Cultura

Subsecretaría de Cultura de AMR

Para el martes 12 las dos propuestas vienen de Asia. En la primera función, un multipremiado film surcoreano. Luego, a las 22 hs., continúa la Sección Maestros Del Animé con otra imperdible película de Satoshi Kon.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "JOINT SECURITY AREA – JSA"

"Joint Security Area – JSA" (Área de Seguridad Conjunta)
Corea del Sur, 2000. 110'. Dir. Park Chan-wook.

Blue Dragon Film Awards: Mejor película, Mejor dirección (Park Chan-wook), Mejor fotografía (Kim Sung-Bok), Premio del Público al film más popular.
La “Joint Security Area”, o “Área de Seguridad Conjunta” a la que hace referencia el título, es el lugar que separa las fronteras de las dos naciones coreanas, con un puente al que llaman “el de no retorno”. Se produce un grave incidente y hay dos versiones: según el Norte, un soldado surcoreano cruzó la frontera y mató a dos miembros del ejército Norcoreano, que estaban de guardia. Mientras que el Sur, por el contrario, sostiene que su soldado fue secuestrado, se liberó, disparó para salvar su vida, y huyó. Lo único que está claro es que hay dos muertos y un autor que ha confesado. La delicada situación política podría verse agravada dependiendo de cómo se resuelva el caso, así que se llama a una tercera parte, neutral, para que investigue los hechos y encuentre qué ocurrió realmente.
Así es como entra en escena la oficial del ejército suizo Sophie Jean, nacida y criada en Ginebra pero de padre coreano, lo que parece facultarla para entender la situación sin favorecer a ninguna de las dos partes. Ella no ha pisado suelo coreano en su vida.
A la mujer no le tiembla el pulso, e incluso bromea ante la estolidez de sus pares (sello del director, siempre hay humor aun en las situaciones más inusuales). Tiene tres testigos, entre los que está el supuesto autor de los hechos, para intentar destapar todas las mentiras y dar con la solución.
El film comienza como un thriller detectivesco convencional, con un crimen a resolver, un personaje atando cabos y tratando de descubrir la verdad; destinado a resolverse en el último momento. Pero da un giro completo y se transforma en una comedia dramática que critica la situación política y militar de las dos Coreas. Park Chan-wook separa al público de Sophie y lo mete en la cabeza de Lee Soo-hyuk, el soldado acusado de matar a los dos norcoreanos y herir a un tercero. Entonces empezamos a ver lo que ha ocurrido realmente, mientras la oficial continúa con sus propias (y certeras) averiguaciones. Y resulta que nada es lo que parecía a simple vista.
Aunque la película se basa en una novela escrita por Park Sang-yeon, y tiene elementos del cine comercial, buscando la satisfacción del gran público, se nota la visión particular y el inconfundible estilo visual del director de Old Boy, muy dado a componer planos atípicos, cargados de información, nunca gratuitos. Su mano en el guion también es evidente, ya que aparte del señalado humor negro, hay en la historia de Joint Security Area similitud con otros de sus trabajos, como el presentar a personajes que se ven envueltos, por el azar, en una situación de la que no pueden escapar, condenados de antemano a un destino trágico e injusto.
Con el tiempo este film recibió numerosos premios en festivales y resultó ser el más visto en la historia del cine de su país. En 2007, en ocasión de la reunión cumbre de los presidentes de ambas Coreas, el presidente de Corea del Norte Kim Jong-il recibió de su homólogo sureño una copia en DVD.

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A las 22 hs.: "PERFECT BLUE"

"Perfect Blue"
Japón, 1997. 81'. Dir. Satoshi Kon.

