Author - ozanarello

Subsecretaría de Cultura de AMR

Otra doble función para disfrutar este martes. A las 20 hs. la nueva comedia de Alexander Payne. A las 22 hs. una nueva película de la Sección SCI.FI-BIZARRO. Es una selección de títulos extraños que desbaratan con mucho humor, acción delirante y efectos ‘físicos’, los cánones prejuiciosos de los géneros industriales.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "LOS QUE SE QUEDAN"

"Los que se quedan"
Estados Unidos. 2023. 133'. Dir. Alexander Payne.

Globos de Oro: Mejor actor principal -Comedia- (Paul Giamatti); Asociación de Críticos de Boston: Mejor película, Mejor actor (Paul Giamatti); Asociación de Críticos Norteamericanos: Mejor guión original (David Hemingson).
Ambientada en una escuela preparatoria de élite de Nueva Inglaterra, es el retrato de un profesor de historia cascarrabias que se ve obligado a permanecer en el campus durante las vacaciones de Navidad para velar por un puñado de estudiantes que no tienen a dónde ir.
Una comedia perspicaz que tiene a este profesor, interpretado por el brillante Paul Giamatti, como contrapunto de unos niños ricos en un internado acomodado. Su misión, priorizar la equidad sobre la influencia financiera.
Alexander Payne, director de Entre Copas y Nebraska, logra con Los que se quedan una comedia dramática sensible, con vida propia.

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A las 22 hs.: "TANK GIRL"

"Tank Girl"
Estados Unidos. 1995. 104'. Dir. Rachel Talalay.

Continúa la Sección SCI.FI-BIZARRO, una selección de esos títulos que fueron tratados como clase B contemporánea, de segunda. O como más justamente dicen en inglés “weird”; extraños.
Protagonizada por Lori Petty, el cómic de culto neo-underground de Jamie Hewlett y Alan Martin, Tank Girl, cobra vida luciendo exactamente como debería, rebosante de un derroche de color en constante cambio, violencia gratuita, sexo entre especies, y otras perlas que sorprenden a cada secuencia.
Más que Batman, más que The Crow, Tank Girl se juega concientemente entre una película y un cómic; de hecho, con orgullo y gracia. El uso que hace Talalay del arte de los cómics y la animación a gran escala como secuencias inspiradas en el programa de televisión Batman tiene mucho que ver con esta extraña sensación de combinación desprejuiciada de recursos.
Ambientada en el año 2033, Petty (la imborrable Tyler Ann, el eje entre Keanu Reeves y Patrick Swayze en el thriller de surfers Point Break) es Rebecca o Riot Grrrl, una joven pegajosa y completamente adorable que no quiere nada más que conseguir un poco de agua preciosa para sus compañeros en ese desértico mundo post-apocalíptico. Malcolm McDowell es el jefe del malvado consorcio Water & Power, y claro, tiene otros planes. Esclaviza a Rebecca y su banda y los pone a trabajar descubriendo a los misteriosos “Destripadores”, ¡canguros mutantes -sí!, responsables de una serie de misiones guerrilleras de rastreo y destrucción contra las corruptas instalaciones de W&P. Parece que no hay salida, hasta que Rebecca logra escapar y robar un tanque colosal, y de repente son Tank Girl y Jet Girl contra el mundo.
Son 100 minutos de aventuras incorrectas y gags muy tontos e inmensamente entretenidos que recuerdan desde Mad Max hasta Star Wars, desde Flash Gordon hasta Buckaroo Banzai, también una comedia de ciencia ficción. Sin embargo, detrás de todo este aparente disparate se esconde una admirable construcción feminista de autoempoderamiento y de individualismo rudo. Sin menospreciar que esta película también mixtura en su loco blend, los coros de Busby Berkeley con canguros mutantes asesinos y la heroína de acción más salvaje y de buen genio.
Dirigida por Rachel Talalay a partir de un guión de Tedi Sarafian; con Malcolm McDowell, Ice-T, Naomi Watts, Iggy Pop, James Hong, Ann Cusack.

Subsecretaría de Cultura de AMR

El próximo martes la propuesta es de cine europeo, con dos películas de producción reciente.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "ROTER HIMMEL"

"Roter Himmel" (Cielo Rojo)
Alemania, 2023. 102'. Dir. Christian Petzold.

