrecha, lugares comunes convertidos en cotos de caza reflejan perfectamente el terror que lentamente consume a Guy, mientras el letalmente suave Bruno lo persigue implacablemente hasta un clímax frenético.
Rápido, emocionante y tejido con un toque perverso, este es uno de los thrillers más eficientes y despiadadamente deliciosos de Hitchcock. La idea de dualidad y simetría, están presentes no solo en su trama, sino también en su estilo visual, subrayando las similitudes y diferencias entre los dos protagonistas.
Utilizando encuadres y ángulos de cámara innovadores, así como música intensa para habitar la atmósfera de suspenso, el film deja escenas icónicas, como la del asesinato de Miriam vista a través del reflejo de sus gafas caídas, típicas del estilo creativo de Hitchcock y de sus perspectivas visuales para aumentar la tensión.
Clasificada entre las mejores de Hitchcock, entre Vértigo, Notorious, Psicosis y La sombra de una duda, su atractivo es probablemente la vinculación de una trama ingeniosa con un miedo insinuante relacionado a un subtexto hábilmente oculto. Fuente de inspiración para numerosos thrillers psicológicos posteriores, sigue siendo hoy un film referente en el género de suspenso, digno de apreciarse en sala.

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A las 22 hs.: "GHOST WORLD"

"Ghost World"
Estados Unidos, 2001. 111'. Dir. Terry Zwigoff.

Independent Spirit Awards: Mejor guión novel (Daniel Clowes, Terry Zwigoff), Mejor actor secundario (Steve Buscemi); Círculo de Críticos de Nueva York, National Society of Film Critics: Mejor actor de reparto (Steve Buscemi); Asociación de Críticos Norteamericanos: Premio mención especial.
Enid (Thora Birch) y Rebecca (Scarlett Johansson) acaban de terminar la escuela secundaria. Rebecca está lista para entrar en la adultez y busca trabajo, Enid se siente desencantada con el mundo que la rodea. Su amistad es puesta a prueba cuando se ven atrapadas en un engaño que idearon para Seymour (Steve Buscemi), un solitario coleccionista de discos.
Dirigida por Terry Zwigoff, basada en la novela gráfica del mismo nombre escrita por Daniel Clowes, quien también coescribió el guión con Zwigoff, el film explora las luchas de las jóvenes al enfrentar el mundo adulto y sigue la búsqueda de identidad y propósito a través de una de sus protagonistas.
Entre escenas desopilantes, observaciones irónicas y personajes excéntricos, desliza críticas sutiles a la cultura pop y la superficialidad del consumismo. La actuación de Steve Buscemi, que encarna un hombre solitario y excéntrico amigo de una adolescente, se destaca en este relato que se ha convertido en un clásico de culto por su retrato honesto y humorístico de la transición a la adultez.

Subsecretaría de Cultura de AMR

El 30 será un martes especial. A las 20, función sorpresa, imperdible. A las 22, un film independiente en el marco de la sección NOCHES QUEER.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: FUNCIÓN SORPRESA

Quienes estuvieron en cualquiera de las funciones del 23/7 saben qué film se va a proyectar. Quienes no, tendrán que venir y enterarse en la sala.

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A las 22 hs.: "FEMME"

"Femme"
Reino Unido, 2023. 99'. Dir. Sam H. Freeman, Ng Choon Ping.

British Independent Film Awards: Mejor dúo interpretativo (Nathan Stewart-Jarrett, George MacKay), Mejor vestuario (Buki Ebiesuwa), Mejor maquillaje y peluquería (Marie Deehan).
Jules es una drag queen en ascenso hasta que su carrera queda destruida por un brutal ataque homofóbico. Tiempo después, inesperadamente, se encuentra con su agresor -Preston, que mantiene oculta su verdadera orientación sexual-. Este encuentro lleva a una relación cargada de misterio y suspenso que enfrenta a Jules con una situación compleja y peligrosa.
El film, que debutó en el Festival de Cine de Berlín, es una adaptación del premiado cortometraje homónimo de 2021. Dirigido por Sam H. Freeman y Ng Choon Ping es un thriller neo-noir, erótico y transgresor que mediante el singular uso de cámara en mano, inquieta. El logrado tono electrizante permite a la vez explorar las fricciones entre identidad y empoderamiento en el conflicto interno de Jules tras el ataque.
Los directores, en su primer largometraje en conjunto, logran una película de venganza totalmente efectiva. A través de un estilo visual elegante y una atmósfera de tensión creciente, construyen un film independiente sólido y cargado de sensaciones y sentido, atravesado por la humillación, el resentimiento que se confunden con el amor naciente en el choque de dos mundos.

