Festival Tribeca: Mejor película internacional. El joven director Jan Komasa ya es uno de los más importantes del nuevo cine polaco, su anterior largometraje, Corpus Christi estuvo oscarizado, y en Hater logra un retrato contemporáneo de un villano de la era fake news. Aborda varias de las cuestiones más candentes de la discusión pública actual como el discurso del odio, el avance de los grupos de ultraderecha, las campañas de desprestigio en redes sociales contra figuras públicas a fuerza de fake news, la obsesión por las armas y el ciberterrorismo. Komasa logra sostener el interés y la tensión durante los 135 minutos de relato, a partir de un protagonista tan brillante como manipulador, tan magnético como canallesco y despreciable, que parece englobar en su personalidad todos los males de este mundo. Expulsado en una de las primeras escenas del film de la carrera de Derecho por plagiar un trabajo, nuestro perfecto antihéroe (alguien que parece convertirse en una suerte de vengador anónimo contra una sociedad que lo ha despreciado y aislado) comienza a trabajar en una agencia de comunicación que utiliza las peores artimañas del marketing digital para atacar a quien su cliente les indique como enemigo número uno. En este caso, un político progresista que es favorito a convertirse en alcalde de Varsovia. Digno heredero de la escuela de grandes personajes psicopáticos de la historia del cine, Tomasz, con su fuerte carga de dolor, angustia y soledad, llevará las cosas hasta instancias impensables y –al fin de cuentas– incontrolables en un drama que remite a los climas paranoicos de la filmografía de Michael Haneke. Hater resulta una película valiosa e inquietante, de esas que inevitablemente detonan el debate cinéfilo y también sociopolítico.
Desde marzo habrá funciones todos los martes. Esta primera función del mes es con DOBLE PROGRAMA: A las 20 hs., una historia de amor, una fábula, una pintura de una época desde la mirada del italiano Pietro Marcello. A las 22 hs. se abre la nueva SECCIÓN "CYBER PUNK" con una película de Jonathan Glazer.
Horarios Apertura boletería: 19.30 hs. Proyección (puntual): desde las 20 hs.
A las 20 hs.: "SCARLET"
"Scarlet" (L’envol) Francia, 2022. 100'. Dir. Pietro Marcello.
Festival de Cannes: Quincena de Realizadores; Festival de Sevilla de cine europeo: Mejor dirección. En Scarlet, un drama posterior a la Primera Guerra Mundial convierte la realidad en una ficción netamente cinematográfica. Una especie de cuento popular, con fragmentos introductorios de crudo realismo de posguerra, que se va transformando en una película difícil de etiquetar, como es toda la obra del realizador italiano autor de La bocca del luppo, quien ha trabajado en documentales, películas con metraje histórico, y cruzando incluso en terrenos fantásticos, como ya lo probó en Martin Eden sobre el personaje de Jack London. Esta vez filmó en Francia, y los hechos narrados en los paisajes de la Normandía rural, se vuelven ficción poética y hasta musical según crece y anhela la protagonista, una niña dotada para la música y el canto, apoyada por un padre duro (Raphaël Thierry), de manos hábiles y corazón tierno. Una aldea casi medieval de fuertes prejuicios machistas, con bosque contiguo y hasta brujas, y una profecía sobre la llegada de un salvador que traerá el amor surcando los cielos, son elementos extraídos del cuento de lectura escolar en Rusia Las Velas Escarlatas, que dan contexto al relato de tono lírico filmado en 16 mm granuloso y cálido por el mismo Marcello en cámara. Destacan los rostros detallados que asemejan paisajes humanos fuertes y sensibles a la vez, expresando las duras vivencias de los trabajadores pobres que intentan vivir dignamente, y cuidar a sus afectos. Pietro Marcello como otros jóvenes realizadores italianos, Alice Rorwacher, Gabriele Mainetti o Alesio de Righi, vienen afirmándose en tradiciones folclóricas y mostrando su desconfianza a los nuevos requisitos de mercado. En esta combinación de estilos, espíritu de fábula, personajes de clase popular, experimentación visual y crítica mirada a la historia, el director parece liberarse jugando con un retroceso muy moderno, mezclando cierto tipo de estilo italiano actual con el sueño del cine francés de antaño. Film vintage y moderno a la vez, desgarrador y con un vuelo encantador.
A las 22 hs.: "UNDER THE SKIN"
"Under The Skin" Reino Unido, 2013. 108'. Dir. Jonathan Glazer.