Festival de Berlín: Oso de Plata - Gran Premio del Jurado.
El cine germano tuvo en el 2023 entre sus notas más altas el notable incendio encapsulado de Cielo Rojo, del gran Christian Petzold. A partir de una metáfora triple –un bosque en llamas, el deseo reprimido, el bloqueo creativo de un escritor– el cineasta alemán encierra a dos parejas jóvenes y a un editor maduro en una casa de campo veraniega mientras cada uno lidia con su propia inseguridad y las trabas para comunicar sus deseos a los demás. Cielo Rojo es un alarde de pasiones silenciadas que refina el minimalismo expresivo habitual en el director.
Nuevamente hace girar en torno al personaje de Paula Beer las masculinidades quebradas y confundidas del resto del elenco. El resultado es un crescendo de notable autocontrol e intensidad (Bafici 2023).
El punto de partida no podría ser más simple y está inspirado, como lo reconoce el propio Petzold, en los “cuentos de verano” de Eric Rohmer, como “Pauline à la plage”, “Conte d’Eté” o “La Collectionneuse”: un grupo de jóvenes se reúne por decisión o por azar en una casa cercana al mar donde aprenderán algo del amor y del desamor.
Pero a diferencia del francés (uno de los creadores de la “nouvelle vague”), Petzold carga consigo con la gravedad de la cultura alemana, lo que da a ese encuentro un carácter más oscuro, empezando por esa ventosa playa del mar Báltico donde transcurre la acción. (Luciano Monteagudo, Página 12).

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A las 22 hs.: "SISU"

"Sisu"
Finlandia, 2022. 91'. Dir. Jalmari Helander.

Festival Internacional de Cinema de Catalunya - Sitges 2022: Mejor película, Mejor actor (Jorma Tommila), Mejor fotografía (Kjell Lagerroos), Mejor banda sonora original (Juri Seppä, Tuomas Wäinölä).
Son los últimos días de la Segunda Guerra Mundial y un ex soldado devenido en buscador de oro (Jorma Tommila) se cruza con unos nazis en su retirada del norte de Finlandia. Seguros, confiados, los nazis le roban el oro, pero pronto descubren que no se han metido con un minero cualquiera.
SISU es una palabra finlandesa intraducible, que quiere decir algo así como «fuerza de voluntad, determinación, perseverancia y sacar fuerzas ante la adversidad». Este legendario ex-soldado encarnará este significado. Es un escuadrón de la muerte de un solo hombre que hará todo lo posible por recuperar su oro, aunque eso signifique matar a todos los nazis que se crucen en su camino.
Helander rara vez ofrece un respiro del caos estridente. Su acción orquestada y sus travesuras sangrientas hacen que levantes los puños desde la primera muerte nazi espeluznante y bien merecida, pero es solo un calentamiento para el combate de rencor lleno de explosiones y crujido de huesos que sigue.
Sisu se siente como un juego de acción de antaño, pero con un estilo moderno. El director se las arregla para seguir progresando en esta sangrienta batalla de maneras sorprendentes. Cuando creas que has llegado a una secuencia de acción espectacular o a una muerte sangrienta, espera que venga otra para superarla. Es este estilo y la imaginativa narración visual lo que hace que Sisu sea tan emocionante.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Comienza la temporada 2024 con doble función. A las 20 hs., un drama que nos remite al film Persona de Bergman. Y a las 22 hs. inauguramos sección SCI-FI-BIZARRO con una alucinante película de Carpenter.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "MAY DECEMBER"

"May December" (Secretos de un escándalo)
Estados Unidos, 2023. 113'. Dir. Todd Haynes.

Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor de reparto (Charles Melton), Mejor guión (Samy Burch); Gotham Independent Film Awards: Mejor interpretación de reparto (Charles Melton); Asociación de Críticos de Chicago: Mejor guion (Samy Burch), Mejor intérprete revelación (Charles Melton), Mejor actor secundario (Charles Melton).
Un escandaloso romance entre una mujer adulta con un preadolescente sacude la opinión pública en EEUU. Veinte años, muchas tapas de diarios sensacionalistas y una mediocre película para televisión después, Todd Haynes decide contar la historia con su refinada mirada, que nos remite a la del mismísimo Bergman en su film Persona.
Gracie Atherton-Yu, interpretada aquí por Julianne Moore, y Joe -Charles Melton, trabajan juntos, ella tiene 36, él 13. Se enamoran y su romance escandaliza al país. Ella queda embarazada y el romance continúa a pesar de todo lo que se decía y publicaba incluso.
Ahora, en la versión Haynes, sus hijos están a punto de graduarse del instituto, y se va a rodar una nueva película sobre su historia. La actriz “de televisión” Elizabeth Berry, encarnada por Natalie Portman -brillante en su rol, pasará un tiempo con la familia para intentar entender mejor a Gracie, a la que va a interpretar. La dinámica familiar supuestamente estabilizada, se deshace bajo la presión de la mirada exterior.
Moore interpreta a una mujer con una conciencia ‘de teflón’ que, incluso después de más de dos décadas, sigue desviando las críticas públicas. Ahora abuela (por su primer matrimonio), Gracie espera que esta nueva película independiente traiga algunos matices a su historia, lo que no parece especialmente probable.
El relato esencial se centra en las difusas líneas entre una estrella de Hollywood -N. Portman y su personaje de crimen real (J. Moore). El director hace películas no solo para ser vistas, sino para ser deconstruidas después de los hechos. Haynes y el guionista Samy Burch presentan esa historia de fondo en fragmentos, lo que permite al espectador formarse sus propias impresiones de Gracie antes de descubrir lo que realmente ocurrió. Fascinante film.