Obra original: Takeuchi Yoshikazu. Dirección: Kon Satoshi. Guion: Murai Sadayuki. Diseño de personajes: Hamasu Hideki y Kon Satoshi. Música: Ikumi Masahiro. Dirección de arte: Ike Nobutaka. Animación: Madhouse y Oniro. Dirección de animación: Hamasu Hideki.
Festival Internacional de Cinema de Catalunya – Sitges: Mejor largometraje de animación; B-Movie Film Festival (New York, USA): Mejor Película Animada año 2000; Fantasia Film Festival (Montréal, Québec, Canada): Mejor Película Asiática año 1997 -Compartió aquí terna con Cenizas del Tiempo de Wong Kar-Wai; Festival Internacional de Cine Fantástico de Oporto (Portugal): Mejor Película de Animación dentro de la sección género Fantástico año 1998.
Mima Kirigoe decide abandonar su carrera como cantante pop para probar suerte en como actriz. La pantalla chica será su primera escala, en su viaje por intentar navegar el mundo frente a la lente. Aparentemente no todos están contentos con esta decisión y se lo harán saber a nuestra protagonista de formas brutales, arrastrándola poco a poco a los bordes de la locura.
Opera prima de Satoshi Kon, película ícono de su breve filmografía que le abrió las puertas al mundo como director. Es un consistente e intenso destilado de todas las obsesiones de este brillante director. El juego continuo entre realidad y ficción llevado hasta el punto de la desorientación, cámaras ficcionales marcando ritmo en la narración, y poniendo a los cuerpos a bailar y correr por sus vidas.
Perfect Blue es una obra de miedo, sobre el miedo, que maneja con exquisitez y brutalidad nipona el derrotero psíquico de su protagonista, y que arrastra al espectador junto con ella en la aventura arriesgada de dudar. Dudar como solo la locura pueda hacerlo: desarmando la realidad, y con los retazos armar una nueva.

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Este martes se presentamos un cortometraje de Rubén Plataneo, integrante de la Comisión Directiva de CCR. A continuación, se podrá disfrutar de un film canadiense, adaptación de la novela de Laurence Olivier de 2015.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "ZONA FRANCA"

"Zona Franca"
Argentina, 2022. 20'. Dir. Rubén Plataneo.

La herrumbrada, y ya desaparecida, ex zona franca boliviana en la costa portuaria rosarina, es el escenario postindustrial de este cortometraje, difícil de clasificar, de Rubén Plataneo, prolífico cineasta santafesino, integrante de la Comisión Directiva del Cine Club Rosario.
Al filo de la corriente incesante del Rio Paraná, el cuerpo anhelante de una mujer intenta una expresión primal, un canto extremo en un lugar al borde. La voz de la soprano María Sol Bennasar, se hace inmortal en Zona Franca al interpretar la compleja e intrigante Sequenza 3 de Luciano Berio. Imágenes superpuestas, colores y sonidos que nos hacen ser parte de ese enigmático lugar y una increíble banda sonora a cargo de Charly Egg y la trompeta de Edu Vignoli, configuran este sueño experimental realizado en los márgenes prohibidos de la ciudad.
Una alterada interpretación, casi animal y sofisticada a la vez, se trasfunde con este espacio anómalo, mientras una niña baila entre las sombras de galpones y vías quebradas, salta y se retuerce vital en el páramo hundido. Todo frente al cuerpo potente del río, entre el quejido del hierro oxidado y el ambiente ribereño de bucólica extrañeza. Amanece, anochece, el puente fantasma se cubre de niebla. Con la luna llena estalla la melodía y la voz como tormenta. Quien canta el mal espanta. Una película breve y honda, una Zona Franca.

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A continuación: "RÉPERTOIRE DES VILLES DISPARUES"

"Répertoire des villes disparues" (Ghost Town Anthology)
Canadá, 2019. 96'. Dir. Denis Côté.

Un paisaje nevado y llano; suena el viento en el pueblito canadiense pero los árboles permanecen perfectamente quietos. De repente, un coche se estrella contra bloques de hormigón, y un par de niños jugando a los enmascarados llegan para ver el accidente. El conductor es un joven que deja atrás a sus padres y a su hermano mayor; todos se cuestionan si fue un accidente o un suicidio, todos saben la respuesta.
Pero acá el valor no está en encontrar respuestas, sino en explorar a dónde te llevan las preguntas. Filmada en 16 mm, la película es en gran parte monocromática. Reflexiona, en lugar de abordar directamente, sobre el tema del "Otro" y las posibilidades de la vida en un pueblo de 215 habitantes donde los misterios continúan siéndolo.
Adaptación de la novela homónima de Laurence Olivier de 2015, la letárgica y cautivadora Ghost Town Anthology es una historia sobre un lugar gélido, poblado por personas congeladas que esperan que regrese un pasado de esplendor; sobre cómo satisfacen su deseo de la manera más literal, y que luego encuentran que las acciones de los vivos son más escalofriantes que las apariciones de fantasmas.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Esta doble función inicia a las 20 hs. con una película francesa audaz y heterodoxa. Luego, a las 22 hs., será el turno de la Sección Maestros del Animé con otra obra cumbre de Satoshi Kon.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "FRANCOFONÍA"

"Francofonía"
Francia, 2015. 87'. Dir. Aleksandr Sokúrov.