Festival de Venecia: Sección Oficial. Premios BAFTA, mejor film británico; Premios del Cine Europeo, Asociación de Críticos de Los Ángeles, Asociación de Críticos de Chicago: Mejor banda sonora -Mica Levi-. En el cine se puede vivir, experimentar una alucinación en vivo, y mejor si es en sala, parecía sugerir ya en su tercer largometraje J. Glazer, director también de Sexy Beast, Birth y ahora: Zona de Interés. En medio dirigió decenas de videoclips y cortometrajes delineando casi siempre mundos perturbadores y oscuros; películas-mundos de los que es imposible salir, y menos ileso. Aquí fuertemente referenciado en Kubrick y basado en lo esencial de la novela Sci-Fi homónima de Michel Fabe, dirigió una adaptación surrealista de una tragedia interplanetaria, con narración elíptica y protagonista excepcional en todos los sentidos, llegando a algo que casi se podría llamar horror existencial. La 'mujer que cae a la tierra' es Scarlet Johansson, una supuesta alienígena que deambula por parajes de Glasgow, en Escocia, busca presas humanas varones para arrastrarlos a un extraño destino fatal. Sugerencia de sexo salvaje con finales perversos. Aunque a la misteriosa mujer no le inquieta su tarea, hasta que su propia experiencia e involucramiento, le abrirá el gran interrogante de la identidad humana. Claro que el dispositivo montado por Glazer también hace al carácter pesadillesco, cámaras pequeñas en distintos lugares de los vehículos, sonido distante en los pocos diálogos, escenas de abstracción pura, cuerpos fundiéndose con paisajes desolados, banda musical hipnótica. Factores que contribuyen a la perturbación general de un relato contundente y que a la vez abre un mundo de interrogantes. Eso hace a un film excepcional.
Este martes tendremos una muy atractiva doble función. A las 20 hs., un film basado en un hecho real que sacudió el poder político y empresarial francés y a las 22 hs. una de las mejores obras de animación para adultos de los impertinentes creadores de South Park.
Horarios Apertura boletería: 19.30 hs. Proyección (puntual): desde las 20 hs.
A las 20 hs.: "LA SINDICALISTA"
"La Sindicalista" Francia, 2022. 122'. Dir. Jean-Paul Salomé.
Maureen Kearney, la principal representante sindical de una potencia nuclear multinacional francesa, se convierte en denunciante de acuerdos secretos que sacudieron el sector nuclear francés en 2011. Con uñas y dientes lucha contra ministros y altos funcionarios de gobierno y líderes de la industria para sacar a la luz el escándalo y defender más de 50.000 puestos de trabajo. Basada en una historia real, la vida de La Sindicalista, interpretada por eficaz Isabelle Huppert, da un vuelco cuando es atacada, aparentemente como una advertencia profesional. La película de Salomé, que estuvo nominada a Mejor película en el Festival de Venecia, pasa de ser un thriller de denuncia a un drama judicial iracundo, con la revelación de la misoginia institucional como hilo conductor -el entonces presidente francés Nicolás Sarkozy la habría calificado de "histérica con falda" lo que también fue parte del revuelo-. El libro de la periodista de investigación Caroline Michel-Aguirre inspira este drama judicial, cargado de suspenso y sospechas, que se divide en capítulos fechados hasta alcanzar su punto de inflexión y convertirse en algo totalmente nuevo. Después del ataque contra Maureen, las reuniones ministeriales, el espionaje industrial y las intrigas de la sala de reuniones se desvanecen, para ser reemplazados por el trabajo detectivesco y el acompañamiento legal.
A las 22 hs.: "TEAM AMERICA WORLD POLICE"
"Team America World Police" Estados Unidos, 2004. 98'. Trey Parker, Matt Stone.
Una organización paramilitar internacional que combate lo que el Pentágono define como terrorismo antiestadounidense, es conocida como “policía mundial” y se encarga de mantener el orden y la estabilidad en el mundo, según los designios… estadounidenses. Por otra parte, un ambicioso y ceceoso dictador norcoreano está repartiendo armas de destrucción masiva a los terroristas y habrá que detenerlo. El sofisticado Team aplica su ley cual superhéroes y busca eliminar a terroristas islámicos en París, sin importar que se destruya la Torre Eiffel, el Arco del Triunfo y el Louvre en el proceso. El equipo incluye a una psicóloga idealista; una psíquica; un deportista enamorado de la psíquica, un experto en artes marciales celoso y fóbico hacia los actores. Y el jefe incorpora un hombre clave… un actor de Broadway para que espíe a los terroristas chechenos. Película deliciosamente venenosa que llega a varios clímax y su esplendor quizás en la escena de amor erótico entre protagonistas, que no pudo ser censurada. Entrelaza marionetas y efectos en miniatura a lo Michael Bay, y se divierte con estrellas de hollywood progresistas como los villanos. Sólo a los creadores de South Park se les ocurre patear todos los límites de un modo tan divertido, que con 20 años sigue siendo tan irreverente. ¿A quién le va a encantar? A todo aquel que tenga sentido del humor como para ironizar la mismísima política imperial. Una película tan incorrecta que salta todos los 'controles de calidad', por eso se proyecta en Cine Club Rosario.