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A las 22 hs.: "THEY LIVE"

"They Live" (Sobreviven)
Estados Unidos, 1988. 91'. Dir. John Carpenter.

De lo mejor de la Ciencia Ficción Indie de todos los tiempos.
Basada en el cuento de 1963 "Eight O'Clock in the Morning" de Ray Nelson, este film de Carpenter es tan relevante y atinado hoy como lo fue en su estreno. Un trabajador desempleado, casualmente llamado Nada, llega a un Los Ángeles decadente en busca de una salida laboral a su miseria. El abandono campea en las calles, mientras la frivolidad y la desintegración social completan el escenario.
Un predicador callejero en éxtasis anuncia: "Los ves por la calle. Los ves por la televisión. Puede que votes a alguno de ellos este otoño. Piensas que son gente como tú. Estás equivocado. Mortalmente equivocado." “Ellos (they)” reclutaron a los ricos y poderosos para controlar a la humanidad. ¿Pero quiénes son ellos?
Unos lentes que permiten ver a las personas tal cual son, llegan a manos de Nada. Gracias a estos descubrirá qué son ahora los importantes personajes de la vida política y social. Los que sembraron en el mundo mensajes subliminales con los que pretenden convertir a los hombres en una raza de… esclavos.
Carpenter ha plantado con una obra delirante y genial, la última bomba de tiempo fétida en el fondo de la América neoliberal. Obra maestra que funciona primero como entretenimiento y conjuga la sátira de ciencia ficción ‘realista’ con acción y trasfondo político de gran lucidez e imaginación. La tan mentada ‘nueva época’ vuelve súper actual a They Live.

La de este martes es la última función de 2023, con una gran película española. Luego de la misma, se hará un brindis de fin de año.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): 20 hs.

"EL ESPÍRITU DE LA COLMENA"

España, 1973. 94'. Dir. Víctor Erice.

Festival de San Sebastián: Concha de Oro: Mejor Película.
Corre el año 1940, en medio de la postguerra española, el cine ambulante llega a Hoyuelos, un pequeño pueblo de la meseta castellana. Isabel y Ana, dos hermanas de ocho y seis años van ese domingo al cine y quedan maravilladas con El Doctor Frankenstein de James Whale. A la pequeña le causa tal impresión que no deja de hacer preguntas a su hermana mayor y descubre en la figura del “monstruo” la respuesta a sus enigmas más profundos.
Uno de los títulos más importantes del cine español y el primer largometraje de su director. Observa a la España franquista a través de la mirada de estas niñas y nos recuerda que la infancia avanza a su propio ritmo. La oposición entre la sordidez ambiental y la necesaria imaginación infantil funciona con admirable precisión en la pintura del tiempo y espacio que narra el film, aspectos que distinguen su narrativa.
La potencia lírica y gracia siguen intactas con el paso del tiempo, en esta película sobre distintos modos de ver el mundo y sobre la vida interior de una niña que aprende sobre las complejidades más oscuras de la vida. Cada uno de los personajes presentados navega en su propio barco vital, tiene ideas propias y un pasado que repercute en su actualidad.
Puede que hayamos olvidado nuestra magia de la infancia, pero en la mirada y la voz de Ana, es posible que volvamos a encontrar un poco de ella.

Después de la función
Se hará un BRINDIS DE FIN DE AÑO, para celebrar juntos el amor por el séptimo arte.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Para el martes 12 las dos propuestas vienen de Asia. En la primera función, un multipremiado film surcoreano. Luego, a las 22 hs., continúa la Sección Maestros Del Animé con otra imperdible película de Satoshi Kon.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "JOINT SECURITY AREA – JSA"

"Joint Security Area – JSA" (Área de Seguridad Conjunta)
Corea del Sur, 2000. 110'. Dir. Park Chan-wook.

