"WERCKMEISTER HARMÓNIÁK" (Armonías de Werckmeister)
Hungria, 2000. 139'. Dir.: Béla Tarr, Ágnes Hranitzky.
Un extraño espectáculo ambulante llega a un pequeño pueblo de la Hungría rural y promete exhibir a la ballena más grande del mundo. Una figura misteriosa e imprevisible, a la que llaman "el Príncipe" despierta gran curiosidad en la población. János Valuska (Lars Rudolf), un joven idealista que trabaja como cartero y cuida de su tío anciano es el protagonista de la historia, -junto a la brillante reaparición de Hanna Schygulla-. La llegada de este circo desencadena una serie de eventos acumulativos que llevan a la locura colectiva y la desintegración social del pueblo, desatándose un proceso de limpieza étnica y violencia desbocada. Con un estilo visual innovador de largos planos secuencia en deslumbrante blanco y negro, profundidad temática y capaz de evocar emociones y reflexiones profundas, el film es considerado una obra maestra del cine de autor por toda la crítica cinematográfica mundial, junto a Sátántangó la obra cumbre de Béla Tarr. Armonías… es una fascinante mirada hacia los confines más profundos del alma humana y la vida social desde una dispositivo cinematográfico depuradísimo y original. La ciudad es presa de la agitación, las pandillas deambulan por las calles y muchas señales vaticinan la inminente catástrofe. Béla Tarr exhibe un micromundo eclipsado, que evoluciona desde el misterio a la ruina y melancolía. Contrasta y destaca en ese paisaje decadente la figura poética de Valuska, que aboga tenazmente por una utopía tenaz: mantener la fe en la creación librando la batalla contra las fuerzas de la oscuridad.
En la primera función del próximo martes se verá un documental de Herzog que homenajea la vida extrema de una pareja de vulcanólogos. A las 22, una obra fundamental para amantes del cine de terror psicológico, del controvertido Polanski.
Horarios Apertura boletería: 19.30 hs. Proyección (puntual): desde las 20 hs.
A las 20 hs.: "THE FIRE WITHIN: A REQUIEM FOR KATIA AND MAURICE KRAFFT"
"The Fire Within: A Requiem for Katia and Maurice Krafft" Estados Unidos, 2022. 84'. Dir. Werner Herzog.
Festival de Gijón: Premio del público. Documental dirigido por Werner Herzog, el film es un homenaje a Katia y Maurice Krafft, un matrimonio de fotógrafos y vulcanólogos que se dedicaron a documentar volcanes alrededor del mundo. “Los Krafft” se convirtieron en leyenda por su valentía y dedicación al capturar imágenes fascinantes de volcanes en erupción, enfrentando condiciones extremadamente peligrosas. Su trabajo los llevó a viajar por todo el mundo, desde Hawai hasta las montañas de Kamchatka en Rusia. En The Fire Within, Herzog explora la vida y el legado de esta pareja, a partir de imágenes de archivo, entrevistas y reconstrucciones para contar su historia. La película no solo celebra su pasión por la ciencia y la fotografía, sino que también reflexiona sobre la relación entre el hombre, la naturaleza y los límites del riesgo y la aventura. Herzog, cineasta visionario y provocativo, reconocido por su estilo propio, su enfoque en paisajes extremos, personajes excéntricos y por explorar temas existenciales y filosóficos, nos presenta en este documental una obra conmovedora y visualmente impresionante que rinde tributo a dos individuos extraordinarios que perdieron sus vidas mientras perseguían su pasión. Pero que antes lograron ”arrancarle estas imágenes al mismo demonio de sus garras”.
A las 22 hs.: "REPULSION"
"Repulsion" Reino Unido, 1965. 105'. Dir. Roman Polanski.