Otra doble función para disfrutar este martes. A las 20 hs. la nueva comedia de Alexander Payne. A las 22 hs. una nueva película de la Sección SCI.FI-BIZARRO. Es una selección de títulos extraños que desbaratan con mucho humor, acción delirante y efectos ‘físicos’, los cánones prejuiciosos de los géneros industriales.
Horarios Apertura boletería: 19.30 hs. Proyección (puntual): desde las 20 hs.
A las 20 hs.: "LOS QUE SE QUEDAN"
"Los que se quedan" Estados Unidos. 2023. 133'. Dir. Alexander Payne.
Globos de Oro: Mejor actor principal -Comedia- (Paul Giamatti); Asociación de Críticos de Boston: Mejor película, Mejor actor (Paul Giamatti); Asociación de Críticos Norteamericanos: Mejor guión original (David Hemingson). Ambientada en una escuela preparatoria de élite de Nueva Inglaterra, es el retrato de un profesor de historia cascarrabias que se ve obligado a permanecer en el campus durante las vacaciones de Navidad para velar por un puñado de estudiantes que no tienen a dónde ir. Una comedia perspicaz que tiene a este profesor, interpretado por el brillante Paul Giamatti, como contrapunto de unos niños ricos en un internado acomodado. Su misión, priorizar la equidad sobre la influencia financiera. Alexander Payne, director de Entre Copas y Nebraska, logra con Los que se quedan una comedia dramática sensible, con vida propia.
A las 22 hs.: "TANK GIRL"
"Tank Girl" Estados Unidos. 1995. 104'. Dir. Rachel Talalay.
Continúa la Sección SCI.FI-BIZARRO, una selección de esos títulos que fueron tratados como clase B contemporánea, de segunda. O como más justamente dicen en inglés “weird”; extraños. Protagonizada por Lori Petty, el cómic de culto neo-underground de Jamie Hewlett y Alan Martin, Tank Girl, cobra vida luciendo exactamente como debería, rebosante de un derroche de color en constante cambio, violencia gratuita, sexo entre especies, y otras perlas que sorprenden a cada secuencia. Más que Batman, más que The Crow, Tank Girl se juega concientemente entre una película y un cómic; de hecho, con orgullo y gracia. El uso que hace Talalay del arte de los cómics y la animación a gran escala como secuencias inspiradas en el programa de televisión Batman tiene mucho que ver con esta extraña sensación de combinación desprejuiciada de recursos. Ambientada en el año 2033, Petty (la imborrable Tyler Ann, el eje entre Keanu Reeves y Patrick Swayze en el thriller de surfers Point Break) es Rebecca o Riot Grrrl, una joven pegajosa y completamente adorable que no quiere nada más que conseguir un poco de agua preciosa para sus compañeros en ese desértico mundo post-apocalíptico. Malcolm McDowell es el jefe del malvado consorcio Water & Power, y claro, tiene otros planes. Esclaviza a Rebecca y su banda y los pone a trabajar descubriendo a los misteriosos “Destripadores”, ¡canguros mutantes -sí!, responsables de una serie de misiones guerrilleras de rastreo y destrucción contra las corruptas instalaciones de W&P. Parece que no hay salida, hasta que Rebecca logra escapar y robar un tanque colosal, y de repente son Tank Girl y Jet Girl contra el mundo. Son 100 minutos de aventuras incorrectas y gags muy tontos e inmensamente entretenidos que recuerdan desde Mad Max hasta Star Wars, desde Flash Gordon hasta Buckaroo Banzai, también una comedia de ciencia ficción. Sin embargo, detrás de todo este aparente disparate se esconde una admirable construcción feminista de autoempoderamiento y de individualismo rudo. Sin menospreciar que esta película también mixtura en su loco blend, los coros de Busby Berkeley con canguros mutantes asesinos y la heroína de acción más salvaje y de buen genio. Dirigida por Rachel Talalay a partir de un guión de Tedi Sarafian; con Malcolm McDowell, Ice-T, Naomi Watts, Iggy Pop, James Hong, Ann Cusack.