Blue Dragon Film Awards: Mejor película, Mejor dirección (Park Chan-wook), Mejor fotografía (Kim Sung-Bok), Premio del Público al film más popular.
La “Joint Security Area”, o “Área de Seguridad Conjunta” a la que hace referencia el título, es el lugar que separa las fronteras de las dos naciones coreanas, con un puente al que llaman “el de no retorno”. Se produce un grave incidente y hay dos versiones: según el Norte, un soldado surcoreano cruzó la frontera y mató a dos miembros del ejército Norcoreano, que estaban de guardia. Mientras que el Sur, por el contrario, sostiene que su soldado fue secuestrado, se liberó, disparó para salvar su vida, y huyó. Lo único que está claro es que hay dos muertos y un autor que ha confesado. La delicada situación política podría verse agravada dependiendo de cómo se resuelva el caso, así que se llama a una tercera parte, neutral, para que investigue los hechos y encuentre qué ocurrió realmente.
Así es como entra en escena la oficial del ejército suizo Sophie Jean, nacida y criada en Ginebra pero de padre coreano, lo que parece facultarla para entender la situación sin favorecer a ninguna de las dos partes. Ella no ha pisado suelo coreano en su vida.
A la mujer no le tiembla el pulso, e incluso bromea ante la estolidez de sus pares (sello del director, siempre hay humor aun en las situaciones más inusuales). Tiene tres testigos, entre los que está el supuesto autor de los hechos, para intentar destapar todas las mentiras y dar con la solución.
El film comienza como un thriller detectivesco convencional, con un crimen a resolver, un personaje atando cabos y tratando de descubrir la verdad; destinado a resolverse en el último momento. Pero da un giro completo y se transforma en una comedia dramática que critica la situación política y militar de las dos Coreas. Park Chan-wook separa al público de Sophie y lo mete en la cabeza de Lee Soo-hyuk, el soldado acusado de matar a los dos norcoreanos y herir a un tercero. Entonces empezamos a ver lo que ha ocurrido realmente, mientras la oficial continúa con sus propias (y certeras) averiguaciones. Y resulta que nada es lo que parecía a simple vista.
Aunque la película se basa en una novela escrita por Park Sang-yeon, y tiene elementos del cine comercial, buscando la satisfacción del gran público, se nota la visión particular y el inconfundible estilo visual del director de Old Boy, muy dado a componer planos atípicos, cargados de información, nunca gratuitos. Su mano en el guion también es evidente, ya que aparte del señalado humor negro, hay en la historia de Joint Security Area similitud con otros de sus trabajos, como el presentar a personajes que se ven envueltos, por el azar, en una situación de la que no pueden escapar, condenados de antemano a un destino trágico e injusto.
Con el tiempo este film recibió numerosos premios en festivales y resultó ser el más visto en la historia del cine de su país. En 2007, en ocasión de la reunión cumbre de los presidentes de ambas Coreas, el presidente de Corea del Norte Kim Jong-il recibió de su homólogo sureño una copia en DVD.

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A las 22 hs.: "PERFECT BLUE"

"Perfect Blue"
Japón, 1997. 81'. Dir. Satoshi Kon.

Obra original: Takeuchi Yoshikazu. Dirección: Kon Satoshi. Guion: Murai Sadayuki. Diseño de personajes: Hamasu Hideki y Kon Satoshi. Música: Ikumi Masahiro. Dirección de arte: Ike Nobutaka. Animación: Madhouse y Oniro. Dirección de animación: Hamasu Hideki.
Festival Internacional de Cinema de Catalunya – Sitges: Mejor largometraje de animación; B-Movie Film Festival (New York, USA): Mejor Película Animada año 2000; Fantasia Film Festival (Montréal, Québec, Canada): Mejor Película Asiática año 1997 -Compartió aquí terna con Cenizas del Tiempo de Wong Kar-Wai; Festival Internacional de Cine Fantástico de Oporto (Portugal): Mejor Película de Animación dentro de la sección género Fantástico año 1998.
Mima Kirigoe decide abandonar su carrera como cantante pop para probar suerte en como actriz. La pantalla chica será su primera escala, en su viaje por intentar navegar el mundo frente a la lente. Aparentemente no todos están contentos con esta decisión y se lo harán saber a nuestra protagonista de formas brutales, arrastrándola poco a poco a los bordes de la locura.
Opera prima de Satoshi Kon, película ícono de su breve filmografía que le abrió las puertas al mundo como director. Es un consistente e intenso destilado de todas las obsesiones de este brillante director. El juego continuo entre realidad y ficción llevado hasta el punto de la desorientación, cámaras ficcionales marcando ritmo en la narración, y poniendo a los cuerpos a bailar y correr por sus vidas.
Perfect Blue es una obra de miedo, sobre el miedo, que maneja con exquisitez y brutalidad nipona el derrotero psíquico de su protagonista, y que arrastra al espectador junto con ella en la aventura arriesgada de dudar. Dudar como solo la locura pueda hacerlo: desarmando la realidad, y con los retazos armar una nueva.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Este martes se presentamos un cortometraje de Rubén Plataneo, integrante de la Comisión Directiva de CCR. A continuación, se podrá disfrutar de un film canadiense, adaptación de la novela de Laurence Olivier de 2015.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "ZONA FRANCA"