Festival Internacional de Berlín: Oso de Plata - Premio Extraordinario del Jurado; FIPRESCI - Premio Internacional de la Crítica. Carol, interpretada por Catherine Deneuve, comienza a experimentar una serie de perturbaciones mentales mientras se queda sola en su departamento en Londres. A medida que su salud mental se deteriora, comienza a tener alucinaciones y delirios que la llevan en un espiral descendente hacia la paranoia y la violencia. Obra maestra del cine de terror psicológico es una de las primeras películas destacadas del controvertido Polanski, ganador de un Oscar al Mejor Director por El pianista. El film tiene una atmósfera inquietante, un estilo visual distintivo y explora la alienación y la locura con los recursos esenciales del cine. Con una impresionante actuación de Deneuve en el papel principal, el director de origen polaco que también dirigió la clásicas El bebé de Rosemary (1968) y Chinatown (1974), utiliza aquí la claustrofobia del entorno urbano y el aislamiento de la protagonista para crear un clima de inquietud constante que crece a lo largo de la película. Repulsion es una película intensa y perturbadora que dejó una marca duradera en el cine de terror y ha influido en numerosos directores y películas del género. Es una obra fundamental para cualquier amante del cine, especialmente del terror psicológico.
Este martes a las 20 se proyecta un film del maestro Marco Bellocchio. A sus 84 años el director italiano nos cuenta una trágica historia, basada en hechos reales.
Semana de Cine de Valladolid: Mejor guion (Marco Bellocchio, Susanna Nicchiarelli); Premios David di Donatello: Mejor guion adaptado (Marco Bellocchio, Susanna Nicchiarelli), Mejor vestuario, Mejor maquillaje, Mejor diseño de producción/escenografía, Mejor peluquería (Alberta Giuliani). Bolonia, 1858. Italia es un conjunto de ciudades estado Pontificias. La Iglesia católica marca territorio frente a la inminente unificación de Italia con el rapto de un niño judío. El director, que hace casi 60 años dirigió Las manos en los bolsillos, narra en este film, presentado en Cannes, un hecho real de mediados del XIX cuando la Iglesia católica decidió secuestrar, “de forma legal” a un niño judío. A sus 84 años, el maestro Marco Bellocchio traza el periplo trágico e irracional de un niño que no entiende por qué lo separan de su madre en un episodio de claro antisemitismo y muestra los usos y abusos del poder institucional. Fotográficamente lúgubre y con una historia tremebunda, no es la primera vez que encuadra un relato en un rapto. En Exterior noche, un film para televisión realizado en 2021, da cuenta del secuestro y asesinato por parte del grupo terrorista Brigadas Rojas, del presidente de la Democracia Cristiana, Aldo Moro. Su muerte, en palabras del director, truncó lo que iba a ser el mayor experimento político que habría podido existir en una Europa dividida en dos bloques. “La Iglesia católica y el terrorismo de las Brigadas Rojas comparten el mismo fanatismo de los principios absolutos. Se actúa hasta el mismo asesinato en un caso y otro en nombre de una idea irrefutable, de un dios. No se mata o se secuestra a una persona, se mata o secuestra una idea. El mecanismo es el mismo”, dice Bellocchio.
Este martes será de función doble, dedicada a James Whale. A las 20, vida y muerte del director del clásico Frankenstein y a las 22 una de sus grandes creaciones.
Horarios Apertura boletería: 19.30 hs. Proyección (puntual): desde las 20 hs.
A las 20 hs.: "DIOSES Y MONSTRUOS"
"Dioses y Monstruos" Estados Unidos, 1998. 105'. Dir. Bill Condon.