Festival de Venecia: nominada León de Oro - Mejor película.
Francia. Una sensación de fatalidad se cierne sobre la ciudad de París cuando, en el verano de 1940, el gobierno se rinde y entra el ejército alemán. Los documentales nazis muestran a Hitler inspeccionando la Torre Eiffel y los Campos Elíseos, y buscando el Louvre. El tesoro oculto al que los coleccionistas de bellas artes nazis le tienen puesto el ojo.
M. Jacques Jaujard -interpretado por Louis Do de Lencquesaing- es el director del museo, un héroe olvidado que se niega a abandonar su puesto cuando llegan los alemanes. El conde Franziskus Wolff-Metternich es el oficial encargado por Hitler para supervisar la colección de arte de Francia mientras sus grandes ejércitos arrasan Europa.
Una película audaz y heterodoxa. Sokurov recorre los pasillos del museo para reflexionar sobre su historia desde el Renacimiento hasta el presente. Poema en prosa cinematográfica o cuadro de instalación animada, que entreteje imágenes documentales con espeluznantes imágenes de las calles del París contemporáneo.
Francofonía crea divertidas viñetas a partir de figuras históricas y míticas, necesarias para recorrer los pasillos del Louvre y la historia de Francia. Marianne, símbolo de la república francesa, declama: "Libertad, igualdad, fraternidad" y en un momento se sienta junto a Napoleón mientras juntos escudriñan la Mona Lisa. ¡Qué lujo hacer esto sin las multitudes!
Filmando sin restricciones y fuera de horario en el interior del Louvre (el museo es productor asociado en este film franco-alemán-holandés), desfilan obra maestra tras obra maestra frente a la cámara, desde la estatua de un hombre, de 9.000 años de antigüedad, hasta la Mona Lisa y la Victoria Alada. Preservar el arte es preservar la civilización, este film lo pone de manifiesto.

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A las 22 hs.: "PAPRIKA"

"Paprika" (Tsutsui Yasutaka)
Japón, 2006. 90'. Dir. Satoshi Kon.

Guion: Kon Satoshi y Minakami Seishi. Diseño de personajes: Andou Masashi. Música: Hirasawa Susumu. Dirección de arte: Ike Nobutaka. Animación: Madhouse. Dirección de animación: Andou Masashi.
Nominada León de oro en el 63º Festival de Venecia 2006, Mejor largometraje en el año 2007 Festival de Annecy. Participó en competición en: International Film Festival Rotterdam – 2007; San Francisco International Film Festival – 2007; The New York Film Festival – 2006; Toronto Film Critics Association Awards - 2007 | Nominada: Mejor película de animación.
De las mejores obras de animación para adultos.
Satoshi Kon, uno de los directores jóvenes más populares de Japón, tiene mucho que decir, por eso seguimos con su retrospectiva en la Sección Maestros del Animé. Kon es un ingeniero de viajes delirantes y vertiginosos a través de la psique, pero también un crítico social punzante y duro.
Al igual que David Lynch, un cineasta con el que se compara a menudo a Kon, está obsesionado con la mente soñadora. Paprika, es un thriller cuya heroína es una psiquiatra que utiliza un elegante artilugio para tratar a los pacientes husmeando en sus sueños. El dispositivo es hackeado por "terroristas dormidos". Los sueños de los personajes comienzan a invadir su realidad de vigilia y se produce una extrañeza visualmente espectacular.
Millennium Actress se pregunta qué tienen que ver la moralidad humana y la imaginación entre sí, mientras que su serie de televisión Paranoia Agent (por cierto, garantizada para traer alegría al corazón de cualquiera que extrañe Twin Peaks) aborda la identidad cultural y personal en el Japón moderno saturado de información y atomizado. En Paprika agrega un condimento humorístico a la trama.
No importa ser o no fanático del animé; durante 90 minutos, Paprika nos hace ver continuamente las cosas bajo una nueva luz. ¿Con qué frecuencia se dice eso de una película?