"Zona Franca"
Argentina, 2022. 20'. Dir. Rubén Plataneo.

La herrumbrada, y ya desaparecida, ex zona franca boliviana en la costa portuaria rosarina, es el escenario postindustrial de este cortometraje, difícil de clasificar, de Rubén Plataneo, prolífico cineasta santafesino, integrante de la Comisión Directiva del Cine Club Rosario.
Al filo de la corriente incesante del Rio Paraná, el cuerpo anhelante de una mujer intenta una expresión primal, un canto extremo en un lugar al borde. La voz de la soprano María Sol Bennasar, se hace inmortal en Zona Franca al interpretar la compleja e intrigante Sequenza 3 de Luciano Berio. Imágenes superpuestas, colores y sonidos que nos hacen ser parte de ese enigmático lugar y una increíble banda sonora a cargo de Charly Egg y la trompeta de Edu Vignoli, configuran este sueño experimental realizado en los márgenes prohibidos de la ciudad.
Una alterada interpretación, casi animal y sofisticada a la vez, se trasfunde con este espacio anómalo, mientras una niña baila entre las sombras de galpones y vías quebradas, salta y se retuerce vital en el páramo hundido. Todo frente al cuerpo potente del río, entre el quejido del hierro oxidado y el ambiente ribereño de bucólica extrañeza. Amanece, anochece, el puente fantasma se cubre de niebla. Con la luna llena estalla la melodía y la voz como tormenta. Quien canta el mal espanta. Una película breve y honda, una Zona Franca.

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A continuación: "RÉPERTOIRE DES VILLES DISPARUES"

"Répertoire des villes disparues" (Ghost Town Anthology)
Canadá, 2019. 96'. Dir. Denis Côté.

Un paisaje nevado y llano; suena el viento en el pueblito canadiense pero los árboles permanecen perfectamente quietos. De repente, un coche se estrella contra bloques de hormigón, y un par de niños jugando a los enmascarados llegan para ver el accidente. El conductor es un joven que deja atrás a sus padres y a su hermano mayor; todos se cuestionan si fue un accidente o un suicidio, todos saben la respuesta.
Pero acá el valor no está en encontrar respuestas, sino en explorar a dónde te llevan las preguntas. Filmada en 16 mm, la película es en gran parte monocromática. Reflexiona, en lugar de abordar directamente, sobre el tema del "Otro" y las posibilidades de la vida en un pueblo de 215 habitantes donde los misterios continúan siéndolo.
Adaptación de la novela homónima de Laurence Olivier de 2015, la letárgica y cautivadora Ghost Town Anthology es una historia sobre un lugar gélido, poblado por personas congeladas que esperan que regrese un pasado de esplendor; sobre cómo satisfacen su deseo de la manera más literal, y que luego encuentran que las acciones de los vivos son más escalofriantes que las apariciones de fantasmas.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Esta doble función inicia a las 20 hs. con una película francesa audaz y heterodoxa. Luego, a las 22 hs., será el turno de la Sección Maestros del Animé con otra obra cumbre de Satoshi Kon.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "FRANCOFONÍA"

"Francofonía"
Francia, 2015. 87'. Dir. Aleksandr Sokúrov.