El próximo martes la propuesta es de cine europeo, con dos películas de producción reciente.
Horarios Apertura boletería: 19.30 hs. Proyección (puntual): desde las 20 hs.
A las 20 hs.: "ROTER HIMMEL"
"Roter Himmel" (Cielo Rojo) Alemania, 2023. 102'. Dir. Christian Petzold.
Festival de Berlín: Oso de Plata - Gran Premio del Jurado. El cine germano tuvo en el 2023 entre sus notas más altas el notable incendio encapsulado de Cielo Rojo, del gran Christian Petzold. A partir de una metáfora triple –un bosque en llamas, el deseo reprimido, el bloqueo creativo de un escritor– el cineasta alemán encierra a dos parejas jóvenes y a un editor maduro en una casa de campo veraniega mientras cada uno lidia con su propia inseguridad y las trabas para comunicar sus deseos a los demás. Cielo Rojo es un alarde de pasiones silenciadas que refina el minimalismo expresivo habitual en el director. Nuevamente hace girar en torno al personaje de Paula Beer las masculinidades quebradas y confundidas del resto del elenco. El resultado es un crescendo de notable autocontrol e intensidad (Bafici 2023). El punto de partida no podría ser más simple y está inspirado, como lo reconoce el propio Petzold, en los “cuentos de verano” de Eric Rohmer, como “Pauline à la plage”, “Conte d’Eté” o “La Collectionneuse”: un grupo de jóvenes se reúne por decisión o por azar en una casa cercana al mar donde aprenderán algo del amor y del desamor. Pero a diferencia del francés (uno de los creadores de la “nouvelle vague”), Petzold carga consigo con la gravedad de la cultura alemana, lo que da a ese encuentro un carácter más oscuro, empezando por esa ventosa playa del mar Báltico donde transcurre la acción. (Luciano Monteagudo, Página 12).
A las 22 hs.: "SISU"
"Sisu" Finlandia, 2022. 91'. Dir. Jalmari Helander.
Festival Internacional de Cinema de Catalunya - Sitges 2022: Mejor película, Mejor actor (Jorma Tommila), Mejor fotografía (Kjell Lagerroos), Mejor banda sonora original (Juri Seppä, Tuomas Wäinölä). Son los últimos días de la Segunda Guerra Mundial y un ex soldado devenido en buscador de oro (Jorma Tommila) se cruza con unos nazis en su retirada del norte de Finlandia. Seguros, confiados, los nazis le roban el oro, pero pronto descubren que no se han metido con un minero cualquiera. SISU es una palabra finlandesa intraducible, que quiere decir algo así como «fuerza de voluntad, determinación, perseverancia y sacar fuerzas ante la adversidad». Este legendario ex-soldado encarnará este significado. Es un escuadrón de la muerte de un solo hombre que hará todo lo posible por recuperar su oro, aunque eso signifique matar a todos los nazis que se crucen en su camino. Helander rara vez ofrece un respiro del caos estridente. Su acción orquestada y sus travesuras sangrientas hacen que levantes los puños desde la primera muerte nazi espeluznante y bien merecida, pero es solo un calentamiento para el combate de rencor lleno de explosiones y crujido de huesos que sigue. Sisu se siente como un juego de acción de antaño, pero con un estilo moderno. El director se las arregla para seguir progresando en esta sangrienta batalla de maneras sorprendentes. Cuando creas que has llegado a una secuencia de acción espectacular o a una muerte sangrienta, espera que venga otra para superarla. Es este estilo y la imaginativa narración visual lo que hace que Sisu sea tan emocionante.
Comienza la temporada 2024 con doble función. A las 20 hs., un drama que nos remite al film Persona de Bergman. Y a las 22 hs. inauguramos sección SCI-FI-BIZARRO con una alucinante película de Carpenter.
Horarios Apertura boletería: 19.30 hs. Proyección (puntual): desde las 20 hs.
A las 20 hs.: "MAY DECEMBER"
"May December" (Secretos de un escándalo) Estados Unidos, 2023. 113'. Dir. Todd Haynes.
Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor de reparto (Charles Melton), Mejor guión (Samy Burch); Gotham Independent Film Awards: Mejor interpretación de reparto (Charles Melton); Asociación de Críticos de Chicago: Mejor guion (Samy Burch), Mejor intérprete revelación (Charles Melton), Mejor actor secundario (Charles Melton). Un escandaloso romance entre una mujer adulta con un preadolescente sacude la opinión pública en EEUU. Veinte años, muchas tapas de diarios sensacionalistas y una mediocre película para televisión después, Todd Haynes decide contar la historia con su refinada mirada, que nos remite a la del mismísimo Bergman en su film Persona. Gracie Atherton-Yu, interpretada aquí por Julianne Moore, y Joe -Charles Melton, trabajan juntos, ella tiene 36, él 13. Se enamoran y su romance escandaliza al país. Ella queda embarazada y el romance continúa a pesar de todo lo que se decía y publicaba incluso. Ahora, en la versión Haynes, sus hijos están a punto de graduarse del instituto, y se va a rodar una nueva película sobre su historia. La actriz “de televisión” Elizabeth Berry, encarnada por Natalie Portman -brillante en su rol, pasará un tiempo con la familia para intentar entender mejor a Gracie, a la que va a interpretar. La dinámica familiar supuestamente estabilizada, se deshace bajo la presión de la mirada exterior. Moore interpreta a una mujer con una conciencia ‘de teflón’ que, incluso después de más de dos décadas, sigue desviando las críticas públicas. Ahora abuela (por su primer matrimonio), Gracie espera que esta nueva película independiente traiga algunos matices a su historia, lo que no parece especialmente probable. El relato esencial se centra en las difusas líneas entre una estrella de Hollywood -N. Portman y su personaje de crimen real (J. Moore). El director hace películas no solo para ser vistas, sino para ser deconstruidas después de los hechos. Haynes y el guionista Samy Burch presentan esa historia de fondo en fragmentos, lo que permite al espectador formarse sus propias impresiones de Gracie antes de descubrir lo que realmente ocurrió. Fascinante film.
A las 22 hs.: "THEY LIVE"
"They Live" (Sobreviven) Estados Unidos, 1988. 91'. Dir. John Carpenter.
De lo mejor de la Ciencia Ficción Indie de todos los tiempos. Basada en el cuento de 1963 "Eight O'Clock in the Morning" de Ray Nelson, este film de Carpenter es tan relevante y atinado hoy como lo fue en su estreno. Un trabajador desempleado, casualmente llamado Nada, llega a un Los Ángeles decadente en busca de una salida laboral a su miseria. El abandono campea en las calles, mientras la frivolidad y la desintegración social completan el escenario. Un predicador callejero en éxtasis anuncia: "Los ves por la calle. Los ves por la televisión. Puede que votes a alguno de ellos este otoño. Piensas que son gente como tú. Estás equivocado. Mortalmente equivocado." “Ellos (they)” reclutaron a los ricos y poderosos para controlar a la humanidad. ¿Pero quiénes son ellos? Unos lentes que permiten ver a las personas tal cual son, llegan a manos de Nada. Gracias a estos descubrirá qué son ahora los importantes personajes de la vida política y social. Los que sembraron en el mundo mensajes subliminales con los que pretenden convertir a los hombres en una raza de… esclavos. Carpenter ha plantado con una obra delirante y genial, la última bomba de tiempo fétida en el fondo de la América neoliberal. Obra maestra que funciona primero como entretenimiento y conjuga la sátira de ciencia ficción ‘realista’ con acción y trasfondo político de gran lucidez e imaginación. La tan mentada ‘nueva época’ vuelve súper actual a They Live.
Festival de San Sebastián: Concha de Oro: Mejor Película. Corre el año 1940, en medio de la postguerra española, el cine ambulante llega a Hoyuelos, un pequeño pueblo de la meseta castellana. Isabel y Ana, dos hermanas de ocho y seis años van ese domingo al cine y quedan maravilladas con El Doctor Frankenstein de James Whale. A la pequeña le causa tal impresión que no deja de hacer preguntas a su hermana mayor y descubre en la figura del “monstruo” la respuesta a sus enigmas más profundos. Uno de los títulos más importantes del cine español y el primer largometraje de su director. Observa a la España franquista a través de la mirada de estas niñas y nos recuerda que la infancia avanza a su propio ritmo. La oposición entre la sordidez ambiental y la necesaria imaginación infantil funciona con admirable precisión en la pintura del tiempo y espacio que narra el film, aspectos que distinguen su narrativa. La potencia lírica y gracia siguen intactas con el paso del tiempo, en esta película sobre distintos modos de ver el mundo y sobre la vida interior de una niña que aprende sobre las complejidades más oscuras de la vida. Cada uno de los personajes presentados navega en su propio barco vital, tiene ideas propias y un pasado que repercute en su actualidad. Puede que hayamos olvidado nuestra magia de la infancia, pero en la mirada y la voz de Ana, es posible que volvamos a encontrar un poco de ella.