Este martes será el turno de un film norteamericano que revive la fe en el cine y en el mundo.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): 20 hs.

"FIRST COW"

Estados Unidos, 2019. 121'. Dir. Kelly Reichardt.

Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor Película; Círculo de Críticos de San Francisco: Mejor guión adaptado (Jonathan Raymond, Kelly Reichardt), Mejor fotografía (Christopher Blauvelt) Mejor diseño de producción, Festival de Gijón: Mejor película, Premios César, Festival Berlín: Nominada a mejor película, Independent Spirit Award: Mejor Película.
“El pájaro, un nido; la araña, una tela; el hombre, la amistad” es el epígrafe –tomado de los Proverbios del infierno, de William Blake- con el que se abre First Cow, la nueva maravilla de la directora estadounidense Kelly Reichardt., adaptación de la novela The Half-Life, de Jon Raymond. Y a partir de allí, como si cobijara a sus personajes en un pequeño nido y a la vez los descubriera atrapados en una densa telaraña, dos hombres descubrirán que –más allá de lo que anhelan y ambicionan- todo lo que tienen en el mundo es su amistad.
Corre el año 1820 en las tierras vírgenes de Oregon, al norte de unos Estados Unidos todavía en formación, Cookie sufre como cocinero de una expedición de cazadores de pieles y se encontrará con King Lu, un misterioso inmigrante chino que huye de unos rusos que le persiguen. Dos outsiders un mundo brutal y agresivo. Las encrucijadas, los encuentros fortuitos son una rica constante en la obra de Reichardt.
Es increíble como con escasos elementos –un par de personajes muy bien delineados, una vaca muy observadora, la naturaleza como casi único escenario— y hermosa fotografía, Reichardt logra un film pleno de sentidos y mucho más complejo de lo que aparenta. Porque en First Cow hay fábula, “bromance”, hay humor e incluso suspenso, si el espectador es capaz de relajarse y dejarse llevar por el relato construido a partir de infinidad de detalles a los que hay que estar muy atento porque hacen al todo.
Como si esto fuera poco, Reichardt, ya desde el breve prólogo contemporáneo, insinúa no sólo su conclusión sino que consigue trascender la anécdota. Tanto que desnuda las reglas básicas del capitalismo y habla del desencanto del sueño americano, frente a un esquema competitivo despiadado. Quizás luego del placer de apreciar esta bella obra nos preguntemos: ¿No es toda la película una discreta lección sobre la creación del deseo y la necesidad creada de consumo en la trama capitalista? ¿No es también la amistad una prueba de que lo importante no está signado por la lógica del capital? First Cow es una de esas películas que reviven la fe en el cine y en el mundo.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Dos atractivas obras se verán el martes. A las 20 hs., un tremendo film independiente de ciencia ficción. A las 22 hs. vuelve la Sección Maestros del Animé con otra gran película de Kon Satoshi.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "THE ARTIFICE GIRL"

"The Artifice Girl"
Estados Unidos, 2022. 93'. Dir. Franklin Ritch.