Festival de Venecia: nominada León de Oro - Mejor película.
Francia. Una sensación de fatalidad se cierne sobre la ciudad de París cuando, en el verano de 1940, el gobierno se rinde y entra el ejército alemán. Los documentales nazis muestran a Hitler inspeccionando la Torre Eiffel y los Campos Elíseos, y buscando el Louvre. El tesoro oculto al que los coleccionistas de bellas artes nazis le tienen puesto el ojo.
M. Jacques Jaujard -interpretado por Louis Do de Lencquesaing- es el director del museo, un héroe olvidado que se niega a abandonar su puesto cuando llegan los alemanes. El conde Franziskus Wolff-Metternich es el oficial encargado por Hitler para supervisar la colección de arte de Francia mientras sus grandes ejércitos arrasan Europa.
Una película audaz y heterodoxa. Sokurov recorre los pasillos del museo para reflexionar sobre su historia desde el Renacimiento hasta el presente. Poema en prosa cinematográfica o cuadro de instalación animada, que entreteje imágenes documentales con espeluznantes imágenes de las calles del París contemporáneo.
Francofonía crea divertidas viñetas a partir de figuras históricas y míticas, necesarias para recorrer los pasillos del Louvre y la historia de Francia. Marianne, símbolo de la república francesa, declama: "Libertad, igualdad, fraternidad" y en un momento se sienta junto a Napoleón mientras juntos escudriñan la Mona Lisa. ¡Qué lujo hacer esto sin las multitudes!
Filmando sin restricciones y fuera de horario en el interior del Louvre (el museo es productor asociado en este film franco-alemán-holandés), desfilan obra maestra tras obra maestra frente a la cámara, desde la estatua de un hombre, de 9.000 años de antigüedad, hasta la Mona Lisa y la Victoria Alada. Preservar el arte es preservar la civilización, este film lo pone de manifiesto.

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A las 22 hs.: "PAPRIKA"

"Paprika" (Tsutsui Yasutaka)
Japón, 2006. 90'. Dir. Satoshi Kon.

Guion: Kon Satoshi y Minakami Seishi. Diseño de personajes: Andou Masashi. Música: Hirasawa Susumu. Dirección de arte: Ike Nobutaka. Animación: Madhouse. Dirección de animación: Andou Masashi.
Nominada León de oro en el 63º Festival de Venecia 2006, Mejor largometraje en el año 2007 Festival de Annecy. Participó en competición en: International Film Festival Rotterdam – 2007; San Francisco International Film Festival – 2007; The New York Film Festival – 2006; Toronto Film Critics Association Awards - 2007 | Nominada: Mejor película de animación.
De las mejores obras de animación para adultos.
Satoshi Kon, uno de los directores jóvenes más populares de Japón, tiene mucho que decir, por eso seguimos con su retrospectiva en la Sección Maestros del Animé. Kon es un ingeniero de viajes delirantes y vertiginosos a través de la psique, pero también un crítico social punzante y duro.
Al igual que David Lynch, un cineasta con el que se compara a menudo a Kon, está obsesionado con la mente soñadora. Paprika, es un thriller cuya heroína es una psiquiatra que utiliza un elegante artilugio para tratar a los pacientes husmeando en sus sueños. El dispositivo es hackeado por "terroristas dormidos". Los sueños de los personajes comienzan a invadir su realidad de vigilia y se produce una extrañeza visualmente espectacular.
Millennium Actress se pregunta qué tienen que ver la moralidad humana y la imaginación entre sí, mientras que su serie de televisión Paranoia Agent (por cierto, garantizada para traer alegría al corazón de cualquiera que extrañe Twin Peaks) aborda la identidad cultural y personal en el Japón moderno saturado de información y atomizado. En Paprika agrega un condimento humorístico a la trama.
No importa ser o no fanático del animé; durante 90 minutos, Paprika nos hace ver continuamente las cosas bajo una nueva luz. ¿Con qué frecuencia se dice eso de una película?

Este martes será el turno de un film norteamericano que revive la fe en el cine y en el mundo.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): 20 hs.

"FIRST COW"

Estados Unidos, 2019. 121'. Dir. Kelly Reichardt.

Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor Película; Círculo de Críticos de San Francisco: Mejor guión adaptado (Jonathan Raymond, Kelly Reichardt), Mejor fotografía (Christopher Blauvelt) Mejor diseño de producción, Festival de Gijón: Mejor película, Premios César, Festival Berlín: Nominada a mejor película, Independent Spirit Award: Mejor Película.
“El pájaro, un nido; la araña, una tela; el hombre, la amistad” es el epígrafe –tomado de los Proverbios del infierno, de William Blake- con el que se abre First Cow, la nueva maravilla de la directora estadounidense Kelly Reichardt., adaptación de la novela The Half-Life, de Jon Raymond. Y a partir de allí, como si cobijara a sus personajes en un pequeño nido y a la vez los descubriera atrapados en una densa telaraña, dos hombres descubrirán que –más allá de lo que anhelan y ambicionan- todo lo que tienen en el mundo es su amistad.
Corre el año 1820 en las tierras vírgenes de Oregon, al norte de unos Estados Unidos todavía en formación, Cookie sufre como cocinero de una expedición de cazadores de pieles y se encontrará con King Lu, un misterioso inmigrante chino que huye de unos rusos que le persiguen. Dos outsiders un mundo brutal y agresivo. Las encrucijadas, los encuentros fortuitos son una rica constante en la obra de Reichardt.
Es increíble como con escasos elementos –un par de personajes muy bien delineados, una vaca muy observadora, la naturaleza como casi único escenario— y hermosa fotografía, Reichardt logra un film pleno de sentidos y mucho más complejo de lo que aparenta. Porque en First Cow hay fábula, “bromance”, hay humor e incluso suspenso, si el espectador es capaz de relajarse y dejarse llevar por el relato construido a partir de infinidad de detalles a los que hay que estar muy atento porque hacen al todo.
Como si esto fuera poco, Reichardt, ya desde el breve prólogo contemporáneo, insinúa no sólo su conclusión sino que consigue trascender la anécdota. Tanto que desnuda las reglas básicas del capitalismo y habla del desencanto del sueño americano, frente a un esquema competitivo despiadado. Quizás luego del placer de apreciar esta bella obra nos preguntemos: ¿No es toda la película una discreta lección sobre la creación del deseo y la necesidad creada de consumo en la trama capitalista? ¿No es también la amistad una prueba de que lo importante no está signado por la lógica del capital? First Cow es una de esas películas que reviven la fe en el cine y en el mundo.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Dos atractivas obras se verán el martes. A las 20 hs., un tremendo film independiente de ciencia ficción. A las 22 hs. vuelve la Sección Maestros del Animé con otra gran película de Kon Satoshi.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "THE ARTIFICE GIRL"

"The Artifice Girl"
Estados Unidos, 2022. 93'. Dir. Franklin Ritch.

La imagen popular de la ciencia ficción o ficción especulativa, suele estar llena de artilugios fantásticos, coches voladores, formas futuristas y luces de neón que iluminan un mundo distópico por venir. Aunque esto es sólo la vidriera de un género siempre lleno de posibilidades. Aquí es donde The Artifice Girl del actor/director Franklin Ritch, realmente comprende la naturaleza de la historia que busca contar; una historia simple y contenida, de buenas intenciones que se desvían; donde la historia y las relaciones entre los personajes se convierte en la estrella, que brilla mucho más que cualquier espada láser.
La película trata sobre una entidad de inteligencia artificial que se utiliza para rastrear y procesar a los delincuentes depredadores de niñxs y lo que sucede cuando la inteligencia de la herramienta supera la inteligencia del usuario. Es una mirada fascinante a las preguntas que ya nos estamos planteando, con la aguda capacidad de centrar estos enigmas de modos simples, pero a golpes de brillantez de una película no sólo muy inteligente, sino también desafiante, tanto para los protagonistas como para los espectadores.
No hay nada en The Artifice Girl que la ubique visualmente en un paisaje futuro, se da a entender en una estructura de tres actos muy original que explora el estado de los personajes en distintos puntos del recorrido vital, permitiendo al espectador imaginar el cambiante mundo exterior. El diseño de producción es tan mínimo como efectivo, no necesitamos hologramas ni muebles extravagantes que referencien un futuro, todo se dice y muestra a través de lo que ocurre entre los actuantes; podríamos hablar quizás de una película "de Cámara" con un relato de fuerte concentración.
Las vidas de los cuatro protagonistas principales evolucionan con la película, y todos comienzan a cuestionar no sólo sus motivos personales y su humanidad, sino también lo que significa 'humanidad'. Hay una interacción que además de inquietar involucra al espectador en la conversación y sus derivas.
The Artifice Girl es un tremendo ejemplo de ciencia ficción independiente bien hecha. Una película pequeña con ideas muy grandes y potente atracción dramática, que explora las profundidades de la conciencia, el consentimiento, las leyes de la robótica y dónde se rompen; la profundidad del trauma de abuso, sus efectos en el comportamiento futuro y las controversias morales. Temas profundos abordados desde el cine, con matices sorprendentes y una inteligencia emocional que sustituye elegantemente el tipo de imágenes hiperactivas que suelen identificar el estándar de ciencia ficción.