Después de la función Se hará un BRINDIS DE FIN DE AÑO, para celebrar juntos el amor por el séptimo arte.
Para el martes 12 las dos propuestas vienen de Asia. En la primera función, un multipremiado film surcoreano. Luego, a las 22 hs., continúa la Sección Maestros Del Animé con otra imperdible película de Satoshi Kon.
Horarios Apertura boletería: 19.30 hs. Proyección (puntual): desde las 20 hs.
A las 20 hs.: "JOINT SECURITY AREA – JSA"
"Joint Security Area – JSA" (Área de Seguridad Conjunta) Corea del Sur, 2000. 110'. Dir. Park Chan-wook.
Blue Dragon Film Awards: Mejor película, Mejor dirección (Park Chan-wook), Mejor fotografía (Kim Sung-Bok), Premio del Público al film más popular. La “Joint Security Area”, o “Área de Seguridad Conjunta” a la que hace referencia el título, es el lugar que separa las fronteras de las dos naciones coreanas, con un puente al que llaman “el de no retorno”. Se produce un grave incidente y hay dos versiones: según el Norte, un soldado surcoreano cruzó la frontera y mató a dos miembros del ejército Norcoreano, que estaban de guardia. Mientras que el Sur, por el contrario, sostiene que su soldado fue secuestrado, se liberó, disparó para salvar su vida, y huyó. Lo único que está claro es que hay dos muertos y un autor que ha confesado. La delicada situación política podría verse agravada dependiendo de cómo se resuelva el caso, así que se llama a una tercera parte, neutral, para que investigue los hechos y encuentre qué ocurrió realmente. Así es como entra en escena la oficial del ejército suizo Sophie Jean, nacida y criada en Ginebra pero de padre coreano, lo que parece facultarla para entender la situación sin favorecer a ninguna de las dos partes. Ella no ha pisado suelo coreano en su vida. A la mujer no le tiembla el pulso, e incluso bromea ante la estolidez de sus pares (sello del director, siempre hay humor aun en las situaciones más inusuales). Tiene tres testigos, entre los que está el supuesto autor de los hechos, para intentar destapar todas las mentiras y dar con la solución. El film comienza como un thriller detectivesco convencional, con un crimen a resolver, un personaje atando cabos y tratando de descubrir la verdad; destinado a resolverse en el último momento. Pero da un giro completo y se transforma en una comedia dramática que critica la situación política y militar de las dos Coreas. Park Chan-wook separa al público de Sophie y lo mete en la cabeza de Lee Soo-hyuk, el soldado acusado de matar a los dos norcoreanos y herir a un tercero. Entonces empezamos a ver lo que ha ocurrido realmente, mientras la oficial continúa con sus propias (y certeras) averiguaciones. Y resulta que nada es lo que parecía a simple vista. Aunque la película se basa en una novela escrita por Park Sang-yeon, y tiene elementos del cine comercial, buscando la satisfacción del gran público, se nota la visión particular y el inconfundible estilo visual del director de Old Boy, muy dado a componer planos atípicos, cargados de información, nunca gratuitos. Su mano en el guion también es evidente, ya que aparte del señalado humor negro, hay en la historia de Joint Security Area similitud con otros de sus trabajos, como el presentar a personajes que se ven envueltos, por el azar, en una situación de la que no pueden escapar, condenados de antemano a un destino trágico e injusto. Con el tiempo este film recibió numerosos premios en festivales y resultó ser el más visto en la historia del cine de su país. En 2007, en ocasión de la reunión cumbre de los presidentes de ambas Coreas, el presidente de Corea del Norte Kim Jong-il recibió de su homólogo sureño una copia en DVD.
A las 22 hs.: "PERFECT BLUE"
"Perfect Blue" Japón, 1997. 81'. Dir. Satoshi Kon.