Oscar: Mejor guión adaptado (Bill Condon); Globos de Oro: Mejor actriz de reparto (Lynn Redgrave); Festival San Sebastián: Premio Especial del Jurado, Concha de Plata - Mejor actor (Ian McKellen); Independent Spirit Awards: Mejor película, Mejor actor (Ian McKellen), Mejor actriz secundaria (Lynn Redgrave); Asociación de Críticos Norteamericanos: Mejor película, Mejor actor (Ian McKellan); Asociación de Críticos de Los Ángeles: Mejor actor (Ian McKellen); Critics Choice Awards: Mejor actor (Ian McKellen); Asociación de Críticos de Chicago: Mejor actor (Ian McKellen); British Independent Film Awards: Mejor actor (Ian McKellen). Ian McKellen interpreta brillantemente a James Whale, director y actor británico, autor de películas como El doctor Frankenstein, La novia de Frankenstein, El hombre invisible, La casa de las sombras, entre tantos otros títulos. Dos décadas después, Whale escribió una nota de suicidio y posteriormente fue encontrado muerto en su piscina de Hollywood. El film nos ubica en los últimos días de vida de Whale con su única compañía, una conservadora ama de llaves, hasta que entabla una relación con su nuevo jardinero, un apuesto y torpe joven (Brendan Fraser) al que llegará a confiarle su historia en el Hollywood de los años 30. Ambientada en ese tiempo posterior al apogeo de Whale, Dioses y Monstruos muestra al director como un pulcro y delicado hombre de pelo blanco, afecto a la pintura y con demasiadas voces del pasado en su cabeza. Flashbacks de sus películas, recuerdos de su empobrecida infancia en Dudley y las memorias de su amor perdido, un joven soldado que murió en las trincheras de la Primera Guerra Mundial, forman parte de este film que más que un homenaje solemne, es un monumento irónico a la grandeza y la miseria del viejo Hollywood. Esas empresas que esquilmaban a los grandes artistas que contrataban y luego los desechaba, en el caso de Whale por su “imprudencia sexual/profesional”, coartándole una carrera excepcional.
A las 22 hs.: "LA NOVIA DE FRANKENSTEIN"
"La novia de Frankenstein" Estados Unidos, 1935. 75'. Dir. James Whale.
Clásico de terror de todos los tiempos. IMPERDIBLE. Cuando el monstruo creado por el doctor Frankenstein huye perseguido por la turba matando inocentes; el siniestro Dr. Pretorius le propone crear una nueva criatura, una mujer para que lo traiga de vuelta y sea la compañera del monstruo. Boris Karloff, en la piel del “monstruo”, es un perfecto, torpe y ansioso amante de Elsa Lanchester que encarna a “la novia de…”, cuyo creador dotó de virginidad y actitud. Después del enorme éxito de Frankenstein en 1931, Whale no estaba dispuesto a agregar un segundo capítulo a su historia. Pero logra que esta secuela sea infinitamente superior a su fuente. Una pequeña obra maestra perfecta, no exenta de lástima, terror y sátira de los romances clásicos. De hecho comienza con un imaginado diálogo entre Mary Shelley y Lord Byron. La novia de Frankenstein es quizás la mejor de las películas de Frankenstein, basadas en los textos de Mary Shelley. Astuta y subversiva, pasa de contrabando, esquivando inteligentemente la censura, material impactante y reflexivo disfrazado con símbolos de terror. Hay películas que envejecen, otras que maduran. Este film es más sorprendente hoy que cuando se hizo. El público actual, más alerta a los indicios escondidos de homosexualidad, necrofilia y sacrilegio, los descubre a simple vista. Pero no es necesario deconstruirla para disfrutarla, quedan en nuestra memoria luego de la proyección, la desesperada búsqueda de amor del monstruo, la locura cientificista y la potente e irónica iconografía creada por James Whale.
Festival de Cannes; Premios Goya: Mejor actor de reparto (José Coronado); Premios Platino del Cine Iberoamericano: Mejor actor de reparto (José Coronado). Durante décadas, especialmente en España, se preguntaban por qué Víctor Erice no realizaba un nuevo film. Desde hace treinta años no ha estrenado un largometraje, pero según él, nunca ha dejado de rodar. Cerrar los ojos es su cuarto largometraje (después de El espíritu de la colmena, El Sur, El Sol del Membrillo y las video correspondencias con Kiarostami), realizado a sus 82 años. Una película en la que Erice habla de él y de su cine. Presentada en el Festival de Cannes en la sección Cannes Premiere, con la ausencia del director, el film en sus casi tres horas es una suerte de biografía al mismo tiempo que ficción, memoria y sentimientos. Julio Arenas desaparece durante el rodaje de una película. Nunca se llega a encontrar su cadáver. La policía concluye que ha sufrido un accidente al borde del mar. Años después, el misterio vuelve a la actualidad a partir de un programa de televisión que se encarga de buscar desaparecidos y que pretende evocar la figura de este, alguna vez célebre, actor español. Soledad Villamil canta, y suenan varios tangos más en esta película que contiene otra película. Y que aprovecha para hablar de las conexiones entre el cine y la memoria, del paso del tiempo y los cambios de vida, de la relación entre padres e hijos y, sobre todo, de la amistad. Comienza y termina con imágenes de archivo de lo último que ese actor y su íntimo amigo,el director Miguel Garay, rodaron juntos y cuya película nunca se terminó, ni se vio. Amigos desde jóvenes, antifranquistas y dedicados al cine. Con escenas de una belleza anacrónica, construidas con la sensibilidad de un Erice que se sobrepone a la certeza de que hoy el cine es otra cosa, en este film cierra el círculo cincuenta años después de El espíritu de la colmena.