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Este será un nuevo martes de doble función. A las 20, una obra maestra del director iraní Kiarostami. A las 22, Al Pacino bajo la dirección de William Friedkin en un clásico de los '80 en la sección NOCHES QUEER.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "CLOSE-UP"

"Close-Up" (Primer plano)
Irán, 1990. 100'. Dir. Abbas Kiarostami.

Primer Plano es reconocida como una de las obras maestras de Kiarostami y un hito en la historia del cine, en la que el director iraní utiliza una estructura narrativa singular que combina realidad y ficción. La película incluye escenas recreadas con los participantes reales del evento, así como imágenes documentales del juicio de Sabzian. Las líneas entre lo real y lo dramatizado se borran e invitan al espectador a reflexionar sobre la naturaleza del cine y la verdad. Un delicado sistema el que implementa Kiarostami, juego de espejos, reflejos y permanentes quiebres de credibilidad clásica que no sólo no afecta en nada la credibilidad sino que la potencia, la vuelve más rica y compleja no solo a nivel intelectual sino a un nivel directamente emocional.
Hossain Sabzian, es un hombre desempleado amante del cine que se hace pasar por el famoso director de cine iraní Mohsen Makhmalbaf. Sabzian engaña a una familia de clase media, les hace creer que los va a incluir en su próxima película. La verdad sale a la luz, Sabzian es arrestado y llevado a juicio.
Interpretada por los mismísimos protagonistas de la historia, el propio Sabzian ofrece una actuación de sí mismo, conmovedora y sincera, que revela su pasión por el cine y sus aspiraciones frustradas. Imprescindible claro ubicarse en Irán, un país con una gran cultura cinematográfica, donde los directores y actores son muy populares; además con un fuerte respeto por la palabra personal y la moral social. Los miembros de la familia solidaria y engañada, los Ahankhah, interpretan sus propios roles, y dan la perspectiva, también real de cómo fueron afectados por la mentira de Sabzian.
Kiarostami ha dejado una cantidad de bellas películas como Detrás de los Olivos, Donde está la casa de mi amigo, Copia Certificada, Y el viento nos llevará entre otras; Primer Plano en particular sigue siendo objeto de numerosos estudios y análisis. Apreciada por su originalidad, profundidad emocional y reflexión sobre el cine y la verdad, es un film imprescindible para los amantes del cine y aquellos interesados en la naturaleza de la representación.

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A las 22 hs.: "CRUISING"

"Cruising" (A la caza)
Estados Unidos, 1980. 106'. Dir. William Friedkin.

Steve Burns, un joven policía interpretado por Al Pacino, se infiltra en la subcultura gay del sadomasoquismo de Nueva York para atrapar a un asesino en serie que está atacando a hombres homosexuales. A medida que se sumerge más profundamente en el mundo clandestino que está investigando, Burns comienza a cuestionar su propia identidad y los límites de su moralidad. Basada en la novela homónima de Gerald Walker, este thriller dirigido por William Friedkin, es un retrato controvertido de la comunidad gay en Nueva York de los años 70.
Friedkin que tiene un estilo visual y narrativo tenso y provocativo, venía de dirigir The Exorcist y The French Connection. En Cruising utiliza una cinematografía oscura y opresiva para reflejar la atmósfera nocturna y peligrosa y no se reprime de mostrar escenas explícitas y provocadoras que eran poco comunes para cuando fue estrenado el film.
Pacino ofrece una actuación intensa y compleja, que captura la transformación gradual de su personaje mientras se adentra en un mundo desconocido y peligroso y se acentúa su ambigüedad moral.
Cuestionando las líneas entre el bien y el mal, y cómo las circunstancias pueden alterar la percepción de uno mismo, es una película que desafía, provoca y ofrece una visión crítica de la vida en Nueva York y de las complejidades de la identidad sexual y la moralidad.
Una obra de innegable impacto y con una intensa actuación de Al Pacino, así como una audaz dirección de Friedkin. Sigue siendo, hoy, un punto de referencia en debates sobre la representación y los límites flexibles del cine de género.