Obra original: Takeuchi Yoshikazu. Dirección: Kon Satoshi. Guion: Murai Sadayuki. Diseño de personajes: Hamasu Hideki y Kon Satoshi. Música: Ikumi Masahiro. Dirección de arte: Ike Nobutaka. Animación: Madhouse y Oniro. Dirección de animación: Hamasu Hideki. Festival Internacional de Cinema de Catalunya – Sitges: Mejor largometraje de animación; B-Movie Film Festival (New York, USA): Mejor Película Animada año 2000; Fantasia Film Festival (Montréal, Québec, Canada): Mejor Película Asiática año 1997 -Compartió aquí terna con Cenizas del Tiempo de Wong Kar-Wai; Festival Internacional de Cine Fantástico de Oporto (Portugal): Mejor Película de Animación dentro de la sección género Fantástico año 1998. Mima Kirigoe decide abandonar su carrera como cantante pop para probar suerte en como actriz. La pantalla chica será su primera escala, en su viaje por intentar navegar el mundo frente a la lente. Aparentemente no todos están contentos con esta decisión y se lo harán saber a nuestra protagonista de formas brutales, arrastrándola poco a poco a los bordes de la locura. Opera prima de Satoshi Kon, película ícono de su breve filmografía que le abrió las puertas al mundo como director. Es un consistente e intenso destilado de todas las obsesiones de este brillante director. El juego continuo entre realidad y ficción llevado hasta el punto de la desorientación, cámaras ficcionales marcando ritmo en la narración, y poniendo a los cuerpos a bailar y correr por sus vidas. Perfect Blue es una obra de miedo, sobre el miedo, que maneja con exquisitez y brutalidad nipona el derrotero psíquico de su protagonista, y que arrastra al espectador junto con ella en la aventura arriesgada de dudar. Dudar como solo la locura pueda hacerlo: desarmando la realidad, y con los retazos armar una nueva.
Este martes se presentamos un cortometraje de Rubén Plataneo, integrante de la Comisión Directiva de CCR. A continuación, se podrá disfrutar de un film canadiense, adaptación de la novela de Laurence Olivier de 2015.
Horarios Apertura boletería: 19.30 hs. Proyección (puntual): desde las 20 hs.
A las 20 hs.: "ZONA FRANCA"
"Zona Franca" Argentina, 2022. 20'. Dir. Rubén Plataneo.
La herrumbrada, y ya desaparecida, ex zona franca boliviana en la costa portuaria rosarina, es el escenario postindustrial de este cortometraje, difícil de clasificar, de Rubén Plataneo, prolífico cineasta santafesino, integrante de la Comisión Directiva del Cine Club Rosario. Al filo de la corriente incesante del Rio Paraná, el cuerpo anhelante de una mujer intenta una expresión primal, un canto extremo en un lugar al borde. La voz de la soprano María Sol Bennasar, se hace inmortal en Zona Franca al interpretar la compleja e intrigante Sequenza 3 de Luciano Berio. Imágenes superpuestas, colores y sonidos que nos hacen ser parte de ese enigmático lugar y una increíble banda sonora a cargo de Charly Egg y la trompeta de Edu Vignoli, configuran este sueño experimental realizado en los márgenes prohibidos de la ciudad. Una alterada interpretación, casi animal y sofisticada a la vez, se trasfunde con este espacio anómalo, mientras una niña baila entre las sombras de galpones y vías quebradas, salta y se retuerce vital en el páramo hundido. Todo frente al cuerpo potente del río, entre el quejido del hierro oxidado y el ambiente ribereño de bucólica extrañeza. Amanece, anochece, el puente fantasma se cubre de niebla. Con la luna llena estalla la melodía y la voz como tormenta. Quien canta el mal espanta. Una película breve y honda, una Zona Franca.
A continuación: "RÉPERTOIRE DES VILLES DISPARUES"
"Répertoire des villes disparues" (Ghost Town Anthology) Canadá, 2019. 96'. Dir. Denis Côté.
Un paisaje nevado y llano; suena el viento en el pueblito canadiense pero los árboles permanecen perfectamente quietos. De repente, un coche se estrella contra bloques de hormigón, y un par de niños jugando a los enmascarados llegan para ver el accidente. El conductor es un joven que deja atrás a sus padres y a su hermano mayor; todos se cuestionan si fue un accidente o un suicidio, todos saben la respuesta. Pero acá el valor no está en encontrar respuestas, sino en explorar a dónde te llevan las preguntas. Filmada en 16 mm, la película es en gran parte monocromática. Reflexiona, en lugar de abordar directamente, sobre el tema del "Otro" y las posibilidades de la vida en un pueblo de 215 habitantes donde los misterios continúan siéndolo. Adaptación de la novela homónima de Laurence Olivier de 2015, la letárgica y cautivadora Ghost Town Anthology es una historia sobre un lugar gélido, poblado por personas congeladas que esperan que regrese un pasado de esplendor; sobre cómo satisfacen su deseo de la manera más literal, y que luego encuentran que las acciones de los vivos son más escalofriantes que las apariciones de fantasmas.