Este martes hay doble programa. A las 20, el último film del director y activista italiano Nanni Moretti. Luego, a las 22, un clásico de Ridley Scott en la sección Cyber Punk.
Horarios Apertura boletería: 19.30 hs. Proyección (puntual): desde las 20 hs.
A las 20 hs.: "IL SOL DELL'AVVENIRE"
"Il sol dell'avvenire" (Lo mejor está por venir) Italia, 2023. 95'. Dir. Nanni Moretti.
Premios: Festival de Cannes 2023, nominada a Palma de Oro; David di Donatello, mayo 2024, 7 nominaciones. La última película de Nanni Moretti es una comedia política, irónica y sentimental rodada después de dos dramas: Mia Madre y Tre Piani. Il sol dell’avvenire (Lo mejor está por venir) reúne tres films en uno como una matrioska cinematográfica: El que filma Giovanni (alter ego de Nanni Moretti), acerca de la rebelión húngara de 1956 y la reacción del PC italiano; el que produce su esposa, Paola (Margherita Buy); y aquél del cual sólo existe un guión imaginado sobre dos jóvenes enamorados, en una ingeniosa intersección de planos narrativos diversos. Cuenta la relación en crisis de la pareja, de cuarenta años de casados. Paola piensa en el divorcio y va al psicoanalista en secreto. Es también una película sobre el cine (“¿existe?” “¿dejará de existir?”), que muestra las peripecias con el productor francés (Mathieu Amalric), las discusiones con la gente de Netflix y el brindis con los productores coreanos… Se toma aquí Moretti el pelo a sí mismo y así como cuando canta junto a una grabación de Aretha Franklin lo hace “fuera de tiempo”, sabe, siente, que él mismo está fuera de época, concentrado sobre un ritmo que no es más el del presente. La maravillosa banda sonora cargo de Franco Piersanti incluye registros de 50 años de canciones italianas que recordamos (Luigi Tenco, Fabrizio De André, Franco Battiato, Noemi) Una película que narra con vigor el presente, las cosas que perdimos y… nuestras esperanzas.
A las 22 hs.: "BLADE RUNNER"
"Blade Runner" Estados Unidos, 1982. 117'. Dir. Ridley Scott.