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Este martes 16 a las 20, pasión, adulterio y las consecuencias trágicas de un romance filmado en blanco y negro. A las 22, nueva película la SECCIÓN NOCHES QUEER; es la última, recién estrenada, de Ethan Coen.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "TABÚ"

"Tabú"
Portugal, 2012. 118'. Dir. Miguel Gomes

Festival Internacional de Berlín: FIPRESCI - Premio Internacional de la Crítica, Premio Alfred Bauer; Sindicato de Críticos de Cine Franceses: Mejor film extranjero.
Una anciana temperamental, su criada de Cabo Verde y una vecina entregada a causas sociales son las protagonistas de esta historia que toma otro rumbo tras la muerte de la anciana.
Dividida en dos partes bien marcadas, la primera se ambienta en la Lisboa contemporánea y sigue la historia de estas tres mujeres. Pilar (Teresa Madruga), una activista solitaria, Aurora (Laura Soveral), una anciana excéntrica y supersticiosa y Santa (Isabel Cardoso), la empleada doméstica de Aurora.
Aurora está en las últimas etapas de su vida, y en el intento de ayudarla y acompañarla, Pilar descubre un misterioso capítulo del pasado de Aurora.
Un flashback al África colonial, donde se revela el romance prohibido entre la joven Aurora (Ana Moreira) y Gian Luca Ventura (Carloto Cotta) ocupa la segunda parte del film.
Pasión, adulterio y las consecuencias trágicas de su relación son parte de esta historia de amor, crimen y aventuras.
Miguel Gomes compone una estructura narrativa poco convencional en la que combina su especial naturalismo burlón, el romance y el drama histórico que sigue horadando el pasado colonialista de Portugal. Filmada en blanco y negro, sus dos partes se diferencian en el uso del sonido, la primera con sonido diegético, que reproduce lo que vemos en escena y la segunda parte, sin diálogos sincronizados, con una narración en off que guía la historia y nos remite a los modos de narrar propios del cine mudo. Una atmósfera nostálgica y onírica envuelve a este film audaz y bello.

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A las 22 hs.: "DRIVE-AWAY DOLLS"

"Drive-Away Dolls" (Dos chicas a la fuga)
Estados Unidos, 2024. 84'. Dir. Ethan Coen.

Road movie centrada en la historia de Jamie y Marian, dos amigas que emprenden un viaje inesperado y lleno de aventuras. Jamie, tras una ruptura dolorosa, decide acompañar a su amiga Marian en un viaje que cambiará sus vidas de maneras que no podían prever.
Aquí Ethan Coen, que nos tiene acostumbrados a la genial dupla que hace con su hermano Joel, dirige en solitario este film fiel a su estilo, lleno de personajes inusuales y situaciones cómicas y peligrosas. Jamie y Marian recorren bares y encuentran, entre otros obstáculos, una cabeza cortada en una sombrerera, una exnovia amargada, un maletín misterioso y un senador malvado.
La identidad y la amistad en el contexto de un viaje físico y emocional conforman la trama de esta película que explora la naturaleza impredecible de las relaciones humanas.
Con un equilibrio perfecto entre humor negro y drama, propio de Coen, y con diálogos ingeniosos y una narrativa intrigante, es una suma genial al catálogo de este prolífico director.
Matt Damon y Pedro Pascal interpretando personajes secundarios pero imprescindibles y desopilantes, suman estelaridad, y claro, el viraje lésbico en la trama trae nuevos vientos.

Subsecretaría de Cultura de AMR

La función del próximo martes 9 de julio -por el feriado- se traslada al VIERNES 12/7. A las 20 se podrá ver una joya del cine de todos los tiempos. A las 22, un atractivo estreno en la nueva sección NOCHES QUEER.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "RIVER OF NO RETURN"

"River of No Return"
Estados Unidos, 1954. 91'. Dir. Otto Preminger.