Esta doble función inicia a las 20 hs. con una película francesa audaz y heterodoxa. Luego, a las 22 hs., será el turno de la Sección Maestros del Animé con otra obra cumbre de Satoshi Kon.
Horarios Apertura boletería: 19.30 hs. Proyección (puntual): desde las 20 hs.
A las 20 hs.: "FRANCOFONÍA"
"Francofonía" Francia, 2015. 87'. Dir. Aleksandr Sokúrov.
Festival de Venecia: nominada León de Oro - Mejor película. Francia. Una sensación de fatalidad se cierne sobre la ciudad de París cuando, en el verano de 1940, el gobierno se rinde y entra el ejército alemán. Los documentales nazis muestran a Hitler inspeccionando la Torre Eiffel y los Campos Elíseos, y buscando el Louvre. El tesoro oculto al que los coleccionistas de bellas artes nazis le tienen puesto el ojo. M. Jacques Jaujard -interpretado por Louis Do de Lencquesaing- es el director del museo, un héroe olvidado que se niega a abandonar su puesto cuando llegan los alemanes. El conde Franziskus Wolff-Metternich es el oficial encargado por Hitler para supervisar la colección de arte de Francia mientras sus grandes ejércitos arrasan Europa. Una película audaz y heterodoxa. Sokurov recorre los pasillos del museo para reflexionar sobre su historia desde el Renacimiento hasta el presente. Poema en prosa cinematográfica o cuadro de instalación animada, que entreteje imágenes documentales con espeluznantes imágenes de las calles del París contemporáneo. Francofonía crea divertidas viñetas a partir de figuras históricas y míticas, necesarias para recorrer los pasillos del Louvre y la historia de Francia. Marianne, símbolo de la república francesa, declama: "Libertad, igualdad, fraternidad" y en un momento se sienta junto a Napoleón mientras juntos escudriñan la Mona Lisa. ¡Qué lujo hacer esto sin las multitudes! Filmando sin restricciones y fuera de horario en el interior del Louvre (el museo es productor asociado en este film franco-alemán-holandés), desfilan obra maestra tras obra maestra frente a la cámara, desde la estatua de un hombre, de 9.000 años de antigüedad, hasta la Mona Lisa y la Victoria Alada. Preservar el arte es preservar la civilización, este film lo pone de manifiesto.
A las 22 hs.: "PAPRIKA"
"Paprika" (Tsutsui Yasutaka) Japón, 2006. 90'. Dir. Satoshi Kon.
Guion: Kon Satoshi y Minakami Seishi. Diseño de personajes: Andou Masashi. Música: Hirasawa Susumu. Dirección de arte: Ike Nobutaka. Animación: Madhouse. Dirección de animación: Andou Masashi. Nominada León de oro en el 63º Festival de Venecia 2006, Mejor largometraje en el año 2007 Festival de Annecy. Participó en competición en: International Film Festival Rotterdam – 2007; San Francisco International Film Festival – 2007; The New York Film Festival – 2006; Toronto Film Critics Association Awards - 2007 | Nominada: Mejor película de animación. De las mejores obras de animación para adultos. Satoshi Kon, uno de los directores jóvenes más populares de Japón, tiene mucho que decir, por eso seguimos con su retrospectiva en la Sección Maestros del Animé. Kon es un ingeniero de viajes delirantes y vertiginosos a través de la psique, pero también un crítico social punzante y duro. Al igual que David Lynch, un cineasta con el que se compara a menudo a Kon, está obsesionado con la mente soñadora. Paprika, es un thriller cuya heroína es una psiquiatra que utiliza un elegante artilugio para tratar a los pacientes husmeando en sus sueños. El dispositivo es hackeado por "terroristas dormidos". Los sueños de los personajes comienzan a invadir su realidad de vigilia y se produce una extrañeza visualmente espectacular. Millennium Actress se pregunta qué tienen que ver la moralidad humana y la imaginación entre sí, mientras que su serie de televisión Paranoia Agent (por cierto, garantizada para traer alegría al corazón de cualquiera que extrañe Twin Peaks) aborda la identidad cultural y personal en el Japón moderno saturado de información y atomizado. En Paprika agrega un condimento humorístico a la trama. No importa ser o no fanático del animé; durante 90 minutos, Paprika nos hace ver continuamente las cosas bajo una nueva luz. ¿Con qué frecuencia se dice eso de una película?