BAFTA: Mejor fotografía (Jordan Cronenweth), Mejor diseño de producción (Lawrence G. Paull), Mejor diseño de vestuario (Charles Knode, Michael Kaplan); Asociación de Críticos de Los Ángeles: Mejor fotografía (Jordan Cronenweth). A principios del siglo XXI, la poderosa Tyrell Corporation creó, gracias al avance de la ingeniería genética, una gama de robots llamados Nexus 6, 'seres' virtualmente idénticos al humano pero superiores en fuerza y agilidad, catalogados como Replicantes. Estos cyborgs trabajaban como esclavos y guerreros en las colonias exteriores de la Tierra. Después de la sangrienta rebelión de un equipo de la serie Nexus, los Replicantes fueron desterrados de la Tierra con condena de muerte. Brigadas especiales de policía, los Blade Runners, tienen órdenes de "retirar" a los sublevados. De eso se encarga el solitario y malhumorado Rick Deckard (H. Ford), un típico detective inescrupuloso del cine noir pero en un futuro CiberPunk: subgénero, estilo y explosión estética de la literatura, el cómic y el cine, cuya abanderada es justamente ésta gran película, escoltada por Akira, Robocop, Tetsuo, Existenz entre otras maravillas. High-Tech Low Life es la esencia. La High Tech de las megacorporaciones vuelta contra la humanidad, replanteando el dilema de la identidad en un contexto de hiper desigualdad social. También el vínculo amoroso claro, queda tramado en el conflicto. Es en Los Angeles del futuro (¡2019!), superpoblada de asiáticos y latinos mestizados, de neón, publicidad monumental, lenguaje slang sincrético y autos voladores, que Harrison Ford persigue a unas máquinas humanoides con ansias de inmortalidad. A pesar de lo innovador de su planteo, de lo impactante de su estilo y estética, del potente texto base de Philip Dick; Blade Runner fue un fracaso comercial y gran parte de la 'crítica especializada' la menospreció, incluso el estudio productor impuso un cambio para un 'final feliz' en el estreno de 1982. Ridley Scott siguió insistiendo con su corte Director; hubo varias versiones posteriores con retoques y años después se llegó a la copia Final Cut restaurada en su magnífico color y textura y un sutil cambio narrativo, pero de fondo. Es que el film ya había pasado por años 'de culto' a ser lo que es hoy, un indiscutible gran clásico de la ciencia-ficción ciberpunk. Magistral en su realización en todas las áreas, brillante en su formato entonces original, inquietante en su trasfondo cada vez más vigente. Mención especial para su banda sonora, un prodigio futurista de Vangelis que encaja con lo visual como pocas veces en la historia del cine. Y la imprescindible visión en sala, destino de las películas y punto de encuentro irremplazable. "He visto cosas que nadie creería. Atacar naves en llamas, más allá de Orión. He visto Rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir…". indeleble frase final del gran androide del cine.
Este martes la propuesta es de grandes directores. A las 20 hs. la opera prima del director de Zona de Interés, Jonathan Glazer. A las 22 hs. sigue la Sección Cyber Punk con una crítica satírica del totalitarismo de Paul Verhoeven.
Horarios Apertura boletería: 19.30 hs. Proyección (puntual): desde las 20 hs.
A las 20 hs.: "SEXY BEAST"
"Sexy Beast" Reino Unido, 2000. 89'. Dir. Jonathan Glazer.
British Independent Film Awards; Mejor película británica independiente, Mejor dirección (Jonathan Glazer), Mejor guion (Louis Mellis, David Scinto), Mejor actor (Ben Kingsley); National Board of Review (Asociación de Críticos Norteamericanos):Premio mención especial; Critics Choice Awards: Mejor actor secundario (Ben Kingsley). Tras haber pasado una temporada tras las rejas, el gángster de los bajos fondos del East End londinense, Gary “Gal” Dove disfruta tranquilo y “retirado” en un lujoso chalet en una ladera en la Costa del Sol de España. Junto a su esposa, una querida ex estrella porno, disfrutan de este idílico lugar hasta que una visita cambia las cosas. La llegada de Don Logan, antiguo compinche de Gal, empaña la felicidad de la pareja. El original villano, estridente psicópata que padece sin complejo de envidia sexual y autodesprecio (Sorprendente interpretación de Ben Kingsley), intenta convencerlo de que vuelva a Londres para un último gran golpe. En este film de gangsters, primer largometraje del director de Zona de Interés Jonathan Glazer, que para ese momento era conocido por haber dirigido videos musicales para Massive Attack, Radiohead y Nick Cave, inaugura su original recorrido autoral transitando la ruta de films de género gangsteril -desprestigiado en Inglaterra-, y lo reivindica con un tratamiento visualmente deslumbrante y un giro desafiantemente cómico. Es una comedia de gángsters, "Neón Noir" dirá Glazer, con el protagonismo de Ray Winstone como el retirado ladrón que es capaz del robo más osado pero sólo quiere que lo dejen en paz.
A las 22 hs.: "ROBOCOP"
"Robocop" Estados Unidos, 1987. 103'. Dir. Paul Verhoeven.