La imagen popular de la ciencia ficción o ficción especulativa, suele estar llena de artilugios fantásticos, coches voladores, formas futuristas y luces de neón que iluminan un mundo distópico por venir. Aunque esto es sólo la vidriera de un género siempre lleno de posibilidades. Aquí es donde The Artifice Girl del actor/director Franklin Ritch, realmente comprende la naturaleza de la historia que busca contar; una historia simple y contenida, de buenas intenciones que se desvían; donde la historia y las relaciones entre los personajes se convierte en la estrella, que brilla mucho más que cualquier espada láser.
La película trata sobre una entidad de inteligencia artificial que se utiliza para rastrear y procesar a los delincuentes depredadores de niñxs y lo que sucede cuando la inteligencia de la herramienta supera la inteligencia del usuario. Es una mirada fascinante a las preguntas que ya nos estamos planteando, con la aguda capacidad de centrar estos enigmas de modos simples, pero a golpes de brillantez de una película no sólo muy inteligente, sino también desafiante, tanto para los protagonistas como para los espectadores.
No hay nada en The Artifice Girl que la ubique visualmente en un paisaje futuro, se da a entender en una estructura de tres actos muy original que explora el estado de los personajes en distintos puntos del recorrido vital, permitiendo al espectador imaginar el cambiante mundo exterior. El diseño de producción es tan mínimo como efectivo, no necesitamos hologramas ni muebles extravagantes que referencien un futuro, todo se dice y muestra a través de lo que ocurre entre los actuantes; podríamos hablar quizás de una película "de Cámara" con un relato de fuerte concentración.
Las vidas de los cuatro protagonistas principales evolucionan con la película, y todos comienzan a cuestionar no sólo sus motivos personales y su humanidad, sino también lo que significa 'humanidad'. Hay una interacción que además de inquietar involucra al espectador en la conversación y sus derivas.
The Artifice Girl es un tremendo ejemplo de ciencia ficción independiente bien hecha. Una película pequeña con ideas muy grandes y potente atracción dramática, que explora las profundidades de la conciencia, el consentimiento, las leyes de la robótica y dónde se rompen; la profundidad del trauma de abuso, sus efectos en el comportamiento futuro y las controversias morales. Temas profundos abordados desde el cine, con matices sorprendentes y una inteligencia emocional que sustituye elegantemente el tipo de imágenes hiperactivas que suelen identificar el estándar de ciencia ficción.

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A las 22 hs.: "TOKYO GODFATHERS"

"Tokyo Godfathers"
Japón, 2003. 92'. Dir. Kon Satoshi.

Guión: Kon Satoshi y Nobumoto Keiko. Diseño de personajes: Kon Satoshi y Konishi Ken'ichi. Música: Moonriders y Suzuki Kei'ichi. Dirección de arte: Ike Nobutaka Animación: Madhouse. Dirección de animación: Andou Masashi, Inoue Toshiyuki y Konishi Kenichi.
Premio a la excelencia otorgado por el Festival de Arte de Japón.
Es noche buena; tres homeless tokiotas realizan una búsqueda navideña en la basura y se cruzan con un infante a la deriva, en un pesebre de bolsas de consorcio (una comedia a la Kon). Una llave, un puñado de pistas y estos personajes que se aventuran a la búsqueda de los padres de esta pequeña abandonada recorriendo las calles, callejones, subtes, barrios y barcitos de una Tokyo por momentos cruel y despiadada. En la capital japonesa que retrata Satoshi Kon los momentos luminosos y cálidos brotan de los personajes que la van transitando, de nuestros protagonistas a la deriva, y de sus historias inconclusas.
Inspirada en su premisa inicial por el film de John Ford 3 Godfathers (1948) protagonizada por John Wayne, el guión de Kon y Nobumoto se mete en el universo de la marginalidad, de la gente que queda afuera, allí en el primer mundo, no tantas veces visitado en la animación, en esta ocasión en clave tragicomedia (como toda comedia). Kon despliega en Tokyo Godfathers la posibilidad nuevamente de superponer mundos, ya no oníricos, ficciones narrativas o aterradoras visiones paranoicas, sino la convivencia de diferentes realidades habitando el día a día cotidiano.

Este martes se podrá ver una atrapante película italiana -siciliana- hasta la médula, dirigida por Marco Bellocchio.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): 20 hs.

"IL TRADITORE" (El traidor de la Mafia)

Italia, 2019. 145'. Dir. Marco Bellocchio.