Joya del cine con Marilyn Monroe y Robert Mitchum.
En la frontera noroeste de Estados Unidos, Matt Calder (Robert Mitchum), un ex convicto, se reencuentra con su joven hijo Mark en una cabaña aislada junto al río. Mientras intentan reconstruir sus vidas, se encuentran con Kay Weston (Marilyn Monroe), una cantante de salón que viaja con su prometido, Harry Weston.
Harry abandona a Kay y roba el caballo y el rifle de Matt, lo que obliga a los tres a bajar por un peligroso río en una balsa improvisada. Los esperan numerosos desafíos naturales y humanos en el camino.
Rodada en escenarios como el Parque Nacional Banff y en el Parque Nacional Jasper en Canadá, tiene un telón de fondo visualmente impresionante y auténtico. La cinematografía en Technicolor de Joseph LaShelle captura la majestuosidad y dureza del paisaje natural. La versatilidad y habilidad de Otto Preminger destila una obra de género con una combinación original de realismo crudo y romance.
La supervivencia, la redención y la lucha por el perdón y la confianza están presentes en este film. La química entre Mitchum, sólido y cuidadoso de sus amores, y Monroe en un papel que combina sensibilidad y determinación, añade una capa adicional de tensión y romance a la narrativa. El río, espacio protagónico, representa tanto el tránsito peligroso como la posibilidad de un nuevo comienzo.
Considerada un clásico del western de la década de 1950 y un ejemplo del cine de aventuras de la época, con el toque melodramático especial de Preminger entre la acción y el drama. La interpretación de la balada melancólica "River of No Return" por parte de Marilyn, se ha convertido en uno de los elementos más memorables del film, y la universalidad de los temas que aborda hacen que esta película sea una experiencia cinematográfica emocionalmente resonante y perdurable en la historia del cine.

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A las 22 hs.: "LOVE LIES BLEEDING"

"Love Lies Bleeding"
Reino Unido, 2024. 104'. Dir. Rose Glass.

Se abre la Sección NOCHES QUEER con este impactante estreno. Los martes de julio a las 22 h. estarán atravesados por esta temática, en obras de diversos géneros y autores (Rose Glass, Ethan Coen, William Friedkin).
Love Lies Bleedin, “Sólo hay que contraatacar”…
Thriller romántico, película fronteriza en varios sentidos, que va centrándose en la relación entre dos mujeres y se torna violentísimo al quedar ambas enredadas con una red criminal. Kristen Stewart, Katy O’Brian, un inolvidable personaje de Ed Harris y Dave Franco forman un intenso elenco comprometido en tornar creíble y vibrante una serie de situaciones que bordean casi todo el tiempo el delirio.
Una encargada de gimnasio, interpretada por Kristen Stewart, se ve atrapada en una relación intensa y posesiva con el entrenador, Dave Franco. La búsqueda de perfección física y la dinámica de poder y control que surge en su relación arman la trama de superficie de esta película, que no para de girar en direcciones inesperadas, pues por debajo fluyen las esencias del cine noir cuestionando los límites del amor y la ambición. Aunque con algunos matices particulares, no sólo porque la historia de amor central sea entre mujeres, sino por poner a la violencia de género en el centro de la acción, dar toques gore y fantásticos también.
Rose Glass, que ya demostró su talento para el horror psicológico y la construcción de atmósferas inquietantes en Saint Maud, trae su sello distintivo a Love Lies Bleeding, combinando elementos de drama psicológico y thriller erótico.
Kristen Stewart interpreta otro de sus personajes complejos y emocionalmente cargados, para transmitir la obsesión por alejarse de una situación agobiante, de una familia de terror con su vulnerabilidad a cuestas. La fisicoculturista de Katy O’Brian no sólo sorprende, supera su límite físico y amoroso, hasta donde sea.
Love Lies Bleeding es una exploración profunda y perturbadora de la psicología humana en contextos violentos, con una puesta en escena desprejuiciada y visualmente impactante.