Oscars: Mejores efectos sonoros (Stephen Hunter Flick, John Pospisil); Festival Internacional de Cinema de Catalunya - Sitges: Mejor dirección (Paul Verhoeven); Premios Saturn:Mejor película de ciencia ficción, Mejor dirección (Paul Verhoeven), Mejor guión (Michael Miner, Edward Neumeier) Mejor efectos especiales (Peter Kuran, Phil Tippett, Rob Bottin, Rocco Gioffre), Mejor maquillaje (Rob Bottin, Stephan Dupuis). Ambientada en un Detroit del futuro cercano donde los asuntos policiales están controlados por la todo poderosa corporación OCP, la película sigue las tribulaciones del amable policía Alex Murphy (Weller) quien, después de ser hecho pedazos por una banda de delincuentes, vuelve a la vida como un Ciborg policía. El crimen es un gran negocio, los delincuentes de guante blanco hacen negocios sucios desde sus torres, y abajo entre el crimen y la decadencia y basura tóxica pululan punks vestidos de cuero… y bandas a las órdenes de OCP. Para acabar con la delincuencia ultraviolenta en la ciudad, las autoridades aprueban el proyecto de OCP, la creación de una máquina letal, mitad robot, mitad hombre, a la que llaman Robocop, y para fabricarla utilizan el cuerpo de Murphy, en cuyo cerebro algo de humanidad resiste. En resumen, la trama de Robocop es similar a varios cuentos de superhéroes con un poco de Harry el Sucio y Juez Dredd. Pero, en manos de Verhoeven, la película se convirtió, al igual que su posterior Starship Troopers/Invasión, en una crítica satírica del totalitarismo: el que había vivido cuando era niño y crecía en Holanda invadida por los nazis. Fue testigo de cómo la gente "recogía pedazos de pilotos". "Había demasiados uniformes en La Haya", dijo Verhoeven. "Vivir en un país ocupado y dominado por un imperio del mal es algo que me resulta muy cercano. Siendo hijo de la guerra, mi tolerancia a la violencia es mayor de lo normal". Peor, en la precursora Robocop supura la esencia de un mecanismo político tecnológico que hoy se extiende por el mundo: el corporativismo neofascista. La habilidad técnico narrativa de Verhoeven y las políticas de Reagan y Thatcher imperantes en ese momento le dieron el valor que sostiene esta gran película. Una descripción sardónica de una sociedad llena de un caos violento manejado por altos piratas financieros que controlan la alta tecnología, los medios de difusión y el aparato de seguridad, articulado por Ceos yuppies que impulsan sin escrúpulos y con muchas sustancias ilegales, proyectos inhumanos. Algo puede fallar claro, la inquietud por la Identidad humana y el afecto perviven. Todo eso perfectamente realizado como cine de acción e ironía, Ciencia Ficción modelo Ciberpunk.
Vuelve la actividad este martes 9, proponiendo un DOBLE PROGRAMA con dos opciones muy diferentes. A las 20 h. un día en la vida de una niña muy curiosa y observadora. A las 22 h., Arnold Schwarzenegger interpreta a un obrero de la construcción en esta distopía basada en un cuento del genial Philip K. Dick.
Horarios Apertura boletería: 19.30 hs. Proyección (puntual): desde las 20 hs.
A las 20 hs.: "TÓTEM"
"Tótem" México, 2023. 95'. Dir. Lila Avilés.
Festival de Morelia: Mejor película (largometraje mexicano); Mejor director; Premio del Público (Ficción). 2023: Festival de Berlín: Sección oficial largometrajes a concurso Premios Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor película extranjera. 2024: Premios Platino del Cine Iberoamericano: 2 nominaciones. Asociación de Críticos Norteamericanos (NBR): Nominada a Mejores películas extranjeras del año (por orden alfabético). Asociación de Críticos de Los Ángeles (LAFCA): Nominada a Mejor película extranjera. Tótem narra un día en la vida de Sol y de su extendida familia de primos, tíos y amigos en la casa consultorio de su abuelo en el que se festejará el cumpleaños de su joven padre, que está viviendo allí y soporta una enfermedad terminal. Sol, la protagonista de esta bella película, tiene siete años y pasa el día en casa del abuelo donde se va a celebrar una fiesta sorpresa para su padre. A lo largo del día, el caos se apodera de a poco de la familia y mueve sus cimientos. Lo que ocurre adquiere por momentos tono de comedia absurda y hasta disparatada, con situaciones nerviosas e hilarantes, pero tambièn oscurecidas por la cercanìa de la muerte. El plan de la fiesta tiene mucho de homenaje y celebración, pero también de negación, de desesperación, de apoyarse en lo que sea necesario para superar ese agobiante proceso. Y es Sol, siempre Sol, la que parece darse cuenta de todo. Es quien hace las preguntas, observa subrepticiamente, sorprende conversaciones, capta los movimientos que la rodean y llena de claridad ese caos del universo adulto.