Festival de Cannes: Sección oficial; Premios David di Donatello: Mejor película; Mejor director: Marco Bellocchio; Mejor actor (Pierfrancesco Favino); Festival de Sevilla: Mejor actor: Pierfrancesco Favino; Mejor actor secundario (Luigi Lo Cascio); Mejor guión; Mejor montaje.
Recorrer la trayectoria cinematográfica de Bellochio es recorrer la historia de la Italia contemporánea, en más de 50 obras de distintos metrajes. En 1965 estrenó su brillante ópera prima I pugni in tasca, sátira corrosiva sobre la burguesía de las provincias, pasando por otros grandes títulos como En el nombre del padre, La hora de la religión, hasta la aguda mirada sobre la transformación de Mussolini en un líder fascista en Vincere. Amplísima y extraordinaria filmografía que incluye películas de todo tipo.
En IL TRADITORE, el largometraje con el presupuesto más alto de su carrera, y a sus 80 años, Bellochio se mete con la mafia siciliana, en una obra ambiciosa en todo sentido, comparable a El padrino de Coppola o lo mejor gangsteril de Scorsese, donde resignifica desde un punto de vista político el caso de Tommaso Buscetta, “la primera garganta profunda de la mafia”.
En los años 80’ se había desatado una guerra entre clanes mafiosos por controlar el multimillonario negocio a escala mundial del tráfico de drogas que incluía asesinar a cualquiera –incluidos niños— que tuviera lazos de sangre con una familia rival. Pero hubo un caso que dio vuelta la historia y se mostró en un juicio público de gran impacto, vinculaciones políticas y consecuencias sociales. Ese juicio que se le hizo a varios capos de la mafia siciliana es también el centro de este relato del veterano director italiano que cuenta dos décadas en la vida de la Cosa Nostra de manera clásica, entretenida y vital.
Las tres partes del relato conforman una película muy dinámica, que avanza y retrocede a balazos y traiciones en el tiempo, realizada con una solidez narrativa contundente.
Epica, operística, italiana -siciliana- hasta la médula, Il traditore expone sin concesiones, un capítulo importante de la historia de su país al dejar estampado que altos funcionarios políticos estuvieron durante mucho tiempo implicados en los negocios sucios de la mafia. Al mismo tiempo Bellocchio incursiona en el thriller judicial, en el melodrama y en el cine de acción con absoluta naturalidad, y con un clasicismo narrativo potente que se disfruta y agradece siempre.

Subsecretaría de Cultura de AMR

Dos filmes imperdibles. A las 20 hs., para muchos la mejor comedia española de todos los tiempos. A las 22 hs. se inaugura la Sección Maestros del Animé con una hermosa película de Kon Satoshi.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): desde las 20 hs.

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A las 20 hs.: "EL VERDUGO"

"El Verdugo"
España, 1963. 90'. Dir. Luis García Berlanga.

Festival de Venecia: Premio FIPRESCI - Jurado de la Crítica Internacional.
Aunque sus proyectos a menudo fueron detenidos y cortados por la censura durante la dictadura, Berlanga logró desafiar el mito de Franco a través de la comedia, ridiculizando las debilidades españolas con farsas caóticas y chistes visuales extravagantes. La propia historia personal de Berlanga es emblemática de las cambiantes complejidades de la política española. Se describía a sí mismo como “un cristiano, pero creativamente anarquista y políticamente liberal”.
Cuarenta años después de haber triunfado en el Festival de Venecia, El Verdugo sigue siendo votada por la crítica de su país como la mejor película española de todos los tiempos, la brillante comedia negra de Berlanga sobre el peculiar horror de la condena al ‘garrote’, no ha perdido su fuerza con el paso de los años.
Amadeo es verdugo profesional de la Audiencia de Madrid. José Luis es empleado en una funeraria y no encuentra novia: todas las chicas huyen de él cuando se enteran de su trabajo. La hija de Amadeo, Carmen, tampoco encuentra novio ya que todos sus pretendientes escapan al enterarse de que su padre es verdugo.
Los jóvenes se conocen y comienzan una relación. José Luis sueña con emigrar a Alemania y trabajar como mecánico, pero el peculiar suegro tiene otros planes…
Llena de agudas e inquietantes ideas sobre el mundo dictatorial y corrupto engendrado por la mentalidad franquista, y a pesar de los recortes de la censura, El Verdugo es la feroz e hilarante sátira perenne de Berlanga. Filmada por el director de fotografía de Sergio Leone y Pasolini, el gran Tonino Delli Colli, es una poderosa condena de la pena capital y de los mitos franquistas del deber y el patriotismo.