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A las 22 hs.: "TOKYO GODFATHERS"

"Tokyo Godfathers"
Japón, 2003. 92'. Dir. Kon Satoshi.

Guión: Kon Satoshi y Nobumoto Keiko. Diseño de personajes: Kon Satoshi y Konishi Ken'ichi. Música: Moonriders y Suzuki Kei'ichi. Dirección de arte: Ike Nobutaka Animación: Madhouse. Dirección de animación: Andou Masashi, Inoue Toshiyuki y Konishi Kenichi.
Premio a la excelencia otorgado por el Festival de Arte de Japón.
Es noche buena; tres homeless tokiotas realizan una búsqueda navideña en la basura y se cruzan con un infante a la deriva, en un pesebre de bolsas de consorcio (una comedia a la Kon). Una llave, un puñado de pistas y estos personajes que se aventuran a la búsqueda de los padres de esta pequeña abandonada recorriendo las calles, callejones, subtes, barrios y barcitos de una Tokyo por momentos cruel y despiadada. En la capital japonesa que retrata Satoshi Kon los momentos luminosos y cálidos brotan de los personajes que la van transitando, de nuestros protagonistas a la deriva, y de sus historias inconclusas.
Inspirada en su premisa inicial por el film de John Ford 3 Godfathers (1948) protagonizada por John Wayne, el guión de Kon y Nobumoto se mete en el universo de la marginalidad, de la gente que queda afuera, allí en el primer mundo, no tantas veces visitado en la animación, en esta ocasión en clave tragicomedia (como toda comedia). Kon despliega en Tokyo Godfathers la posibilidad nuevamente de superponer mundos, ya no oníricos, ficciones narrativas o aterradoras visiones paranoicas, sino la convivencia de diferentes realidades habitando el día a día cotidiano.

Este martes se podrá ver una atrapante película italiana -siciliana- hasta la médula, dirigida por Marco Bellocchio.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): 20 hs.

"IL TRADITORE" (El traidor de la Mafia)

Italia, 2019. 145'. Dir. Marco Bellocchio.

Festival de Cannes: Sección oficial; Premios David di Donatello: Mejor película; Mejor director: Marco Bellocchio; Mejor actor (Pierfrancesco Favino); Festival de Sevilla: Mejor actor: Pierfrancesco Favino; Mejor actor secundario (Luigi Lo Cascio); Mejor guión; Mejor montaje.
Recorrer la trayectoria cinematográfica de Bellochio es recorrer la historia de la Italia contemporánea, en más de 50 obras de distintos metrajes. En 1965 estrenó su brillante ópera prima I pugni in tasca, sátira corrosiva sobre la burguesía de las provincias, pasando por otros grandes títulos como En el nombre del padre, La hora de la religión, hasta la aguda mirada sobre la transformación de Mussolini en un líder fascista en Vincere. Amplísima y extraordinaria filmografía que incluye películas de todo tipo.
En IL TRADITORE, el largometraje con el presupuesto más alto de su carrera, y a sus 80 años, Bellochio se mete con la mafia siciliana, en una obra ambiciosa en todo sentido, comparable a El padrino de Coppola o lo mejor gangsteril de Scorsese, donde resignifica desde un punto de vista político el caso de Tommaso Buscetta, “la primera garganta profunda de la mafia”.
En los años 80’ se había desatado una guerra entre clanes mafiosos por controlar el multimillonario negocio a escala mundial del tráfico de drogas que incluía asesinar a cualquiera –incluidos niños— que tuviera lazos de sangre con una familia rival. Pero hubo un caso que dio vuelta la historia y se mostró en un juicio público de gran impacto, vinculaciones políticas y consecuencias sociales. Ese juicio que se le hizo a varios capos de la mafia siciliana es también el centro de este relato del veterano director italiano que cuenta dos décadas en la vida de la Cosa Nostra de manera clásica, entretenida y vital.
Las tres partes del relato conforman una película muy dinámica, que avanza y retrocede a balazos y traiciones en el tiempo, realizada con una solidez narrativa contundente.
Epica, operística, italiana -siciliana- hasta la médula, Il traditore expone sin concesiones, un capítulo importante de la historia de su país al dejar estampado que altos funcionarios políticos estuvieron durante mucho tiempo implicados en los negocios sucios de la mafia. Al mismo tiempo Bellocchio incursiona en el thriller judicial, en el melodrama y en el cine de acción con absoluta naturalidad, y con un clasicismo narrativo potente que se disfruta y agradece siempre.