A las 22 hs.: "VENGADOR DEL FUTURO"
"Vengador del Futuro" (Total Recall) Estados Unidos, 1990. 109'. Dir. Paul Verhoeven.
Oscars: Mejores efectos visuales; Premios Saturn: Mejor película de ciencia ficción. Arnold Schwarzenegger interpreta a un trabajador de la construcción en 2084 que descubre que le han implantado recuerdos falsos y una identidad falsa; para aclarar las cosas, tiene que llegar a Marte, colonizado por capitalistas, seres codiciosos que crean, explotan y abusan de mutantes mediante su control del aire. También basada libremente en un cuento del genial Philip Dick (“Podemos recordarlo para ti al por mayor”, 1966), es otro aporte en la veta de la innovadora de Ciencia ficción distópica y ciberpunk de los años 80-90, aunque al portentoso, dinámico y satírico estilo de Paul Verhoeven junto a un equipo de especialistas y stunts impresionantes, notorios en el diseño de producción, la puesta escenográfica, los efectos visuales analógicos impactantes, maquillaje detallista sangriento de Rob Bottin, mucha acción y unos villanos… a lo Michael Ironside. Arnold Schwarzenegger que esta vez no es un superhombre, aunque lucha como tal. Es un obrero de la construcción del futuro confundido y asustado, un hombre vulnerable y traicionado por la estructura de ese presente confuso. Es que protagoniza aquí una de las películas de ciencia ficción más potentes visualmente y también complejas en la dirección de su trama, por construir una historia imparable, con una medular intriga originada en el relato de Dick: ¿Qué pasaría si te pudieran proporcionar recuerdos? ¿Si se pudieran reemplazar las experiencias que realmente visite, cambiar la memoria de tu pasado? Lo que vive Arnold-Quaid a partir de que le inoculan unas vacaciones en Marte se transformará en una espectacular deriva de conspiraciones, esclavismo colonial, mutantes versus capitalistas codiciosos y asesinos y amores por encargo ¿Pero son recuerdos empaquetados o experiencias reales? La película juega tentadora con las posibilidades, a un ritmo vertiginoso y exageración jugosa. Y Quaid deriva entre ser un albañil conflictuado o un superespía invencible. Vale destacar que este original y provocador director nunca muestra extravagancia o derramamiento de sangre por sadismo o insensibilidad. Gran parte de su talento radica en su disposición a llegar creativa e intransigentemente a los extremos. En resumen, el thriller de acción futurista de Paul Verhoeven sumerge al héroe musculoso en espionaje, rebelión e investigación ingeniosa y obscena sobre el terror psicológico, pero muy en el fondo en un juego mortal a fondo de la mente sobre la materia.
Comunicamos a los socios y allegados que, por el Feriado Nacional del martes 2 de abril, Día del Veterano y de los Caídos en la guerra de Malvinas, no habrá función de Cine Club en nuestro Auditorio.
Un pueblo sin memoria es un pueblo condenado a repetir sus errores. Este martes 26 abrimos la sala a las 20 hs. con una función por la Memoria, la Verdad y la Justicia. Se proyectará el notable documental del argentino Jonathan Perel, que da cuenta de la relación entre el poder económico y el gobierno de facto durante la dictadura de 1976-1983 en Argentina. A las 22 hs. es el turno de otra entrega de la Sección Ciber-Punk, esta vez con un film del genial David Cronenberg.