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A las 22 hs.: "MILLENNIUM ACTRESS"

"Millennium Actress" (Sennen Joyuu)
Japón, 2001. 87'. Dir. Kon Satoshi.

Guión: Kon Satoshi y Murai Sadayuki. Diseño de personajes: Kon Satoshi y Honda Takeshi. Música: Hirasawa Susumu. Co-producción de: Genco y Madhouse.
Inspirada en la vida de las actrices Hara Setsuko (1920 - 2015) y Takamine Hideko (1924 - 2010). Recibió innumerables premios, incluido el Gran Premio en el Festival de Artes y Medios de la Agencia Japonesa de Asuntos Culturales, que compartió con Spirited Away de Hayao Miyazaki, MILLENNIUM ACTRESS es un ‘must-see’ para los fanáticos del animé de todas las edades.
Un estudio cinematográfico cierra. Mientras se derrumban viejos galpones y sets de filmación, un cinéfilo y su cameraman se preparan para entrevistar a una vieja estrella, retirada y recluida, quien misteriosamente se alejó de las cámaras en la cima de su fama. Un memento que desata una narración. Narración de una vida, de una carrera (quizás contra el tiempo mismo).
En Millennium Actress el flashback es tiempo presente. Los personajes no solo transitan, sino que viven el recuerdo narrado. Les golpea en la cara, les quema, los pone en peligro, los apura hacia adelante. Hay salto, hay corte (gritan ¡corte!). Las cámaras de ficción siguen el movimiento real, mientras los personajes de ficción son el espectáculo de los personajes reales. Esa mezcla, ese juego es el ojo de Kon, su seña. Esa línea sinuosa entre realidad y ficción es el gesto de su autoría.
Kon es un cinéfilo. Siempre se supo. La forma en la que se ocupa de retratar una puesta en escena, de dibujar la cocina fílmica da cuenta de esto. Cómo se crea una fantasía, cómo se construye una ficción, cómo caemos perdidos delante y dentro de ella, y como de ella nacen esas figuras casi míticas que se transforman en parte de nuestras vidas por un ratito en el momento que la luz se apaga y empieza la función.
Kon amó el cine…. Y nos dejó pruebas de ello.

Este martes conoceremos la interesante y satírica mirada del director Jia Zhangke sobre el corazón oscuro de la China moderna.

Horarios
Apertura boletería: 19.30 hs.
Proyección (puntual): 20 hs.

"TIAN ZHU DING" (Un toque de violencia)

China, 2013. 130'. Dir. Jia Zhangke.

Festival de Cannes: Ganadora Mejor guión (Jia Zhangke).
Cuatro personajes, cuatro provincias, una reflexión sobre la China contemporánea: una sociedad con un desarrollo económico colosal que convive con una enorme violencia.
Dahai, un minero furioso por la corrupción de los dirigentes de su pueblo, decide pasar a la acción.
San'er, un emigrante, descubre las infinitas posibilidades que le ofrece su arma. Xiaoyu, recepcionista en una sauna, no soporta más el acoso de un cliente rico. Xiaohui pasa de un trabajo a otro en condiciones cada vez más degradantes.
El cineasta chino Jia Zhang-ke, conocido hasta ese momento por su realismo documental en la película de 2006 Still Life, sobre comunidades que se preparan para ahogarse al servicio de la represa hidroeléctrica de las Tres Gargantas de China, hace en Un toque de violencia su propia Pulp Fiction. Una película descarada, atrevida y a menudo ultraviolenta, inspirada abiertamente en las películas de artes marciales wuxia del Rey Hu, y los riffs de Sergio Leone y Tarantino en este mismo género.
China es un actor de poder económico globalizado que sufre una nueva y violenta Revolución Cultural de culto al dinero, o al menos así lo ve Jia Zhang-ke. La élite clientelista se ha vuelto súper rica en la liquidación de activos estatales, creando una envidia venenosa en los desposeídos que escuchan todo sobre la riqueza de otros en Internet, y se supone que deben mirar aspiracionalmente todo esto en las redes sociales.
No es simplemente una aventura sobre la explotación, es una arremetida furiosa, dolorosa y satírica del corazón oscuro de la China moderna, un intento del director de representar esto a las audiencias de otras partes del mundo.