Horarios Apertura boletería: 19.30 hs. Proyección (puntual): desde las 20 hs.
A las 20 hs.: "RESPONSABILIDAD EMPRESARIAL"
"Responsabilidad Empresarial" Argentina, 2020. 68'. Dir. Jonathan Perel.
BAFICI: Mejor director competencia argentina. Jonathan Perel recorre 25 establecimientos industriales, en funcionamiento, y los filma desde su auto mientras narra todos y cada uno de los aberrantes delitos cometidos por estas empresas, responsables junto con el gobierno de facto, por la detención ilegal y desaparición de muchos de sus trabajadores. Algunas de ellas renombradas multinacionales. El documental es una adaptación del documento oficial, de dos tomos de mil páginas, Responsabilidad empresarial en delitos de lesa humanidad. Represión a trabajadores durante el terrorismo de Estado, elaborado en noviembre de 2015 por el Ministerio de Justicia y Derechos Humanos de la Nación. En él se documentan 25 casos en donde existen pruebas de la participación empresarial en la represión durante la dictadura de 1976-1983. El film de Perel busca visibilizar aún más esta investigación publicada en los meses previos al cambio de gobierno y rescatarla de su posterior discontinuidad en la impresión y olvido. Lo que la investigación demuestra y Perel ratifica en este riguroso documental-ensayo es que se trató de un modu operandi, de patrones que se extendieron por todas las provincias y en todos los sectores de la economía. Los militares exterminaban a los trabajadores más combativos, los empresarios echaban personal sin pagar indemnizaciones, aumentaban la productividad al dejar sin efecto derechos laborales, se endeudaban fuertemente en el exterior y finalmente en 1982, la dictadura terminó estatizando la deuda privada de miles de millones de dólares. No se trató de mera complicidad secundaria, ni de hacer la vista gorda, sino directamente de una absoluta connivencia, una sociedad para cometer delitos de lesa humanidad. Con una imagen cinematográficamente impecable, “El truco consistía en filmar a todas las fábricas en el amanecer. Esto de por sí solo ya luce bien en términos de cinematografía, pero no lo hice por sus virtudes cinematográficas, sino porque esta hora del día es el momento en que los trabajadores llegan a la fábrica. El libro explica cuántos trabajadores fueron secuestrados en ese momento del día” y plantea un paralelismo en reversa con los primeros films de los hermanos Lumiere, los obreros saliendo de la fábrica, “No salen trabajadores aquí”, dice. Una nítida mirada de la relación de incuestionable responsabilidad entre las grandes empresas, dueñas del poder real, y el fascismo.
A las 22 hs.: "EXISTENZ"
"EXistenZ" Canadá, 1999. 97'. Dir. David Cronenberg.
Festival Internacional de Berlín: Oso de Plata -Contribución artística sobresaliente- (David Cronenberg); Premios Genie: Mejor montaje (Ronald Sanders). Con Jennifer Jason Leigh, Ian Holm, Willem Dafoe, Jude Law. David Cronenberg ha creado en gran parte de su obra, un universo multidimensional en el que cuestiona insistentemente los límites de cada faceta de la condición humana: física, moral y existencial. Y en esta película específicamente, despliega una visión subversiva y socarrona del poder de seducción de la realidad virtual. En EXistenZ, un thriller ciber sci-fi, una consola de juegos se conecta orgánicamente a la columna vertebral. Los usuarios integran así biopuertos con sus médulas espinales, y quedan encerrados en un mundo virtual interactivo que es tan realista que no pueden distinguir el juego de la realidad. Siempre provocador, Cronenberg sabe desdibujar y complejizar la línea que separa a los humanos de las máquinas. Mientras muchos no parecen encontrar inquietantes los límites, en especial actualmente con la AI, EXistenZ hace sentir, visceralmente, el trauma de que nuestra integridad corporal sea violada o manipulada por tecnología orgánica. El film apela a una estructura de thriller futurista y con gran ingenio e ironía muestra que no es intelectualmente reconfortante ni socialmente inofensivo, desdibujar la frontera entre lo humano y lo no humano.
